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Kontrapunkt ist eine der lohnendsten und reichsten Texturen in der Musik. Ein guter Kontrapunkt ist schön, interessant und intellektuell anregend. Die großen Komponisten der Geschichte, von Bach und Mozart, Debussy und Strawinsky, John Williams und Jerry Goldsmith, haben alle das gemeinsame Merkmal einer kontrapunktischen Meisterschaft.
Wir werden einen Absturzkurs durch die Konzepte des Kontrapunkts machen. Wir lernen die Grundlagen von Konsonanz vs. Dissonanz, die unterschiedlichen Bewegungsarten zwischen zwei Stimmen und allgemeine Richtlinien für das Schreiben eines effektiven Kontrapunkts.
Das Problem bei den meisten Kontrapunktebüchern und -kursen ist, dass das einzige, was sie wissen, wie man etwas tun muss, dass man etwas zu schreiben lehrt:
Leider hören nicht mehr viele Leute solche Musik mehr. Sicher, es ist brillantes Schreiben und hört sich großartig an, aber es ist altmodisch (und ich meine, WIRKLICH altmodisch. Selbst die Leute aus den späten 1700er Jahren betrachteten es als nicht stilvoll!). Könntest du dir vorstellen, eine Action-Szene mit so etwas zu machen? Oder was wäre, wenn die Black Eyed Peas das als letzte Single herausgebracht hätten? Für einen kurzen Moment könnten sie als "brillant" betrachtet werden, aber es würde nicht viel länger dauern als eine Modeerscheinung.
Als Ergebnis der Schulung der Leute, wie man Musik aus der Mitte des 18. Jahrhunderts schreibt, geben die meisten Menschen, die sich mit dem Kontrapunkt beschäftigen, auf. Sie kommen zu dem Schluss, dass die Methoden veraltet sind und nicht in Kontakt kommen, dass ihre Musik nicht nach all diesen "Regeln" leben muss und dass das Studium der Kunst des Kontrapunkts bedeutungslos ist.
Nun, ich bin hier, um zu argumentieren, dass Kontrapunkt eine absolut entscheidende Fähigkeit für jeden aufstrebenden Komponisten / Songwriter / Musikschöpfer ist, um zu lernen, zu verinnerlichen und in seine Musik zu integrieren. Und es wird nicht erforderlich sein, dass Sie einige Semester an einem Konservatorium brauchen, um dies zu verstehen. Ein paar grundlegende Richtlinien reichen aus, um den Einstieg zu erleichtern.
Was ich herausgefunden habe, ist, dass, obwohl die spezifischen Regeln und Methoden des traditionellen Kontrapunkts ein Hindernis für das Lernen der meisten Schüler sind, wenn Sie einige der grundlegendsten Konzepte verstehen können, Sie auf dem besten Weg sind, Kontrapunkt in Ihrer Musik zu schreiben effektiv und sinnvoll.
Kontrapunkt bezieht sich auf zwei oder mehr unabhängige Melodien, die sich gut anhören, wenn sie gleichzeitig gespielt werden. Kontrapunkt wird häufig auch als Polyphonie bezeichnet.
Hier ist ein Beispiel von dem, was wir sind nicht Kontrapunkt aufrufen:
Ja, es gibt zwei unabhängige Linien, aber die Figur in der linken Hand ist einfach ein Arpeggio-Muster, das als Begleitung dient und der Melodie in der rechten Hand untergeordnet ist. Denken Sie daran, dass im Gegensatz dazu die Unabhängigkeit betont wird. Auch wenn eine Zeile interessanter ist und mehr Aufmerksamkeit auf sich zieht (was sehr oft der Fall ist), sollte die andere Zeile dennoch gut klingen.
In diesem Tutorial arbeiten wir mit tonaler Musik. Chromaticism ist gern gesehen, aber im Allgemeinen gehe ich davon aus, dass die meisten von Ihnen, die dies lesen, eher Michael Giacchino und Coldplay gegenüber Shoenberg und Varese bevorzugen.
In diesem Tutorial sprechen wir in erster Linie von einem Kontrapunkt mit zwei oder zwei Stimmen. Obwohl Sie viele Beispiele für 3, 4 und mehr Stimmen finden, ist der Kontrapunkt der 2 Stimmen der einfachste und am wichtigsten zu erlernen.
Eine "Stimme" bezieht sich nicht wörtlich auf eine menschliche Stimme, sondern auf eine einzelne melodische Linie. Wenn Sie zwei Melodien gleichzeitig spielen, müssen Sie die Stimmen unterscheiden.
Eine Stimme:
Zwei Stimmen:
Vier Stimmen:
Die Anzahl der Stimmen in einem Stück stimmt nicht mit der Anzahl der Instrumente überein. Sie könnten 100 Spieler eines riesigen Orchesters haben, die genau dieselbe Melodie spielen, und dies würde als eine einzige Stimme betrachtet.
