So erstellen und verwalten Sie eine Sound-Palette

Haben Sie sich jeden einzelnen Track in einem Mix angehört und denken Sie: "Hey, sie klingen fantastisch!" nur um den gesamten mix zu hören und "eww?" Nun, meine Freunde, dass in der Regel das Ergebnis keine Kohärenz in Ihrem Mix ist.

Genau wie die Farben in einem Gemälde muss ein Mix so fließen, dass er für das Lied sinnvoll ist. Da Vinci-, Monet- und Warhol-Gemälde sind allesamt Meisterwerke, aber das Mischen ihrer Stile würde höchstwahrscheinlich etwas weniger als wünschenswert machen. Dasselbe gilt für einen Mix, bei dem Drums, Gitarren, Bass, Gesang usw. für sich alleine großartig klingen, aber zusammen keinen Sinn ergeben.

Damit ein Mix großartig klingt, muss es eine Palette von Klangfarben geben, die alle zusammenwirken, um ein abschließendes Meisterwerk zu schaffen. In diesem Tutorial lernen Sie die Techniken, mit denen Sie Ihr eigenes Klangkunstwerk von der Mikrofonauswahl bis zum Mastering modellieren und malen können .; Dabei bleibt die Kohärenz im Mix erhalten. Wenn Sie fertig sind, drücken Sie den Fader nach oben und lassen Sie ihn malen!

Wähle deine Farben: Pre-Production

Der allererste Schritt bei der Erstellung eines kohärenten Mixes ist die Entscheidung, wie der endgültige Mix überhaupt klingen soll. Wenn Sie nicht genau wissen, wie Ihre endgültige Mischung klingen soll, können Sie auch im Dunkeln malen! Dies ist in der Regel der schwierigste Prozess, da in vielen Fällen der Sound eines gesamten Albums definiert wird, sodass es richtig sein muss.

Oft kommen mir Wörter wie warm oder kühl in den Sinn, aber dies sind vage Begriffe, die unterschiedliche Bedeutungen haben, je nachdem, wen man fragt. Die Definitionen von warm für Ingenieure unterscheiden sich möglicherweise völlig von den Musikern, und beide können sich von der Meinung des Produzenten unterscheiden. Hier finden Sie eine Liste von Wörtern, die Sie möglichst vermeiden sollten?

Warm: Mit Abstand das am meisten missbrauchte und gehasste Wort, das jeder Ingenieur hören kann. Es ist zu vage und unbestimmt. Verwenden Sie es nicht!
Cool: So wie sein Bruder warm ist, ist Cool ein böses Wort. Einige Leute denken, cool sollte sanft und dunkel klingen, was leicht die Definition von warm sein könnte. Noch ein Problem sehen?
Dark: Ja, ich habe das Wort Dark verwendet, um cool zu beschreiben, also sollte man hier schon ein Problem sehen. Für einige bedeutet Dunkelheit weniger hohe Frequenzen, während andere vielleicht wirklich etwas starkes denken (Metal-Musik)..
Bright: Ironischerweise ist das Wort Bright normalerweise nicht allzu sehr falsch, da die meisten Leute es für lauter hohe Frequenzen meinen, andere jedoch leicht das Fehlen tiefer Frequenzen.
Hot: So schlimm wie das Wort warm. Bleib weg!

Während es viele andere böse Worte geben kann, werden Sie diese am häufigsten finden. Anstatt in diesen Begriffen zu denken, möchte ich Ihnen einige andere Worte geben, die bei der Bestimmung der Klangfarbe eine bessere Richtung für den Sinn ergeben könnten. Sehen Sie, was Sie davon halten?

Klarheit oder Definition: Wenn Sie an etwas klares denken, können Sie durchschauen und sehen, was dahinter steht. Etwas Definiertes hat einen sehr offensichtlichen Sinn. Es müssen keine Fragen gestellt werden. In der Musik kann dies als Mischung verstanden werden, die jedem Instrument seinen eigenen Platz gibt. Der Kick und der Bass arbeiten glücklich zusammen, die Gitarre behindert den Gesang nicht usw. Außerdem hören Sie oft die Transienten (Attacken) eines Instruments und wundern sich nicht, warum sich der Akkord magisch verändert hat aus scheinbar keinem Grund (Pop-Rockmusik der späten 90er und frühen 2000er Jahre ist dafür notorisch).
Offenheit: Nur weil etwas klar ist, muss es nicht offen sein. Wenn ein Musikstück geöffnet ist, hat es viel Platz, damit alle Titel atmen und gehört werden können. Jazz oder klassische Musik ist oft ein gutes Beispiel für offene Musik, kann jedoch nicht wie ein modernes Punk- oder Metal-Album chirurgisch klar sein. Bei klarer Musik möchten Sie normalerweise das Raumambiente (oder künstlichen Hall) ein wenig hören, um der Mischung ein Gefühl von Raum zu geben.
Fülle: Ein Track mit voller Qualität füllt das Klangspektrum wirklich aus. Viele Menschen würden die Fülle eines Instruments als im mittleren bis unteren Bereich betrachten. Ein gutes Beispiel wäre eine Akustikgitarre, die den Korpus der Gitarre gegenüber einer Saite mit mehr Saitenrauschen vermittelt.

