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Ein MIDI-Orchester ist kein echtes Orchester. Das hört sich vielleicht nicht sehr hilfreich an: Sie wissen, dass MIDI die Kraft und Menschlichkeit echter Musiker nicht ersetzen kann. Trotz dieser Realität scheinen viele Menschen ihre Zeit damit zu verbringen, ihre Musik zu zwingen, so real wie möglich zu klingen, indem sie die Nuancen jeder einzelnen Note und jedes Beats besessen halten.
Obwohl diese unendlichen Anpassungen letztendlich zu Ergebnissen führen können, sind nur wenige Techniken erforderlich, um die häufigsten Probleme zu lösen, die den MIDI-Sound so künstlich machen. Wenn Sie das 80/20-Prinzip von Pareto verwenden, könnten Sie argumentieren, dass 80% der Klangqualität Ihrer Musik von 20% der verwendeten Techniken stammen. Dann ist es nur sinnvoll, dass wir uns auf die 20% konzentrieren, die einen wirklichen Unterschied bewirken.
Ich habe festgestellt, dass die zwei wichtigsten Dinge, die Ihre Musik zum Leben erwecken können, Dynamik und Variation sind. Dynamik ist der Atem und die Seele Ihrer Musik, während Variationen den Zuhörer faszinieren. Eine gute Verwendung der Dynamik lässt Ihre MIDI-Sequenz wie eine Maschine klingen. Ein ausgewogenes Verhältnis der Variation hält Ihren Zuhörer aufmerksam und interessiert an der Musik, so dass sie sich nicht darauf einlassen, ob Ihr Englischhorn synthetisiert wird oder nicht.
Die beste Möglichkeit, eine MIDI-Sequenz zu verbessern, besteht darin, so viel Kilometer wie möglich aus der Dynamik herauszuholen. Dynamik bezieht sich auf die Lautstärke einer Note und kann von einer Mikronote nach Notenskala oder als Übersicht über Ihr gesamtes Stück angefahren werden. Dies umfasst alles von einem ruhigen Vers gegen einen lauten Chorus, dramatische Crescendi und Decrescendi, subtile Geschwindigkeitsunterschiede in einer einzigen Passage sowie Akzente und Artikulationen.
Die präziseste Art, mit der Dynamik in Ihrer Sequenz zu spielen, ist die Anschlagstärke.
Der einfachste Weg, Geschwindigkeitsänderungen zu demonstrieren, ist mit kurzen, scharfen Tönen. In diesem Beispiel, einem kurzen Auszug aus Scott Joplins Magnetic Rag, verwenden wir Pizzicato-Saiten. Hier sind die ersten beiden Sätze ohne Schwankungen der Geschwindigkeit:
Es ist nicht schlecht, aber etwas steif. Es könnte passieren, aber ich denke, wir könnten es musikalischer machen. Durch die Verwendung von Geschwindigkeit können wir etwas subtiles Leben hinzufügen. Wir beginnen die erste Phrase sehr leise und bauen sie in Intensität auf, wobei der hohe Puck am Ende der Phrase hervorgehoben wird, bevor sie wieder herunterfallen, um noch einmal zu bauen.
Der Unterschied kann nicht zwischen Tag und Nacht liegen, aber es gibt jetzt ein gewisses Aufregungselement, das vorher nicht da war. Die Saiten fühlen sich an, als würden sie zuerst herumschleichen, bevor die hohen Zupfen ein helles Statement abgeben, und dann wieder schleichen. Wenn Sie diese Subtilität auf Ihre gesamte Komposition anwenden, werden Sie feststellen, dass sie lebendiger und interessanter wird.
Percussion ist ein weiterer Abschnitt, der von Geschwindigkeitseinstellungen stark profitiert. MIDI-Percussion-Instrumente können leicht dem "Machine-Gun-Effekt" zum Opfer fallen, bei dem wiederholte Töne desselben Samples eher mechanisch und abrasiv als musikalisch wirken. Die Einstellung der Geschwindigkeit kann dazu beitragen, den Effekt der Maschinenpistole zu reduzieren, wie in diesem einfachen Beispiel einer Snare-Drum-Passage gezeigt:
Es klingt ziemlich unecht, aber alles, was wir tun müssen, um dem Teil etwas Leben und Spaß zu verleihen, ist, Akzente und Dynamik mit Geschwindigkeit hinzuzufügen. Hier ist der Sound eines viel interessanteren Snare-Parts, der dasselbe Pattern wie zuvor verwendet, jedoch die Anschlagstärke der Note erhöht:
Es klingt nach einem viel überzeugenderen Snare-Part und fühlt sich eher so an, als könnte eine echte Person es spielen. Dasselbe Prinzip gilt nicht nur für eine konstante Linie wie diese Snare-Drum, sondern auch für subtile Variationen in allen Ihren Percussion-Parts. Wenn Sie alle 8 Takte dasselbe Becken-Sample verwenden, ändern Sie die Geschwindigkeit bei jedem Absturz.