Bevor Sie fortfahren, ist es wichtig, dass Sie die Intervalle gut verstehen. Sie sollten in der Lage sein, den Unterschied zwischen einem perfekten fünften und einem verminderten fünften, einem kleinen dritten und einem großen dritten usw. zu unterscheiden. Wenn das Konzept für Sie neu ist oder Sie eine Auffrischung benötigen, schlage ich vor, dass Sie dieses Lernprogramm jetzt durchlesen. Das meiste, was wir tun, ist die Analyse der Intervalle zwischen den beiden Stimmen. Daher ist es äußerst wichtig, dass Sie dies fließend und mühelos erledigen können.
Eines der Hauptkonzepte, mit denen wir uns befassen, ist die Konsonanz vs. Dissonanz.
Von thefreedictionary.com:
In groben und einfachen Worten klingen Konsonanzen gut und Dissonanzen schlecht. Eleganter tendieren Dissonanzen dazu, hart und angespannt zu sein, während Konsonanzen angenehm und erholsam klingen.
Welche Intervalle konsonant und welche dissonant sind, ist weitgehend eine Frage des Geschmacks und des Zusammenhangs, aber in der tonalen Musik herrscht allgemeiner Konsens:
Dissonanzen können dann noch weiter abgebaut werden:
Compounds (Intervalle größer als eine Oktave) werden genauso behandelt wie ihre kürzeren Äquivalente (dh 9tel werden als 2nd, 10tel als 3rds usw. behandelt).
Im Kontrapunkt gibt es drei Bewegungsarten:
Parallele Bewegung: Beide Stimmen bewegen sich in dieselbe Richtung. Aus dem Ritus des Frühlings:
Gegenbewegung: Beide Stimmen bewegen sich in die entgegengesetzte Richtung. Von Wagners Vorspiel zu Die Meistersinger von Nürnberg:
Schräge Bewegung: Eine Stimme bewegt sich, während die andere konstant bleibt. Aus Beethovens Rondo in c-Moll:
Es ist erwähnenswert, dass traditionelle Methoden die Untersuchung des Kontrapunkts in 5 "Arten" aufteilen. Jede Spezies bezieht sich darauf, wie viele Noten in einer Stimme gegen wie viele Noten in der anderen Stimme spielen. Zum Beispiel:
Nun, da ich alles durchgemacht und erklärt habe: Ich werde nicht immer nur eine Spezies durchgehen. Ein methodisches System zum Erstellen einer Komplexität auf einer anderen Ebene ist absolut sinnvoll, aber dies ist ein Crash-Kurs, und wir haben Notizen zum Schreiben! Stattdessen sollten die von mir umrissenen Richtlinien für alle Arten von Kontrapunkten berücksichtigt werden, unabhängig davon, wie viele Notizen Sie gegen wie viele andere Notizen haben. Den Puristen unter Ihnen mag es vielleicht nicht gefallen, aber wir schreiben unsere Abschlussarbeit nicht für einen Meister in Komposition. Wir versuchen nur nahe genug für den Jazz zu sein.
Nachdem wir nun die grundlegenden Konzepte von Konsonanz vs. Dissonanz und die 3 Bewegungsarten kennen, können wir einige Richtlinien für einen guten Kontrapunkt aufstellen. Ich nenne sie "Richtlinien", denn in einer kreativen Kunst wie Musik gibt es offensichtlich keine Regeln. Wenn Sie jedoch lernen möchten, wie Sie Ihren Kontrapunkt effektiv gestalten können, sollten Sie sich unbedingt an die Richtlinien halten, bis Sie bewusst und absichtlich gegen sie vorgehen können.
Der Hauptzweck des Kontrapunkts besteht darin, zwei separate, aber gleiche Melodien gleichzeitig spielen zu lassen. Separat bedeutet, dass sie an verschiedenen Orten Gipfel und Tal erreichen und sich zu unterschiedlichen Zeiten bewegen. Equal bedeutet, dass es sich um beide interessante Zeilen handelt, die alleine gespielt werden können, wenn die Melodiekontur und das Interesse ausreichend sind.
Diese zwei Zeilen stammen von Debussys Präludium bis zum Nachmittag eines Fauns:
Hören Sie nur die Top-Stimme:
Und jetzt nur noch die tiefe Stimme:
Beachten Sie, dass sie zwar gut zusammenarbeiten, aber auch für sich selbst interessant sind. Beachten Sie auch den Kontrast der Bewegung. Wenn die Geigen die 16. Note haben, hat der Wind Viertel- und Achtelnoten. Wenn die Geigen ruhen, werden die Winde aktiver.
