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In diesem ausführlichen Artikel führt uns Pratik Gulati durch die vielen Schritte, die beim Erstellen eines Animationsfilms von Grund auf notwendig sind, sei es der nächste Hollywood-Blockbuster oder der kürzeste Kurzfilm. Wenn Sie also überlegen, ob Sie es selbst ausprobieren möchten und wissen möchten, wie es gemacht wird, oder wenn Sie nur neugierig auf den Prozess sind, sollten Sie sich diesen Artikel nicht entgehen lassen.
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Beliebte Artikel auf Envato Market Die Produktionspipeline eines typischen animierten Kurzfilms oder eines Films kann in drei Phasen unterteilt werden: Vorproduktion, Produktion und Postproduktion. In diesem Artikel werden wir diese drei Hauptschritte im Detail diskutieren.
Der erste Prozess in der Animationspipeline und auch einer der wichtigsten ist die Vorproduktion. Es beginnt mit den Hauptkonzepten, die anfänglich zu einer vollständigen Geschichte werden, und dann, wenn die Geschichte fertiggestellt ist, werden andere Dinge wie das Drehbuch, die Aufnahmereihenfolge und die Kameraperspektive bearbeitet.
Einige Hauptkomponenten der Vorproduktion sind Story Boarding, Layouts, Modellblätter und Animatics.
… Sie sind auch eine visuelle Erinnerung an den ursprünglichen Plan; etwas, auf das während der gesamten Produktion zurückgegriffen werden kann.
Das Storyboard hilft dabei, die Entwicklung der Handlung abzuschließen und ist ein wesentlicher Schritt des Animationsprozesses. Es besteht aus Zeichnungen in Form eines Comicstrips und wird verwendet, um die Animation zu visualisieren und Ideen klar zu kommunizieren. Sie enthält Details zur Szene und zu Änderungen in der Animation, oft begleitet von Textnotizen, die Ereignisse in der Szene selbst beschreiben, beispielsweise Kamerabewegungen.
Storyboards können nicht nur besonders nützlich sein, wenn Sie in Gruppenumgebungen arbeiten (was in der Animationsbranche üblich ist), sie dienen auch als visuelle Erinnerung an den ursprünglichen Plan. etwas, auf das während der gesamten Produktion zurückgegriffen werden kann.
Sobald die Storyboards genehmigt wurden, werden sie an die Layoutabteilung geschickt, die dann in enger Zusammenarbeit mit dem Regisseur die Standorte und Kostüme entwirft. Auf diese Weise beginnen sie, die Szenen in Szene zu setzen, und zeigen die Positionen der verschiedenen Charaktere im Verlauf jeder Aufnahme.
Modellblätter sind präzise gezeichnete Gruppen von Bildern, die alle möglichen Ausdrücke zeigen, die eine Figur machen kann, und alle möglichen Posen, die sie einnehmen können. Diese Blätter werden erstellt, um sowohl die Charakterdetails präzise zu erhalten als auch die Designs der Charaktere einheitlich zu halten, während verschiedene Animatoren sie über mehrere Aufnahmen hinweg bearbeiten.
In dieser Phase werden die Charakterdesigns fertiggestellt, sodass die Blaupausen zu Beginn der Produktion an die Modellierungsabteilung gesendet werden können, die für die Erstellung der endgültigen Charaktermodelle verantwortlich ist.
Um eine bessere Vorstellung von der Bewegung und dem Timing komplexer Animationssequenzen und VFX-intensiver Szenen zu erhalten, erstellt die Vorvisualisierungsabteilung im VFX-Studio kurz nach dem Storyboarding vereinfachte Modelle, die als "Animatics" bezeichnet werden.
Diese helfen dem Regisseur bei der Planung der Inszenierung der obigen Sequenzen und der Integration der visuellen Effekte in die endgültige Einstellung.
Nachdem das Storyboard genehmigt wurde, geht das Projekt in die Produktionsphase. Hier kann die eigentliche Arbeit beginnen, basierend auf den Richtlinien, die während der Vorproduktion festgelegt wurden. Einige Hauptbestandteile sind Layout, Modellierung, Texturierung, Beleuchtung, Rigging und Animation.
[Layout Artists] produzieren die 3D-Version dessen, was Storyboard-Künstler zuvor auf Papier gezeichnet hatten.
Mit Layoutmodellen oder Geometrieblöcken anstelle des endgültigen Sets und der Zeichen ist der Layout-Künstler dafür verantwortlich, die Aufnahme zu erstellen und den Animatoren eine grobe Animation als Leitfaden zu liefern. Was sie produzieren, ist die 3D-Version dessen, was die Storyboard-Künstler zuvor auf Papier gezeichnet hatten.
