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Die ersten Aufnahmen für jedermann - egal ob drei oder dreizehn - gehen normalerweise auf die gleiche Weise. Die Frist nähert sich schnell und es wird kaum etwas getan. Was getan wurde, klingt nicht richtig. Ihre Musikerkollegen haben keine Ahnung, was sie tun sollen, und niemand im Raum ist sich wirklich sicher, was der nächste Schritt im Prozess ist.
Für die meisten Anfänger hat die Entwicklung eines Aufzeichnungsworkflows keine Priorität. Aber Profis werden Ihnen sagen, dass Zeit Geld ist und deshalb haben sie so hart daran gearbeitet, dass ihre Arbeit funktioniert. Je schneller Sie Ihre Arbeit erledigen können, desto höher ist Ihr effektiver Stundensatz, und je schneller Sie Ihre Arbeit erledigen können, desto weniger zahlen Sie für die Anmietung von Studios, Ausrüstung und Mitarbeitern. Es funktioniert sowohl aus Kosten- als auch aus Einkommenssicht.
Hier erhalten Sie einen Überblick über den Ablauf und Ablauf eines Aufzeichnungsprojekts, das ordnungsgemäß ausgeführt wurde, und enthält Tipps zur weiteren Optimierung.
Das Schreiben ist die erste Phase eines Aufnahmeprojekts, auch wenn es lange vor der Entscheidung für die Aufnahme des Songs beginnt. Während der Schreibphase werden die Texte und die Musik erstellt und verfeinert, bis sie gut zusammenarbeiten.
Wenn Sie sich in der Schreibphase befinden, müssen Sie über die Realitäten von Performance und Aufnahme nachdenken. Wenn Sie Songs schreiben, die Sie nicht ohne weiteres aufnehmen oder live mit Ihrer Band spielen können, sind sie nicht besonders gut für Sie. Wie stolz sind Sie auf Ihre Arbeit, wenn Sie ins Studio gehen und erkennen, dass Sie nicht über die richtige Ausrüstung, Musiker oder Instrumente verfügen, um den Song zum Laufen zu bringen?
Das Erstellen eines Repertoires ist wichtig, und Sie müssen dieses Repertoire aufführen und aufnehmen können. Auch im Zusammenhang mit dem Aufnahmeprozess ist die Live-Performance zu berücksichtigen. Wenn Sie nicht nur eine Studio-Band sind, muss Ihre Arbeit über alle Medien hinweg übersetzt werden.
Einige Einschränkungen zu umgehen, fördert die Kreativität, also nehmen Sie die Herausforderung an. Der Künstler, dem jedes Werkzeug auf der Welt zur Verfügung steht, ist oft durch die Wahl gelähmt, während das Arbeiten innerhalb einer Reihe von Einschränkungen kreative Entscheidungen erleichtern kann. Für die meisten Musiker ist dies ein immer wiederkehrendes Thema vom Schreiben bis zum Mastering, da dies eine der teuersten Karrieren oder Hobbys darstellt.
Sobald Sie sich im Studio befinden, müssen Sie möglicherweise mit Session-Musikern zusammenarbeiten, die den Song nicht mit Ihnen eingespielt haben, oder Sie möchten einen bestimmten Abschnitt oder ein bestimmtes Riff im Song mit Ihrem Produzenten und anderen Musikern besprechen. Unterstützende Sänger benötigen Texte. Wenn Sie die richtigen Materialien nicht im Voraus vorbereiten, wird dies als Hindernis empfunden, als viele denken. Ich empfehle Ihnen, zu jeder Sitzung mindestens ein paar davon mitzubringen:
Obwohl es sich dumm anhört, gehört die Probe zum Aufnahmevorgang. Denn wenn Sie den Song überhaupt nicht als Gruppe spielen können, ist es absolut sinnlos, ins Studio zu gehen.
Während das Aufnehmen mit mehreren Spuren, das Comping und das Quantisieren im Anschlag erscheinen, scheint es, als wäre das Aufnehmen eines Songs einfacher als live zu spielen. In Wahrheit ist die aufgenommene Musik wirklich unbeständig und alles, was mehr als zwei oder drei Tracks enthält, erfordert einen sehr , sehr feine Balance in der Mischung, um zu verhindern, dass Dinge auseinanderfallen.
Wenn Sie nicht gut klingen, wenn Sie zusammen spielen, wenn Sie nicht in den Rhythmus Ihrer Rhythmussektion greifen können und Platz für jedes Instrument schaffen, wo jedes Instrument es braucht, ist dies eine weitere Sache, die das empfindliche Gleichgewicht zum Absturz bringt. Ihre Aufnahme wird abgesaugt, bevor sie fertig ist.