Früher haben wir gesehen, dass es drei Arten von Bewegungen zwischen den Stimmen gibt: Gegenteil, Parallel und Oblique. Ein starker Kontrapunkt verwendet ein Gleichgewicht aller drei Typen.
Im Allgemeinen wird die entgegengesetzte Bewegung am meisten bevorzugt, da sie die größte Unabhängigkeit schafft.
Schräge Bewegungen sind sehr effektiv, wenn Sie zwischen den Stimmen wechseln, sollten jedoch sparsam eingesetzt werden, wenn Sie dieselbe Tonhöhe in einer einzigen Stimme konstant halten. Am Ende haben Sie eine Stimme und die zweite Stimme erscheint weniger wichtig und interessant.
Hier ist eine effektive Verwendung der abwechselnden Schrägbewegung von Beethoven:
Wie wir weiter unten sehen werden, sollte die Parallelbewegung im Allgemeinen für die 3. und 6. Sekunde reserviert werden. Parallele Bewegungen erzeugen einen großen Kontrast aus zu vielen gegensätzlichen und schiefen Bewegungen. Sie müssen jedoch darauf achten, nicht zu viel davon zu haben, oder Sie verlieren die Unabhängigkeit zwischen den Stimmen.
Beachten Sie, dass in diesem Beispiel von Debussys Fêtes, obwohl es 5 separate Stimmen gibt, die sich alle konstant bewegen, den Eindruck einer einzelnen Einheit erwecken:
Um eine echte Unabhängigkeit zwischen den Stimmen zu schaffen, müssen wir den Bewegungsablauf im Gegensatz zu einem einzelnen Funktionsblock mischen. Diese Klarinetten- und Fagott-Linien aus Strawinskys Firebird haben ähnliche Motive, sind aber eindeutig unabhängig von der Richtung:
Unsere nächste Überlegung wird ein Gleichgewicht von Konsonanz und Dissonanz sein. Zu viel Konsonanz kann flauschig und langweilig sein:
Zu viel Dissonanz kann hässlich und schwer nachvollziehbar sein:
Die Entscheidung, was genau dieses "Gleichgewicht" ist, hängt von den Absichten und dem Geschmack des Komponisten ab.
Nehmen wir zwei Beispiele, die sich im Stil unterscheiden, und vergleichen Sie ihre Balance zwischen Konsonanz und Dissonanz. Das erste kommt aus Schumanns Album für die Jugend:
Das zweite Beispiel stammt von Bartoks Mikrokosmos:
Das Interessante an diesen beiden sehr stilistisch unterschiedlichen Sätzen ist, dass sie tatsächlich ein ziemlich ähnliches Verhältnis von Dissonanz zu Konsonanz haben (7:25 bei Schumann, 8:21 bei Bartok). Der Bartok hat jedoch definitiv mehr Dissonanz (20% bei Schumann im Vergleich zu 28% bei Bartok). Beide Beispiele neigen dazu, sich auf meist konsonante Intervalle zu verlassen, wobei Dissonanzen als zusätzliches "Gewürz" verwendet werden. Beachten Sie auch, wie die Dissonanzen voneinander beabstandet sind.
So wie Sie in allen anderen Bereichen ein Gleichgewicht benötigen, bleiben Ihre Linien auch durch ein Gleichgewicht der Intervalltypen interessant.
Hören Sie sich dieses Beispiel aus Mahlers 4. Sinfonie an und beachten Sie die vollständige Mischung der Intervalltypen (es ist auch ein brillantes Beispiel für unabhängige Rhythmen):
Dies ist eine der schwierigsten Regeln für Anfänger, da dies auf den ersten Blick wenig sinnvoll erscheint. Wenn zwei Stimmen sich in dieselbe Richtung bewegen, sollten sie sich nicht in ein Intervall einer 5. oder Oktave bewegen.
Die Begründung hinter dieser Regel ist, dass die Oktave und die Fünfte Grundintervalle sind. Wenn sich zwei unterschiedliche Stimmen in der Oktave oder Fünften parallel bewegen, entsteht der Eindruck, dass es sich tatsächlich um dieselbe Melodie handelt. Wenn sich also Ihre beiden Stimmen parallel zur 5. oder Oktave bewegen, verstoßen Sie im Wesentlichen gegen die gesamte Idee des Kontrapunkts, nämlich zwei unabhängige und getrennte Stimmen.
Das Problem, auf das Studenten stoßen, ist, dass parallele Fünftel und Oktaven mit einem ungeschulten Ohr nur schwer zu hören sind. Mein einziger Rat ist, dieser Regel des Glaubens zu folgen, denn wenn sich Ihre Ohren und Ihre kontrapunktischen Fähigkeiten entwickeln, werden Sie schließlich lernen, parallele Fünftel und Oktaven zu hören, und sie werden sich tatsächlich als falsch verstehen.