In dieser Phase genehmigt der Direktor die Kamerabewegungen, die Schärfentiefe und die Zusammensetzung der Modelle, aus denen sich das Set zusammensetzt. Es liegt dann in der Verantwortung der Modellierungsabteilung, diese genehmigten Set-, Requisiten- und Charaktermodelle in den endgültigen Layoutphasen bereitzustellen.
Modellierer sind normalerweise in zwei oder mehr Abteilungen aufgeteilt. Während organische Modellierer tendenziell einen Skulpturenhintergrund haben und sich auf das Erstellen von Figuren und anderen Freiformflächen spezialisiert haben, haben Modellierer mit harter Oberfläche häufig ein eher industrielles Design oder einen architektonischen Hintergrund und modellieren dabei Fahrzeuge, Waffen, Requisiten und Gebäude.
In enger Zusammenarbeit mit den Art Directors, Visual Effects Supervisors und Animation Supervisors setzen Modellierer 2D-Konzeptzeichnungen und traditionell geformte Maquettes in detailreiche, topologisch fundierte 3D-Modelle um. Sie unterstützen dann den Technical Animator und Enveloper, da das Modell mit einem Skelett ausgestattet ist und die Haut entwickelt wird. Anschließend kann das Modell an den Modeler zurückgegeben werden, der dann die Gesichtsausdrücke und alle spezifischen Muskelspannungs- / Wackelformen formen wird, die möglicherweise erforderlich sind.
Sobald das Modell genehmigt ist, wird es den Abteilungen für Rigging und Texturlackierung zur Verfügung gestellt, die die letzten Schritte der Vorbereitung des Modells für die Animation und das Rendern abschließen. Mit etwas Glück bewegt sich das Modell durch die Produktionspipeline, ohne zur Korrektur von Modellierungen zurückzukehren, obwohl einige Korrekturen unvermeidlich sind. Probleme mit Modellen treten manchmal erst im Render-Stadium auf. In diesem Fall sendet das leichtere Modell das Modell zurück repariert sein.
Ganz gleich, ob Sie eine Textur von Grund auf erstellen oder ein vorhandenes Bild bearbeiten möchten: Texturing Artists sind für das Schreiben von Shader und das Malen von Texturen gemäß den Szenenanforderungen verantwortlich.
Hand in Hand mit den Oberflächen- und Schattierungsabteilungen werden Texturen passend zu den genehmigten Konzeptzeichnungen und Entwürfen gemalt, die von der Kunstabteilung geliefert wurden. Diese Texturen werden in Form von Karten erstellt, die dann dem Modell zugewiesen werden.
… Licht-TDs kombinieren die neueste Version der Animation, die Effekte, die Kamerabewegungen, die Shader und die Texturen und stellen täglich eine aktualisierte Version dar.
Ein Lichtkünstler muss nicht nur die einzelnen Szenen beleuchten, sondern auch darüber nachdenken, wie er alle Elemente zusammenbringen kann, die von den anderen Abteilungen erstellt wurden. In den meisten Unternehmen kombinieren Beleuchtungs-TDs die neueste Version der Animation, die Effekte, die Kamerabewegungen, die Shader und die Texturen in den endgültigen Szenen und stellen täglich eine aktualisierte Version bereit.
Feuerzeuge haben ein breites Spektrum an Aufgaben, darunter das Platzieren von Licht, das Bestimmen von Lichteigenschaften, das Festlegen, wie Licht mit verschiedenen Arten von Materialien interagiert, die Qualitäten und Komplexitäten der realistischen Texturen, wie die Position und Intensität von Licht die Stimmung und Glaubwürdigkeit beeinflussen als Farbtheorie und Harmonie. Sie müssen direkte und reflektierte Beleuchtung und Schatten für jeden zugewiesenen Schuss festlegen, um sicherzustellen, dass jeder Schuss in die Kontinuität einer Sequenz passt und gleichzeitig die Vision der Direktoren, des Produktionsdesigners, der Art Directors und der VFX-Supervisors erfüllen soll.
Rigging ist das Hinzufügen von Knochen zu einem Charakter oder das Definieren der Bewegung eines mechanischen Objekts und ist für den Animationsprozess von zentraler Bedeutung. Ein Charakter-TD erstellt Testanimationen, die zeigen, wie eine Kreatur oder ein Charakter erscheint, wenn sie in verschiedene Posen verformt werden. Basierend auf den Ergebnissen werden häufig Korrekturanpassungen vorgenommen.