Sie müssen so lange proben, bis das Lied so poliert klingt, dass Sie der Meinung sind, Sie könnten ein paar Mikrofone in Ihrem Proberaum aufstellen und einen Take machen, mit dem Sie zufrieden sein könnten.
Während mancher Anfänger versucht sein könnte, diesen Rat abzulehnen, ist hier eine praktischere Überlegung: Studios kosten Geld. Jede Stunde, die Sie nicht proben, ist eine weitere Stunde, die Sie dem Studiobesitzer zahlen müssen, weil es so viele Probleme mit der Aufnahme gibt.
Ernst. Proben.
Die üblichste Methode zum Üben eines Songs besteht darin, dass die Band es wiederholt von Anfang bis Ende spielt. Dies ist eine besonders ineffiziente Arbeitsweise, weil Sie genau so viel Zeit mit den Parts des Songs verbringen, mit denen die Band in Ordnung ist, als mit den Parts, mit denen die Band zu kämpfen hat.
Konzentrieren Sie sich auf verschiedene Abschnitte des Songs oder verbringen Sie sogar zwanzig Minuten in einem Abschnitt mit vier Takten des Songs, wenn es für alle schwierig ist, im Takt zu bleiben. Machen Sie nicht weiter, bis die Band gelernt hat, die lästigen Segmente perfekt zu spielen.
Es ist wichtig, den Song als Ganzes zu üben, ohne anzuhalten, aber Sie werden Ihre Zeit viel klüger einsetzen, wenn Sie die direkten Übungsschritte speichern, bis alle mit den einzelnen Komponenten zufrieden sind.
Das Lied wurde also geschrieben. Die Band kann es mit geschlossenen Augen spielen und kopfüber in der Unterwäsche hängen. Nun haben sie beschlossen, es ist Zeit, es aufzunehmen.
"Auf was warten wir? Lass uns aufnehmen! “, Sagst du alle in deiner Aufregung. Tut mir leid, dass Ihre Partei einen Dämpfer bekommen muss, aber nicht so schnell. Zuerst müssen Sie einen Plan erstellen.
Was wirst du in welcher Reihenfolge machen? Wie viele Instrumente werden beteiligt sein? Wie viele Parts hat jedes Instrument, und wie viele Spuren werden für jedes Instrument benötigt? Wie lange dauert der ganze Prozess? Wann müssen wir das Studio und den Produzenten buchen? Der Mastering-Ingenieur? Der ewig schwer fassbare Piccolo-Meister?
Ohne einen Plan haben Sie noch zwei Tage Studiozeit, bevor der Mix gemeistert werden muss, und der einzige noch lebende Piccolo-Spieler auf dieser Seite des Äquators ist für drei Monate in Folge ausgebucht. Hoppla.
Ein Plan sollte immer schriftlich erfolgen. Ich meine nicht unbedingt Stift und Papier - es kann ein Computerdokument oder eine Steinschnitzerei sein -, aber Pläne, die im Kopf eines Menschen gespeichert sind, sind Pläne, die vergessen werden, sobald die Planungsphase endet.
Ihr Plan muss nur so komplex oder einfach wie das vorliegende Projekt sein. Wenn Sie einen Überblick benötigen, um Ihnen den Einstieg zu erleichtern, würde ich Ihnen Folgendes vorschlagen:
Pläne können sehr viel komplizierter sein, fügen Sie dies hinzu, wenn Sie möchten. Pläne können auch recht einfach sein: Wenn Sie einen dreiminütigen Folk-Song mit einem Standard-Rack mit Studio-Equipment aufnehmen möchten, nur Vocals und Gitarre selbst und vielleicht ein oder zwei Percussion-Overdubs, benötigen Sie nicht die gleiche Art Struktur.
Für viele Musiker ist die Demo-Phase eine der ersten Phasen eines Projekts. Das bedeutet, dass sie nicht vollständig vorbereitet und bereit sind, sich auf den Job einzustellen. Die ersten paar Tage werden im Studio verbracht, um zu entscheiden, was zu tun ist, und über die verschiedenen Änderungen nachzudenken, die an dem Song „nur zum Spaß“ vorgenommen werden könnten. Es ist zwar alles sehr kreativ, aber es ist wahrscheinlich nicht die beste Zeit, um herumzuspielen, nur weil Sie keinen festen Angriffsplan vorbereitet haben, unabhängig davon, ob Sie für die Studiozeit bezahlen oder nicht.
Mit diesem Workflow haben Sie bereits alle Experimente und Unsicherheiten aus Ihrem System herausgeholt. Sie wissen, was Sie tun müssen, so dass Sie nicht die Notwendigkeit haben, herumzuspielen, weil Sie nicht wissen, was der nächste Schritt ist.
