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In einem früheren Tutorial habe ich die Rule of Three vorgestellt, ein Konzept, das in der bildenden Kunst weit verbreitet ist, und erörterte, wie es auf Musik zum Komponieren von Melodien angewendet werden kann. Es ist eine sehr effektive Faustregel, um das musikalische Prinzip von Wiederholung und Variation auszugleichen.
Dieses Mal werde ich zeigen, dass wir die Dreierregel auch aus einer anderen Perspektive verwenden und auf Orchestrierung und Arrangieren anwenden können. Wenn Sie eine Partitur auf ihre Grundelemente vereinfachen, werden Sie überraschenderweise feststellen, dass die Musik selten über eine dreischichtige Textur hinausgeht.
Es ist wichtig anzumerken, dass die einzige Verbindung zwischen diesem und dem vorherigen Tutorial die Idee ist, dass "3" eine sehr nützliche Zahl ist, wenn es um Musik geht, sowie um Kunst im Allgemeinen. Aber die Art und Weise, wie die Dreierregel auf den melodischen Aspekt des Komponierens von Musik angewendet wurde, hat nichts mit dem zu tun, was wir hier tun.
Trotz des Namens ist die Dreierregel nicht wirklich eine "Regel", sondern eher eine Richtlinie, wie Sie an Ihre Arbeit herangehen. Es gibt reichlich Manchmal haben nur eine Schicht, zwei Schichten, fünfzehn Schichten usw. legitime und ausgezeichnete Entscheidungen. Was wir hier untersuchen, ist, wie Sie ein grundlegendes Prinzip verwenden können, um konsistente Ergebnisse zu erzielen. Von dort aus können Sie entscheiden, wann und wie Sie es einsetzen.
Eine universelle Terminologie existiert für diese Begriffe nicht wirklich und verschiedene Personen werden unterschiedliche Namen für Dinge haben. Im Allgemeinen werde ich eine "Ebene" oder ein "Element" als eine einzige musikalische Idee bezeichnen.
Zum Beispiel ist eine Solo-Melodielinie ein Element:
Für unsere Zwecke wird eine Akkordtextur oder eine Gruppe von Instrumenten, die als eine einzige Einheit fungieren, ebenfalls als ein Element betrachtet:
Zwei unterschiedliche Melodien im Kontrapunkt wären zwei Elemente oder zwei Ebenen (nicht dass der Bass eine Melodie ist, nur in Oktaven):
Eine Melodie und eine harmonische Begleitung können auch zwei Ebenen sein:
Und selbst eine komplexe Textur lässt sich in drei Schichten unterteilen: eine in Drittel harmonisierte Melodie (Violine I und Viola), eine Gegenlinie (Englischhorn) und eine harmonische Begleitung (tiefe Streicher)..
Der Kern der Drei-Regel in Bezug auf Orchestrierung lautet: Drei Elemente sind die perfekte Anzahl von Elementen, um einen vollen Klang zu haben, der zwar interessant, aber dennoch relativ einfach ist. Ab drei Jahren wird die Textur zu komplex und Ihre Ideen verlieren mit jeder Schicht, die Sie einführen, mehr und mehr Klarheit.
Für jemanden, der sich mit Orchestrierung noch nicht auskennt, kann eine vollständige Orchesterpartitur erstaunlich überwältigend und entmutigend wirken, um zu verstehen:
Wenn Sie jedoch etwas genauer hinschauen, können Sie Unisono, Oktaven und Instrumente, die als Einheit fungieren, in nur eine Handvoll verschiedener Ideen reduzieren.
Diese in Notizen behandelte Seite besteht eigentlich nur aus drei Ideen:
Viele Anfänger gehen davon aus, dass ein massiver Sound eine große Anzahl von Ideen auf einmal erfordert. Dies ist jedoch nicht der Fall. Wenn Sie nicht absichtlich versuchen, ein Gefühl von Chaos zu erzeugen (wie in den komplexen Texturen des Frühlingsritus), wenn Sie möchten, dass Ihre Ideen gehört werden, müssen Sie sie so klar und fokussiert wie möglich machen. Und hier kommt die Dreierregel ins Spiel.