Dies sind zwar die einzigen drei Worte, die ich geliefert habe, aber ich glaube, sie sind alles, was Sie wirklich brauchen. Wenn Sie jedes Wort als ein Kontinuum behandeln, in dem ein Ende die exakte Definition und das andere das genaue Gegenteil ist, können Sie jetzt Offenheit, Klarheit und Fülle aufweisen. Sie könnten eine Mischung haben, die sehr düstere (nicht klare) Instrumente hat, aber viel Platz für die Mischung hat, so dass Sie hören, dass jedes Instrument auf seine eigene Art und Weise und nicht nur eine riesige Pfütze trüb ist. Oder Sie haben eine Spur, die chirurgisch definiert ist, aber dennoch das Klangspektrum ausfüllt.

In der Regel haben Sie nur zwei davon in einem Mix. Oft, wenn Ihr Mix einen volleren Sound hat, füllen Sie den Raum aus. Wenn Sie wirklich eine vollständige und offene Mischung wünschen, müssen Sie wahrscheinlich etwas Klarheit im oberen Bereich opfern, um Platz für die "Luft" in einem Reverb zu schaffen. Sie können natürlich alle drei ausgleichen, wenn Sie möchten. Alles in allem sollte man sowieso nicht mehr als zwei brauchen. Metal und Rock sind in der Regel klar und voll oder klar und offen (abhängig davon, für welches Jahrzehnt Sie sich entscheiden), Jazz und Klassik sind offen und klar, Pop ist meistens voll und offen und klar und offen, ein Vintage-Sound ist Normalerweise hat es eine volle und offene Qualität.

Nachdem Sie jetzt einen besseren Überblick über Ihre Optionen in Bezug auf die Klangfarben haben, ist es an der Zeit, Ihre Farben auszuwählen. Denken Sie daran, dass der Sound vom Anfang bis zum Ende geleitet wird. Sie können jederzeit zurückgehen und Dinge ändern, wenn Sie müssen, aber es ist in der Regel am besten, dies um jeden Preis zu vermeiden.

Holen Sie sich Ihre Farben: Aufnahme

Nachdem Sie sich für die Klangpalette entschieden haben, die Sie mit der Zeit bearbeiten möchten, um diese Klangfarben tatsächlich zu erhalten. So wie ein Maler Farben mischt, um Farben zu erzeugen und neue Farben zu erzeugen, müssen Sie Ihre Mikrofone, ihre Platzierung und Ihre Vorverstärker berücksichtigen, um die gewünschten Klänge zu erhalten. Dies ist bei weitem der wichtigste Schritt im Prozess, um richtig zu werden, denn wenn es nicht so klingt, wie Sie es jetzt wollen, wird es nicht beim Mischen. Um sicherzustellen, dass wir den Sound erhalten, den wir möchten, müssen wir zuerst berücksichtigen, wie wir unsere Mikrofone platzieren werden.

Mikrofonplatzierung

Jeder erfahrene Techniker wird Ihnen sagen, dass die Platzierung des Mikrofons der Schlüssel zu einem guten Klang ist. Ein unerfahrener Ingenieur kann ein Mikrofon mit 5.000 US-Dollar fürchterlich machen, und ein erfahrener Ingenieur kann für ein Mikrofon mit 100 US-Dollar einen erstaunlichen Klang erzeugen (glauben Sie mir, ich habe beides gesehen). Bei so vielen Instrumenten auf der Welt wäre es heute unmöglich, jedes einzelne Instrument zu erfassen und aufzuzeichnen. Stattdessen werden wir die Mikrofonplatzierung aus einer sehr allgemeinen Perspektive betrachten und wie sie zu Klarheit, Offenheit und Fülle beitragen kann.