Ich bin mir sicher, dass Sie diese Regel in vielen Beispielen "gebrochen" finden. Eine der Hauptausnahmen dieser Regel ist, dass parallele Fünftel und Oktaven am Ende einer Phrase (dh in eine Kadenz) als akzeptabel betrachtet werden, wahrscheinlich weil die Interpunktion der Kadenz den Effekt weniger stört.
Im Allgemeinen sollte ein dissonantes Intervall zu einem konsonanten Intervall aufgelöst werden. Dies bedeutet, dass wenn Sie eine Dissonanz für etwas Gewürz verwenden und Spannung erzeugen, dies nur dann wirklich effektiv sein wird, wenn Sie diese Spannung lösen. Sonst klingt es wahrscheinlich nur so, als ob Sie eine falsche Note gespielt haben!
Eine Dissonanz lässt sich am einfachsten auflösen, indem Sie eine Tonhöhe konstant halten und die andere Tonhöhe in ein Konsonantenintervall verschieben. Schauen wir uns das Beethoven-Beispiel an, das wir früher verwendet haben, um Schrägbewegungen zu zeigen:
Beachte, wie jede Dissonanz zuerst als Konsonanz eingeführt wird, dann macht eine neue Note das Intervall dissonant und löst sich schließlich wieder in eine Konsonanz auf. Wenn Sie sich die Zeichenfolge von Harry Gregson-Williams anhören, hören Sie, wie diese Technik überall eingesetzt wird.
Der zweiteilige Kontrapunkt ist großartig und alles, aber die meiste echte Musik verwendet mehr als zwei Stimmen. Wenn Sie sich für die Verwendung mehrerer Parts entscheiden, ist das Wichtigste, was Sie beachten müssen, der Kontrapunkt zwischen den äußeren Stimmen. Die obersten und untersten Stimmen sind die, die am häufigsten zu hören sind. Daher sollten Sie sich beim Schreiben guter Linien besonders auf die Stimmen konzentrieren. Die restlichen Stimmen können dann verwendet werden, um "die Leerzeichen" der Harmonie auszufüllen.
Hören Sie sich dieses Beispiel aus Brahms '4. Sinfonie an:
Hören Sie sich jetzt nur die oberen und unteren Stimmen an:
Wir haben immer noch den gleichen musikalischen Effekt. Die 1. Violine mit der oberen Stimme und den Cellos und Bässen auf der unteren Stimme bilden einen interessanten und effektiven Kontrapunkt. Die zweiten Violinen und Violen dienen dann dazu, die Akkorde auszufüllen, wobei weniger Akzente gesetzt werden müssen, um sie unabhängig und interessant zu gestalten.
Überwältigt fühlen? Das wäre verständlich, ich habe Sie einfach mit einer Menge Informationen geworfen! Gehen Sie Stück für Stück zurück, nehmen Sie sich Zeit und spielen Sie mit jedem Konzept herum. Schreiben Sie Ihre eigenen Beispiele aus und hören Sie ihnen zu. Suchen Sie in einigen Ihrer Lieblingsmusik nach dem Kontrapunkt und ziehen Sie sie Intervalle für Intervalle auseinander, um zu sehen, warum sie funktionieren.
Ich hoffe, Sie behandeln diesen Crash-Kurs als eine Einführung in die Kunst. Für viele von Ihnen reichen diese grundlegenden Konzepte aus, um Ihrer Musik ein bisschen mehr Raffinesse zu verleihen. Für andere, die ihre Kenntnisse auf die nächste Stufe bringen möchten, würde ich vorschlagen, dass es jetzt an der Zeit ist, eines der traditionelleren Lehrbücher zu diesem Thema aufzuschlagen und ein ernsthaftes Studium zu beginnen.
Das am meisten empfohlene Buch ist "The Study of Counterpoint" von Johann Joseph Fux. Die Leute lieben dieses Buch, weil es schon immer existiert und es heißt, dass sogar Mozart Kontrapunkt daraus gelernt hat. Das Problem ist, dass es fast 300 Jahre alt wird. Ernst! Obwohl alle Prinzipien vorhanden sind, kann es schwierig sein, den ganzen Weg durchzulesen.
Ich würde etwas empfehlen, das in einem moderneren Ton geschrieben ist, wie "Counterpoint" von Kent Wheeler Kennan oder "Counterpoint in Composition" von Felix Salzer. Die Lehrbücher können teuer sein, aber Sie sollten in der Lage sein, eine gebrauchte Kopie bei Amazon oder Ebay zu finden.
Kontrapunkt kann eine lebenslange Studie sein, aber es ist ohne Frage eine lohnende Beschäftigung.
Accentsconagua