Spitze: Wenn Sie nachweisen möchten, wie mit nur wenigen Ebenen ein riesiger Orchesterklang erzielt werden kann, folgen Sie der Partitur bis zum ersten Satz von Tschaikowskys 4. Symphonie, während Sie sich eine Aufnahme anhören. Mit wenigen Ausnahmen kann die gesamte 17-Minuten-Bewegung die gesamte Zeit auf nur zwei Schichten reduziert werden!Tschaikowskys Nussknackersuite ist eines der berühmtesten Orchesterstücke der Geschichte und gilt allgemein als Modell einer großartigen Orchestrierung. Sogar Leute, die sagen, dass sie klassische Musik nicht mögen, lieben den Nussknacker!
Das Aufrufen von praktisch jeder Seite der Partitur zeigt uns, dass Sie nur drei Layer für einen vollen und komplexen Klang benötigen, der noch klar und ausgewogen ist.
Die Ouvertüre beginnt mit einer Schicht: Eine Melodie in Violinen, die im Wesentlichen zu einer vierteiligen Choralstruktur harmonisiert. Die Violinen und Violen funktionieren wie ein Chor, wobei jede Zeile im Rhythmus der Melodie steht und im Wesentlichen als eine Einheit wirkt.
In Takt 9 gliedert sich die Textur in zwei Ebenen:
In Takt 17 erhalten wir unsere erste dreischichtige Textur:
In Takt 25 sind wir wieder in zwei Schichten:
Beim Probenbrief "B" haben wir unsere bisher größte Sektion, fast das gesamte Orchester spielt gleichzeitig und die Lautstärke ist mf, die lauteste, die wir im Stück gehört haben. Die Dinge müssen jetzt komplex werden, richtig? Aber nicht so, wir haben immer noch nur eine zweischichtige Textur!
Alles nach diesem Punkt, außer der Wiederholung des Abschnitts in Takt 17, sind zwei Schichten. Die dreilagige Textur ist so komplex wie dieses Stück für über 30 Instrumente überhaupt und selten, wenn überhaupt!
Wie die Ouvertüre beginnt auch dieser Satz mit einer im Choralstil harmonisierten Melodie, die uns im Wesentlichen eine einzige musikalische Idee vermittelt.
Wenn sich die Melodie bei Takt 4 zu den Violinen bewegt, haben wir eine dreischichtige Textur:
Der Akzent in Takt 8 ist einfach der Akzent, der, wie wir wissen, nur eine einzige Idee ist, obwohl er fast von dem gesamten Bläserensemble gespielt wird.
Diese zwei abwechselnden Texturen bilden die nächsten 32 Takte der Musik, entweder durch Wiederholung oder Variation.
Trepak ist ein fantastisches Stück fürs Studium, weil es eine perfekte Demonstration eines vollen und aufregenden Sounds für Orchester ist, der in höchstens drei Schichten gleichzeitig aufgeteilt werden kann, und sehr oft in zwei.
Ich möchte die Hauptlektion dieses Artikels immer wieder nach Hause hämmern. Komplexität und Reichtum werden nicht erreicht, wenn so viele verschiedene Ideen wie möglich auf einmal eingepfercht werden!
Das Stück beginnt mit einer zweischichtigen Textur:
In Takt 5 bewegen wir uns zu einer dreischichtigen Textur:
Diese acht Takte wiederholen sich.
Jetzt wird es interessant, weil wir diese ersten 16 Takte wiederholt haben, diesmal jedoch bei fortissimo (ff). Der Sound ist viel größer, aufregender und voller, aber die Core-Layer bleiben exakt gleich!