Für einen klareren Klang einer Tonquelle sollten Sie die höheren Mitten bis zum oberen Ende des Frequenzbereichs erfassen. Hier liegt die Definition in fast jeder Klangquelle. Verwenden Sie Ihr Ohr, um herauszufinden, woher diese bestimmte Entfernung kommt, und richten Sie Ihr Mikrofon dort aus. Sie können Ihr Mikrofon sogar etwas zurückziehen, um die Boxiness zu reduzieren und das obere Ende besser hervorzuheben. Eine andere Möglichkeit besteht darin, das Mikrofon so auszurichten, dass es auch die unteren Bereiche nicht erfasst (guter Trick für Beckenmikrofone)..
Für einen offenen Ton müssen Sie Ihr Mikrofon zurückziehen. wahrscheinlich etwas weiter als Sie vielleicht denken. Dies gibt dem Klang des Instruments Zeit, sich zu entwickeln und dabei zu helfen, den natürlichen Ton des Raums ein wenig zu erfassen. Seien Sie jedoch vorsichtig, wenn Sie sich in einem schlecht klingenden Raum befinden, da niemand ein Flatterecho und dergleichen hören möchte.
Wenn Sie mit dem vollen Klang zufrieden sind, haben Sie keine Angst, direkt ins Gesicht des Instruments zu treten. Deshalb nehmen wir Gitarren oft mit dem Mikrofon direkt auf dem Grill auf, weil Rock normalerweise den vollen Gitarrensound verlangt. Achten Sie jedoch darauf, dass Sie das untere Ende nicht zu sehr akzentuieren, es sei denn, Sie sind sehr sicher, dass Sie diesen kraftvollen Bassbereich wünschen.

Mikrofonauswahl

Wenn die Platzierung wichtig ist, ist die Mikrofonwahl die Hand, die den Schlüssel dreht. (ok, schlechter Witz) Es ist wichtig, dass Sie das richtige Mikrofon für den Job auswählen. Wenn du mich jetzt entschuldigst, werde ich in meine Seifenkiste steigen?

WENN ES IST ROHR, FESTZUSTAND, KONDENSOR ODER DYNAMISCH, WAS IST "TUT"? "TUT ES DAS RICHTIG FÜR DEN AUFTRAG?"

Tut mir leid, jetzt, da wir das geklärt haben, lassen Sie mich ein wenig näher erläutern. Ich habe Röhrenmikrofone gehört, die Dinge zu Brei machen und Röhrenmikrofone, die klarer sind als Festkörpermikrofone. Es gibt Kondensatoren, die ein hervorragendes Ansprechverhalten und Dynamik aufweisen, die ein hervorragendes Endergebnis aufweisen. Es hängt alles vom Mikrofon und von der Platzierung ab. Vergewissern Sie sich, dass Ihr Mikrofon die Platzierung und die Klangfarbe, die Sie anstreben, befriedigt. Hier sind einige Richtlinien, aber erinnern Sie sich? Es gibt immer Ausnahmen.

Dynamics sind im Allgemeinen nicht so klar wie Kondensatoren, können jedoch je nach Platzierung leicht klingen.
Röhrenmikrofone klingen meistens nicht so klar wie ein fester Zustand, sie haben jedoch sehr viel Charakter (was für Ihre Klangpalette möglicherweise funktioniert)..
Nierenmikrofone sind gut geeignet, um einen definierten oder vollen Klang zu erzielen, da sie eine gute Rückenabweisung haben. Wenn Sie mit ihrem Proximity-Effekt spielen (wenn Sie sich der Klangquelle nähern, wenn Sie sich der Klangquelle nähern), können Sie eine Vielzahl von Variationen hinsichtlich der Klangfülle des Instruments erhalten.
Für diesen offenen oder natürlicheren Klang würde ich von ganzem Herzen sagen, dass Sie sich für ein Omni-Richtmikrofon entscheiden, da es aus allen Richtungen aufgenommen wird. Vorsicht, wenn Ihr Raumklang weniger als erwünscht ist.
Eine interessante Option für Fülle und Offenheit sind die 8-Mikrofone. Da sich das Band in zwei verschiedenen Richtungen aufnimmt, ist es gut, einen vollen Sound zu erzeugen, indem nur ein wenig Atemzug hinzugefügt wird. Traditionell sind sie nicht so definiert wie ein Kondensator, behalten aber ein angenehm glattes oberes Ende bei.
Eine weitere Überlegung zur Unterstützung Ihres Klangs ist das Mikrofon mit großer Membran oder mit kleiner Membran. Im Allgemeinen haben Kleinmembranmikrofone ein klareres Oberteil, da es für die hohen Frequenzen einfacher ist, eine kleinere Kapsel zu bewegen als eine größere. Aber wie immer ist nichts absolut.