Die Demo-Phase ist der Teil des Projekts, in dem jeder Musiker einen ungefähren Take aufzeichnet, der gut genug ist, um einen Rahmen zu bilden, um den der Rest des Projekts herum gebaut wird. Sobald die Demo fertig ist und Sie mit dem Tracking fortfahren, müssen Sie lediglich Demo-Tracks für die letzten Tracks austauschen. Die Demo ist kein polierter Abschluss, aber es ist wichtig, bestimmte Faktoren richtig zu machen. Die Produktion gehört nicht dazu, aber das Timing ist sicher.
Es ist mir wirklich egal, wie Ihre persönliche Meinung zu Klickspuren ist - einige Eliten verbieten ihren Einsatz aus irgendeinem grundlosen Grund -, aber wenn Sie eine Demo aufnehmen, stellen Sie sicher, dass jeder zu einer Klickspur aufnimmt.
Klickspuren sind für Anfänger schwer zu gewöhnen, also geben Sie jedem Instrumentalisten - insbesondere Ihrem Schlagzeuger - etwas Zeit, sich daran zu gewöhnen, mit einem zu spielen. Sobald sie daran gewöhnt sind, sei rücksichtslos. Wirf Spuren raus, die nicht perfekt aufeinander abgestimmt sind.
Der Grund dafür ist, dass das Timing in der Demo-Phase schlecht ist, da die Demo als Tracking-Rahmen dient und ein gesamtes Projekt und Wochen Arbeit ruinieren kann. Ein kleiner Rhythmusfehler kann leicht behoben werden, während Sie die Demo aufnehmen. Nach der Hälfte des Verfolgungsprozesses selbst ist dies ein großes Problem, da Sie ein gesamtes Projekt, das auf diesem Fehler aufgebaut ist, wiederholen müssen. Je weniger Wachsamkeit Sie haben und je länger Sie das Problem in Ihrem Projekt belassen, desto größer wird dieses Problem.
Es ist auch wichtig, wählerisch zu sein. Es gibt kein „nicht zu großes Geschäft“, denn etwas, das wie ein kleiner Fehler aussieht, klingt wie ein großer Fehler, wenn jedes andere Instrument seiner Führung gefolgt ist.
Kurzfassung: Wenn nicht jeder Track Ihrer Demo in der richtigen Zeit ist, kann die Demo nicht als Rückgrat Ihres letzten Stücks dienen.
Die Tonhöhe ist nicht so sehr ein Thema wie das Timing, wenn es um eine Demo geht. Sie sollten jedoch sicherstellen, dass die Instrumente vor der Aufnahme gut gestimmt sind und Ihr Bestes geben, um hier das beste Ergebnis zu erzielen.
Ein etwas außerhalb der Tonhöhe liegendes Instrument kann jedoch die Gesangsleistung in der Demo- und / oder Tracking-Phase beeinträchtigen. Da die Gesangsdarbietung im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit steht, müssen Sie es richtig machen.
Jedes Mal, wenn Sie ein bestimmtes Instrument in der Demo-Phase nachverfolgt haben, lassen Sie den Sänger dazu mitsingen und stellen Sie sicher, dass nichts von ihm ablenkt. Das Problem selbst kann nicht durch abgestimmte Instrumente verursacht werden - es kann alles sein, einschließlich eines Timing-Problems -, aber was auch immer es ist, sollte beseitigt werden, während Sie sich noch in der flexibleren und flexibleren Demophase befinden.
In der Tracking-Phase des Projekts verwenden Sie die Demo als Richtlinie, während Sie jeden Track durch den richtigen Take ersetzen.
Zeichnen Sie Diagramme von Rack-Mount-Geräten, machen Sie Screenshots von Plug-Ins, und machen Sie alles, was Sie tun müssen, um eine Kopie Ihrer Einstellungen zu speichern. Dies gilt auch für die Mikrofonplatzierung: Machen Sie ein Foto oder zeichnen Sie ein. Stellen Sie einfach sicher, dass Sie wissen, wie Sie die Mikrofone so einsetzen, wie sie waren.
Und das bedeutet bis auf den Zentimeter, also raus mit dem Lineal. Ein Zentimeter Unterschied sieht für uns nicht nach etwas aus, aber aus solider Perspektive kann es enorm sein.