Die dreischichtige Textur wird jetzt zu:
Achten Sie darauf, wie die Percussion benutzt wird! Sowohl die Pauke als auch das Tamburin setzen Akzente und Beats, die bereits in den anderen Schichten vorhanden sind. Wenn Sie wie ich aus einem Pop / Rock / Jazz-Hintergrund kommen, sind Sie vielleicht daran gewöhnt, einen Drumloop oder das Äquivalent eines sehr belebten "Drum Set" -ähnlichen Parts zu werfen.
Aber so dachten die großen Orchestratoren der Vergangenheit nicht über Perkussion. Stattdessen benutzten sie es sparsam und für die Farbe, nicht um einen Mangel an Energie oder Antrieb in den anderen Teilen auszugleichen.
Für das letzte Beispiel möchte ich ein weiteres Beispiel aus drei Schichten betrachten: ein Ostinato, eine harmonisierte Melodie und eine einzeilige Gegenmelodie.
Dance of Merlitons wird mit einem pizzicato ostinato-Muster für Violen, Celli und Bässe eröffnet.
Dies ist eine übliche Figur von Eoom-Pah (linker Bass-Bass, rechter Hand-Akkord), und obwohl jedes Instrument einen einzigartigen Rhythmus besitzt, wirken sie, wenn sie zusammen spielen, eindeutig als zusammenhängendes Ganzes. Die Eröffnungsfigur ist nur die Grundlinie und die fünfte, aber während sich die Melodie entwickelt, wird sie noch einfacher und ist nur einzeilig in gebrochenen Oktaven.
Die Flöten sind in drei Teile harmonisiert. Die drei Spieler spielen alle eine einzigartige Melodie, aber unsere Ohren fassen sie offensichtlich zu einer zusammen.
Schließlich wird unsere dritte Schicht hinzugefügt, um der zweiten Vier-Takt-Phrase der Melodie, einer Legato-Gegenlinie im Fagott, Farbe und Variation zu verleihen.
Eine Hauptfunktion dieses Fagott-Parts besteht darin, dem Crescendo Körper zu geben.
Und es wird nie komplizierter.
Obwohl es auf einem Schlag bis zu sieben Töne auf einmal gibt, macht die Art, wie sie zusammengruppiert werden, in Wirklichkeit eine zweischichtige Textur. Es ist fast selbstverständlich, aber offensichtlich ist die Tatsache, dass jede Ebene ein einzelnes Timbre ist, viel einfacher zu hören, als eine statt vieler (Flöten nur im Gegensatz zu Flöten und Violen)..
Wenn eine Schicht in Harmonie ist, befinden sich die anderen Schichten im Allgemeinen im Gleichklang oder in Oktaven. Dies liegt daran, dass eine Akkordstruktur voll ist und zu viele harmonisierte Abschnitte nicht nur riskieren, sondern auch düster und zu dick werden.
Stärke kommt von dynamischen Markierungen und dem Einsatz von mehr Instrumenten, um ein Element zu unterstützen, und nicht dadurch, dass jedes Instrument etwas anderes tut.
Die Nussknacker-Suite gehört zu den schönsten und resonantesten Orchestermusik, die jemals geschrieben wurde, und verstößt nie gegen die Dreierregel! Ob intime ruhige Momente oder aufregende und kraftvolle Gesten, die scheinbar komplexe Seite mit schwarzen Tönen kann auf wenige Elemente reduziert werden. Und wie wir gesehen haben, halten sich diese Elemente an die Dreierregel und werden niemals komplexer als nötig.
Was denkst du? Haben Sie diese dreischichtige Idee in anderen Stilen und Genres gehört? Können Sie scheinbar unterschiedliche Instrumente zu einer einzigen Idee kombinieren (z. B. E-Bass und Schlagzeug)? Wie wäre es mit Ausnahmen von der Regel, die wunderbar funktionieren?
Hinterlasse einen Kommentar mit deinen Gedanken, wie du das auf deine eigene Musik anwenden kannst!
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