Ein weiterer beliebter Weg, um die Geschwindigkeit zu verwenden, um nicht wie eine Maschine zu klingen, ist das "Humanisieren". Dies ist eine besonders nützliche Funktion, wenn Sie kein zu starker Keyboarder sind und in der Regel Noten für Note zeichnen oder schreiben müssen. In Logic Pro können Sie auf das Humanize-Werkzeug über das Pianorollen-Fenster im Funktionsmenü zugreifen.
Humanize passt Position, Anschlagstärke und Länge der von Ihnen ausgewählten Noten in zufälliger Reihenfolge um die von Ihnen gewählten Beträge an (die Standardwerte sind 10 für alle Parameter). Wählen Sie die Notizen aus, die Sie humanisieren möchten, und wählen Sie "Nur Operieren", um die Funktion anzuwenden und zu sehen, welches Ergebnis Sie erhalten.
Schauen wir uns noch einmal unseren Pizzicato-Bereich an. Um den Effekt zu übertreiben, sende ich unsere Werte um 25 zufällig zu sortieren, anstatt die weniger effektiven 10. Es ist schwer zu unterscheiden, aber wenn Sie genau hinhören, werden Sie feststellen, dass sich die humanisierte Version etwas lockerer und abwechslungsreicher anfühlt. Humanize ist eine weitere subtile Technik, die dem Leben einen zusätzlichen Touch verleiht.
Unser gerader Pizzicato-Bereich:
Der humanisierte Pizzicato-Abschnitt:
Die Modulation ist ein nützliches Werkzeug zur Automatisierung der Ausdruckskraft eines MIDI-Instruments. Dies ist besonders nützlich für Instrumente mit langen Noten, mit denen Sie die Form der Note und die Art und Weise, wie sie gesprochen wird, steuern können. Modulation ist heutzutage ein Standardparameter für viele Software-Instrumente, der häufig zur Volumensteuerung, zum Filtern oder zum Überblenden von einem Sample in ein anderes verwendet wird.
So greifen Sie auf die Modulation in Logic Pro zu: Öffnen Sie ein Piano-Roll-Fenster, klicken Sie unten links auf die Schaltfläche Hyper Draw und dann auf das kleine Dreieck, um den Controller-Typ auszuwählen. Wählen Sie die Modulation aus und wir können loslegen.
Lassen Sie uns einen Blick auf eine grundlegende, aber häufige Verwendung der Modulation werfen. Bei Verwendung eines langen Saiten-Patches werden hier einige Akkorde ohne Anpassung der Modulation gespielt:
Für die einfachste Demonstration nehmen wir die Modulation von 0 bis 127 in den ersten beiden Takten und dann von 127 auf 0 in den letzten beiden Takten. Der Effekt ist ein Crescendo bis G-Dur und Decrescendo wieder runter. Bei diesem bestimmten Instrument (Sonic Implants Full Strings) ist die Modulation auf das Überblenden von Samples eingestellt. Wenn wir also mit einem Pianissimo-Sample beginnen, wird die Modulation uns bis zu einem Fortissimo-Sample überblenden.
Es ist ausdrucksstarker, aber immer noch ein bisschen komisch. Spielen wir noch mehr mit der Modulation, um sie interessanter zu machen.
Dieses Mal haben wir Kurven verwendet, um die Änderungen dramatischer und aufregender zu gestalten. Die Saiten fühlen sich jetzt an, als würden sie in den G-Dur-Akkord steigen und dann plötzlich abfallen, bevor sie sich sanft auslaufen lassen.
Die offensichtlichste Möglichkeit zur Steuerung der Dynamik besteht in der Automatisierung der Lautstärke. Obwohl die Modulation zur Steuerung des Klanges eines Instruments wirksam ist, ist die Lautstärke als Gesamtsteuerung der Lautstärke nützlicher. Ich neige dazu, Lautstärke nicht nur zu verwenden, um ein Instrument mit anderen Instrumenten in einem Mix abzugleichen, sondern auch um mehr globale Verschiebungen wie das Ein- und Ausblenden zu steuern. In Verbindung mit der Modulation kann es ein sehr ausdrucksstarkes Werkzeug sein.
Am Beispiel unserer langen Zeichenkette werde ich das Volumen automatisieren, um noch dynamischer zu werden.