Vorverstärkerauswahl

Der letzte Teil des Puzzles, um die Klangpalette so zu erhalten, wie Sie es wünschen, ist der Vorverstärker. Wenn Ihre Vorverstärkerauswahl begrenzt ist (beispielsweise nur eine einzige Benutzeroberfläche), müssen Sie nicht zu viel darüber nachdenken. Wenn Sie jedoch einige Boutique-Preamps oder nur verschiedene Preamps zur Auswahl haben, müssen Sie jetzt eine Entscheidung treffen. Es ist immer gut zu entscheiden, was Ihre "neutralen" Vorverstärker sind, damit Sie alles andere mit ihnen vergleichen können. Wenn Sie einen Preamp mit einem Mikrofon verbinden, haben Sie grundsätzlich zwei Möglichkeiten?

Wählen Sie einen Vorverstärker, der den Klang des Mikrofons verstärkt. Dies verstärkt den natürlichen Klang des Mikrofons und macht ihn noch offensichtlicher.
Wählen Sie einen Vorverstärker, der die Mikrofonauswahl kontrastiert, um den Klang auszugleichen. Ein Beispiel wäre ein kleiner Membrankondensator, der mit einem Röhrenvorverstärker gekoppelt wird.

Ich persönlich bin ein Befürworter des Kontrastierens und Ausbalancierens des Mikrofons im Vorverstärker, aber es gibt viele Situationen, in denen Sie dies nicht tun möchten. Wenn Sie wissen, dass Sie diesen matschigen Bassklang wollen, können Sie eine große Membrandynamik wie ein RE-20 verwenden und mit einem Röhrenvorverstärker koppeln. Die Wahl liegt allein bei Ihnen.

Malen Sie ein Bild: Mischen

Nachdem Sie Ihre Tracks aufgenommen und Ihre Klangpalette aufgenommen haben, ist es jetzt an der Zeit, ein Klangbild zu malen. Wenn Sie alles gut aufgenommen haben, werden Sie feststellen, dass Sie durch einfaches Anpassen der Pegel bereits ein großartiges Bild erhalten! Sie werden wissen, wann Sie etwas gut aufgenommen haben, weil es sich praktisch selbst mischt.

Aber selbst ein großartiges Bild ist ohne diese kleinen Details nicht perfekt. Es gibt viel zu viele Variablen, die in einem einzigen Tutorial zum Mischen behandelt werden können. Es gibt jedoch einige allgemeine Regeln und Konzepte, die auf die meisten Mischsituationen angewendet werden können. Hier sind einige Tipps, wie Sie den Sound ein wenig weiter verfeinern können?

Wenn Sie Kompressoren verwenden, füllen Sie zwangsläufig den Klangraum ein wenig aus, da Sie den Dynamikbereich verringern. Je mehr Sie den Ton komprimieren, desto mehr klingt er in Ihrem Gesicht. Denken Sie auch an Ihre Angriffs- und Releasezeiten sowie den verwendeten Kompressorstil. Wenn Sie die Transienten nach unten zerdrücken, gewinnen Sie noch mehr Volumen, sehen Sie jedoch den Einrast und etwas Klarheit in Ihrem Mix.
Wenn Sie diese super klare Mischung wünschen, müssen Sie sehr vorsichtig mit dem Hall umgehen. Ihre super enge und saubere Aufnahme kann leicht ausgewaschen werden. Wenn Sie nach einem großartigen Raum suchen, lassen Sie den Nachhall fliegen, aber waschen Sie nicht alles aus. Verwenden Sie mehrere Reverbs, wenn Sie Rock, Pop usw. mischen. Wenn Sie jedoch mit Jazz oder Classical arbeiten, klingt das etwas zu trocken, verwenden Sie einen subtilen Bus-Reverb für den gesamten Mix. Wenn Sie schließlich einen offenen, aber vollen Klang wünschen, versuchen Sie, den Hall in einem Frequenzbereich zu platzieren, der nicht zu sehr mit den Instrumenten kollidiert. Dies gibt der Illusion von mehr Raum, als tatsächlich vorhanden ist.
Wenn es um EQing geht, werden Sie eine große Auswahl treffen müssen. Genau wie bei Kompressoren haben Sie Charakter-EQs (Phasenverschiebungen) und chirurgische EQs (keine Phasenverschiebungen) und müssen entscheiden, was für Ihr Projekt am besten ist. Wenn Sie diesen klaren und offenen Klang wirklich benötigen, würde ich einen chirurgischen EQ verwenden und viele unnötige Frequenzen ausschalten, um mehr Klangraum freizugeben. Wenn Sie jedoch einen üppigen, vollen Sound wünschen, kann ein EQ für Charaktereigenschaften eher auf Ihrer Insel sein.
Ein weiterer Satz von Optionen sind Transienten-Shaper und Gates für diejenigen, die den definierten Punch in Ihrem Mix benötigen. Durch den geschickten Einsatz dieser Tools werden die Angriffe in Ihrem Mix stärker hervorgehoben und die Unterstützungen werden heruntergespielt. Sie können jedoch häufig einen vorübergehenden Former verwenden, um die Angriffe herunterzuspielen und Ihnen mehr Raum für eine vollständige Mischung zu geben.