Die Rigging-Abteilung ist auch an der Entwicklung von Stoffsimulationen beteiligt. Neben der Möglichkeit, eine Figur in der Lage zu halten, ihre Faust zu ballen oder ihren Arm zu drehen, ist die Rigging- und Tuchabteilung dafür verantwortlich, dass sich ihr Kostüm glaubwürdig bewegt.
… Für die Frame-für-Frame-Planung eines Charakters werden dieselben Grundprinzipien verwendet, die zuerst für die 2D-Animation entwickelt wurden.
In modernen Produktionsfirmen wird die sorgfältige Planung der Leistung eines Charakters Bild für Bild in 3D-Grafiken angewendet, wobei dieselben Grundprinzipien und ästhetischen Beurteilungen verwendet werden, die zuerst für 2D- und Stop-Motion-Animationen entwickelt wurden. Wenn Motion Capture im Studio verwendet wird, um die Bewegung von echten Schauspielern zu digitalisieren, wird ein großer Teil der Zeit eines Animateurs auch damit verbracht, die durch Bewegung erfasste Performance aufzuräumen und die Teile der Bewegung (wie Augen und Hände) abzuschließen wurde während des Prozesses möglicherweise nicht digitalisiert.
Das Effektteam produziert auch Elemente wie Rauch, Staub, Wasser und Explosionen, obwohl die Entwicklung dieser Aspekte erst beginnt, wenn die endgültige Animation / Beleuchtung genehmigt wurde, da sie für die endgültige Aufnahme wesentlich sind und oft rechenintensiv sind.
Die Postproduktion ist der dritte und letzte Schritt der Filmerstellung und bezieht sich auf die Aufgaben, die nach dem Ende des Films oder der Dreharbeiten erledigt werden müssen. Dazu gehören das Bearbeiten von Rohmaterial, um Szenen zusammenzuschneiden, Übergangseffekte einzufügen, mit Sprach- und Soundakteuren zu arbeiten und Überspielen, um nur einige der vielen Nachbearbeitungsaufgaben zu nennen.
Insgesamt sind jedoch die drei Hauptphasen der Postproduktion Compositing, Tonbearbeitung und Videobearbeitung.
Die Compositing-Abteilung vereint alle 3D-Elemente, die von den vorherigen Abteilungen in der Pipeline produziert wurden, um das endgültige gerenderte Bild für den Film zu erstellen! Compositors nehmen gerenderte Bilder von Feuerzeugen an und beginnen manchmal auch mit Compositing-Skripten, die TDs entwickeln, um zunächst ihre Tageszeitungen (Arbeitsversionen der Aufnahme) zusammenzustellen.
Zu den allgemeinen Compositing-Aufgaben gehören das Rendern der verschiedenen Pässe, die von einer Beleuchtungsabteilung für die endgültige Aufnahme geliefert werden, Farbkorrekturen und Rotoscoping (obwohl Compositors manchmal von einer dedizierten Rotoscoping-Abteilung erstellten Mattes abhängen) sowie das Compositing von FX-Elementen und die allgemeine Farbkorrektur.
Diese Abteilung ist für die Auswahl und Zusammenstellung der Tonaufnahmen zur Vorbereitung auf den endgültigen Klangmix verantwortlich, sorgt für die Lippensynchronisation und fügt alle für den endgültigen Film erforderlichen Soundeffekte hinzu.
Videobearbeitung ist der Prozess der Manipulation und Neuanordnung von Aufnahmen, um ein nahtloses Endprodukt zu erstellen. In diesem Stadium werden unerwünschtes Filmmaterial und Szenen entfernt. Die Bearbeitung ist ein entscheidender Schritt, um sicherzustellen, dass das Video so fließt, dass das ursprüngliche Ziel erreicht wird. Andere Aufgaben umfassen das Beschriften und Hinzufügen von Effekten zum endgültigen Video und Text.
Die oben erläuterte Produktionspipeline ist in den meisten Studios weit verbreitet. Es ist jedoch wahrscheinlich, dass jedes Studio eine eigene Pipeline hat, die von der Art des aktuellen Projekts bestimmt wird. Eine 2D-Produktionspipeline beginnt mit dem Arbeitsbuch und reicht bis zur endgültigen Prüfung, Kompostierung und Filmausgabe, während der 3D-CGI-Produktionsprozess die Konstruktions-, Modellierungs-, Rigging- und Animationsschritte betont. Darüber hinaus ist die Animationsproduktion ein sehr koordinierter Prozess, bei dem verschiedene Künstlerteams zusammenarbeiten, wobei optimale Ressourcen eingesetzt und das ursprüngliche Ziel in der verfügbaren Zeit erreicht wird.
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