Da die Modulation das meiste von dem steuert, was ich aus dem Sound möchte, benutze ich die Lautstärke eher als einen breiten Schlag, um ihm den zusätzlichen Schub zu verleihen. Ein anderes ähnliches Werkzeug ist der Expression-Controller, aber ich neige dazu, ihn nicht zu verwenden. Nachdem ich auf viele Instrumente gestoßen bin, die nicht für die Verwendung mit Expression eingerichtet sind, fiel es mir leichter, auf Volume als Werkzeug zu setzen, das mit jedem Instrument funktioniert.
Wie ich bereits beim Thema "Velocity" besprochen habe, ist die Unechtheit von MIDI am deutlichsten, wenn sich Noten wiederholen. Obwohl die Geschwindigkeit eine Möglichkeit ist, dieses Problem anzugehen, können Sie dazu beitragen, die Dinge interessant zu halten, indem Sie alle möglichen anderen Elemente, wie z.
Betrachten Sie dieses Beispiel eines String-Ostinato. Wenn Sie immer dieselbe Note im selben Sample spielen, ist es so hässlich, wie es nur geht. Hier haben wir den "Maschinengewehreffekt", als würden wir uns ständig von einer festsitzenden Maschine angegriffen fühlen.
Dies ist MIDI in seiner schlimmsten Form! Sofort können wir damit beginnen, dieses Problem anzugehen, indem Sie die Velocity so verändern, dass jede Note sich zumindest etwas anfühlt. Ich werde die Saiten Crescendo und Decrescendo für einen steigenden und fallenden Effekt haben.
Lassen Sie uns jetzt einen Schritt weiter gehen und die Tonhöhe variieren. Hier habe ich die Linie zwischen einem D und dem A darunter, was uns nicht nur von dem gefürchteten Maschinengewehr befreit, sondern der Linie mehr Bewegungsgefühl gibt.
Jetzt werde ich die Tonhöhe noch mehr variieren, indem ich im oberen Teil eine steigende und fallende D E F E-Linie hinzufüge. Dies macht den String-Teil viel interessanter zum Anhören, aber es ist immer noch nicht zu ablenkend oder auffällig für das, was Sie sonst noch darüber hinaus möchten. Beachten Sie auch den Effekt, dass die Tonhöhe so oft variiert wird: Je weniger Sie eine wiederholte MIDI-Note hören, desto weniger kann Ihr Ohr die Wiederholung der identischen mit der vorherigen zuordnen.
Zum Schluss noch eine zusätzliche Farbe hinzufügen. Wir halten die Noten und Rhythmen exakt gleich, aber wenn Sie eine kontrastierende Farbe verwenden, wird unser Ohr abgelenkt und ein Gefühl von Fülle erzeugt. Ich benutze ein Vibraphon als zweite Farbe, da der weiche und stumpfe Angriff von den scharfen und hellen Saiten ziemlich einzigartig ist. Das Ergebnis ist ein komplexerer Sound, der unsere Aufmerksamkeit von den sonst sehr exponierten MIDI-Saiten ablenkt.
Eine andere Möglichkeit, eine wiederholte Figur interessant und abwechslungsreich zu halten, besteht darin, bestimmte Aspekte abwechselnd zu ändern, z. B. das Register oder das Instrument zu wechseln, auf dem sie gespielt wird. Schauen wir uns ein anderes Beispiel einer ostinato Figur an, die sich wiederholt.
In diesem Beispiel haben wir bereits eine etwas komplexe Figur mit Strings, Vibes und einer Snare. Wir verwenden Modulation und Lautstärke, um den Saiten ein Gefühl von Schwellung und Geschwindigkeit zu geben, um die Dynamik der Vibes zu steuern. Insgesamt haben wir hier bereits ein ziemlich ausdrucksstarkes Zwei-Takt-Muster. Das Problem ist, dass wir beim dritten Mal schon langweilig werden. Mit einigen geringfügigen Änderungen können wir dies viel interessanter und musikalischer gestalten.
Ich werde nur zwei Änderungen vornehmen. Bei jedem zweiten Takt werde ich die Saiten drei Oktaven höher spielen lassen und die Schlinge herausnehmen. Es hört sich nicht nach viel an, aber hören Sie, wie viel interessanter das ist:
Es gibt hier wirklich keine neuen Notizen oder Ideen, nur eine Variation dessen, was bereits existiert. Aber wir haben es geschafft, es interessanter zu machen, und haben aus acht Sekunden Musik erfolgreich sechzehn gemacht. Filmkomponisten: Erinnern Sie sich an diese Technik, wenn Sie das nächste Mal effektiv gegen eine Szene vorgehen müssen!
Um den Punkt noch mehr nach Hause zu bringen, werde ich in den nächsten vier Takten eine kleine Änderung vornehmen. Ich werde alles um ein kleines Drittel bringen. Das ist der einzige Unterschied, aber jetzt haben wir die Länge unserer Musik erneut verdoppelt!