Der Hauptzweck des Mischens ist, Ihre Klanglandschaft zu verbessern und ein klangliches Kunstwerk zu schaffen. Versuchen Sie nicht, die Richtung zu bekämpfen, die der Mix zu viel nehmen möchte. Je mehr Sie dagegen ankämpfen, desto mehr werden Sie wahrscheinlich erkennen, dass Sie etwas nachverfolgen müssen.

Verbessern Sie Ihr Image: Mastering

Sie haben eine Klangpalette erstellt und mit Ihrem Mix ein wunderbares Bild gemalt. Jetzt müssen Sie wirklich das Beste aus dem Bild hervorheben, indem Sie einige Farbkorrekturen und Verbesserungen hinzufügen. Was? Kein Bild für digitale Farbkorrektur?

Mastering ist eine sehr missverstandene Kunstform, die von denjenigen missbraucht wird, die mit dem Prozess nicht vertraut sind. Oft werden die Leute einfach das Leben aus einer Mischung herausdrücken, um sie lauter zu machen und sie als Mastering zu bezeichnen. Mastering ist mehr als nur, es laut zu machen, die Mischung als Ganzes zu untersuchen und die Qualitäten der Mischung subtil zu verbessern (oder manchmal zu korrigieren, was falsch ist, aber Sie würden nicht zulassen, dass etwas nicht stimmt, oder?).

Beim Mastering verwenden Sie häufig dieselben Techniken wie beim Mischen, wenden jedoch Ihre Effekte viel subtiler an. Ihr Ziel ist es, den Sound des Songs und die gesamte Klangpalette, an der Sie die ganze Zeit gearbeitet haben, wirklich hervorzuheben. An diesem Punkt des Vorgangs sollten Sie generell Hall, Flanger, Phaser, Chorus usw. vermeiden, es sei denn, Sie haben einen sehr guten musikalischen Grund, dies zu tun. Multi-Band-Kompressoren sind Ihre Freunde beim Mastering sowie bei soliden Buskompressoren, Linear-Phase-EQs und (in einigen Fällen) Sättigern. Die Sättigung ist normalerweise für einen Mix reserviert, der den Ton der Kassette will, aber dennoch die Klarheit eines digitalen modernen Workflows will. Die Sättigung wird entweder durch Plugins, Konvertierung in Tape und zurück in Digital oder durch erneutes Aufnehmen des Mixes durch verschiedene Mikrofonvoreinstellungen durchgeführt.

Einige Leute glauben, dass Sie nur in der analogen Domäne beherrschen können, während andere behaupten, Sie benötigen superklare digitale Plugins. Die Wahrheit ist, Sie müssen einen Workflow finden, der für Sie funktioniert, um den gewünschten Sound zu erhalten. Vergessen Sie nicht Ihre Klangpalette, an der Sie so hart gearbeitet haben. Stark neben analogen oder digitalen Geräten, wenn Ihr Projekt das Gegenteil braucht, ist ein sinnloser Fehler.

Fazit

Um einen zusammenhängenden und fließenden letzten Song zu erstellen, müssen Sie die Klangkontinuität vom Anfang bis zum Ende beibehalten. Wenn Sie den Klang, den Sie suchen, bevor Sie überhaupt ins Studio gehen, wirklich genau feststellen können, haben Sie ein effizientes und angenehmes Aufnahmeerlebnis.

Wenn Sie ein ganzes Album aufnehmen möchten, empfiehlt es sich, die Klangpalette im gesamten Album gleich zu halten. Wenn es sich nur um eine Song-für-Song-Basis handelt, probieren Sie verschiedene Ansätze aus und sehen Sie, welche Palette Sie mögen! Es wird zwangsläufig Übung erfordern, eine Mischung gut zu malen, aber jede Kunst erfordert Geduld und Übung.

Jetzt geh raus und lass mich deine Kunstwerke hören! Sich kümmern!

Musik & Audio