Eine einzelne musikalische Idee hat ein unendliches Variationspotential (die ersten vier Noten von Beethovens 5.). Mit nur ein oder zwei Änderungen können sich Ihre Ideen weiterentwickeln und interessanter werden.
Ich gebe zu, dass das Reden über den Einsatz von Live-Musikern in einem Artikel über MIDI ein bisschen ein Polizist ist, obwohl es absolut eine Überlegung wert ist. Dies ist einer dieser Tipps, der oft leichter gesagt als getan wird, aber selbst die geringste Berührung eines Live-Instruments kann Ihrer Sequenz eine Animation hinzufügen. Der einfachste Weg, dies selbst zu tun, ist die Percussion. Ich habe immer einen Tamburin und einen Shaker zur Hand, und wenn es jemals einen Abschnitt in einem Track gibt, an dem ich mit einem Groove oder viel vorwärtsbewegendem Rhythmus arbeite, füge ich mit einem dieser Instrumente eine subtile Ebene unter alles hinzu. Die Tatsache, dass meine Leistung nie perfekt sein kann, mit geringfügigen Unterschieden in Bezug auf Lautstärke und Timing, ist genau das, was die menschliche Berührung hinzufügt, die mehr zu fühlen als zu hören ist.
Wahrscheinlich spielen die meisten von Ihnen bereits Gitarre oder Bass, und wenn Sie dies nicht tun, ist es an der Zeit, sich ernsthaft mit den Grundlagen vertraut zu machen und zumindest so gut wie möglich zu werden, um einfache Parts zu spielen. MIDI-Gitarre ist eine der hässlichsten Sachen, die es gibt, und wenn Sie Ihre eigenen Parts spielen können, kann das Schreiben Ihrer Spur mehr Spaß machen, aber auch Leben hinzufügen. MIDI-Bass ist oft nicht so schlecht oder auffällig, aber wenn Sie die Möglichkeit haben, Ihre eigenen Parts zu spielen, dann sind es wieder diese subtilen und unvermeidlichen menschlichen Fehler, die einen großen Unterschied machen können, wie frisch Ihre Musik klingt.
Schwieriger zu bewerkstelligen, aber mit ebenso großem Nutzen ist es, Musiker und Sänger zu finden, die auf Ihren Tracks auftreten. Sogar ein Live-Flöten-Solo mit MIDI-Hintergrund kann großartig klingen, wobei das ausdrucksstarke Live-Instrument die Aufmerksamkeit des Zuhörers auf sich zieht. Es ist auch äußerst hilfreich, einer kalten MIDI-Spur Wärme zu verleihen, indem Sie Ihre Synth-Saiten mit Live-Saitenspielern versüßen. Ein oder zwei Takes einer Live-Violine, die mit einem MIDI-Saitenabschnitt gemischt ist, können das ganze Stück fühlbarer und realer wirken lassen.
MIDI ist kein Ersatz für Live-Musiker, und wenn Sie so viele echte Spieler wie möglich einbinden, wird alles, was Sie können, einen großen Unterschied im gesamten Leben Ihres Stücks bewirken.
Die letzte und wohl wichtigste Sache, die Sie tun können, ist sicherzustellen, dass Sie die Perspektive nicht verlieren. Nachdem Sie stundenlang dieselbe Sequenz angehört haben, könnten Ihre erschöpften Ohren und Ihr Verstand Sie wahrscheinlich davon überzeugen, dass alles gut klingt. Gönnen Sie Ihren Ohren eine Weile und gehen Sie eine Weile von Ihrem Song weg, so dass Sie, wenn Sie zurückkommen, ein neues Ohr und einen realistischeren Eindruck davon bekommen, wie Ihr Stück wirklich klingt.
Es ist sehr leicht, sich selbst davon zu überzeugen, dass etwas gut klingt, weil man sich damit beschäftigt, wie es sich anhören soll. In deinem Kopf stellst du dir vor, dass die Saiten voll und üppig sind und deine Fantasie schnell beginnen kann, Dinge auszugleichen, die in der echten Musik fehlen. Stellen Sie sicher, dass Sie sich so weit voneinander entfernt halten, dass Sie immer wissen, was Ihre MIDI-Sequenz ist tatsächlich hört sich an wie. Es kann hilfreich sein, einige Ihrer Lieblingsaufnahmen auf ähnliche Weise hintereinander mit Ihrem Stück zu hören.
Wenn Sie diese Grundideen auf Ihre Sequenzen anwenden, können Sie beginnen, Ihre Kompositionen von synthetisiertem Muzak bis hin zu lebendiger und ausdrucksvoller Musik zu machen.
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