Wenn Sie einen Abschnitt erneut verfolgen möchten oder nur die Hälfte des Trackings für ein bestimmtes Instrument an einem Tag beenden können, können Sie an der Stelle weitermachen, wo Sie aufgehört haben. Wenn Sie keinen identischen Sound haben, müssen Sie in der Regel mit dem Tracking beginnen. Es könnte als Effekt hier oder dort wirken, aber wenn sich der Ton der Instrumente während der Wiedergabe des Songs ändert, wird dies den Hörer abschrecken.
Sie sind sich also nicht sicher, ob das U87 oder Classic II ein besseres Mikrofon für einen Part ist, und Sie können sich einfach nicht entscheiden. Zeichne beides auf und wähle später! Es ist besser, Optionen zu haben, als mit einem Ergebnis zu kämpfen, mit dem Sie nicht zufrieden sind. Das populäre Sprichwort in der Musikindustrie ist Du kannst keinen Misthaufen polieren. Im Allgemeinen handelt es sich dabei um eine Performance, aber vertrauen Sie mir, wenn ich sage, dass die Produktionswerte eines Tracks eine hervorragende Performance wie der sprichwörtliche unpolishable Mist klingen lassen.
Etwas, an dem Sie später möglicherweise nichts ändern können, ist die Mikrofonpositionierung (Sie haben möglicherweise dreiundsiebzig SM57s, aber sehr wenige Leser hätten mehr als eine U87, wenn sie überhaupt eine haben). Verbringen Sie Zeit mit der Positionierung. Mach es richtig.
Wenn Sie externe Effekte wie EQ und Komprimierung verwenden möchten, seien Sie sehr vorsichtig und wählen Sie die Einstellungen so subtil wie möglich aus. Verwenden Sie nur so viel Effekt, wie Sie benötigen. Außenborder-Effekte klingen im Allgemeinen besser als Plug-Ins, wenn Sie über hervorragende Geräte verfügen oder sich in einem professionellen Studio befinden, aber Sie können nicht später zurückgehen und Änderungen vornehmen. Wenn Sie Anfänger für Fortgeschrittene sind, werden Sie oft an einem Track hängen, den Sie nicht verwenden können, nachdem Sie erkannt haben, dass er ein oder zwei Wochen später ruiniert ist. Das passiert sogar erfahrenen Ingenieuren oft.
Wie bereits erwähnt, verbringen Sie Zeit mit Ihren Außenbordeffekten (oder anderen destruktiven Effekten). Mach es richtig. Und selbst dann machen sie sie subtil; Wenn Sie nicht genug komprimiert haben, können Sie Probleme mit einem Plug-In beheben. Wenn Sie zu viel komprimiert haben, sind Sie vermasselt.
Routing erhält oft keine eigene Phase und benötigt möglicherweise für viele Leser keine. Wenn Ihr Genre minimalistisches Folk ist und nur zwei bis fünf Tracks pro Session verwendet, können Sie dies sicher überspringen. Die meisten electronica-Produkte müssen wahrscheinlich nicht viel Aufhebens machen. Wenn Sie jedoch eine Menge realer Instrumente aufnehmen und große, unhandliche Produktionen in Pro Tools oder Logic oder What-Have-You haben, ist Routing eine Kunstform für sich.
Meine Routing-Phase besteht aus zwei Teilen:
Wenn Sie nicht sicher sind, wie Sie einen Group-Aux-Sub-Mix oder einen Send / Return-Effekt einrichten, finden Sie in Audiotuts + ein paar Tutorials, die alle erläutern.
Wenn Sie einen Song mit 30 oder 100 Titeln im Projekt haben, ist es für Sie zu viel, um sich mit relativer Mischung auseinanderzusetzen. Unterteilen Sie alles in wenige Gruppen (weniger als zehn, vorzugsweise weniger als fünf) wie Gesang, Schlagzeug und Gitarren.
Führen Sie dann jede dieser Spuren neu aus, sodass sie zu einem Stereo-Hilfskanal und nicht direkt zum Stereo-Master geleitet werden. Holen Sie sich einen relativen Mix zwischen allen Tracks, die zum Auxiliary geleitet werden, und verbringen Sie etwas Zeit damit, um den Track perfekt zu machen. Wenn der Sub-Mix gut ist, müssen Sie möglicherweise nicht mehr einzelne Spurebenen berühren. Bewegen Sie einfach einen Ihrer Group-Aux-Fader, um den Mix anzupassen.
Es ist ein schmerzhafter Prozess, so wenig wie 20 Tracks und sogar einige Hundert Titel zu mischen. Wenn Sie so viele mit drei bis zehn Submixen machen können, lachen Sie.
Es gibt häufig verwendete Effekte, die in fast jeder Produktion zum Einsatz kommen: Reverb und Delay sind am häufigsten und Chorus tritt in den meisten Projekten auf. Sie sollten Send / Return-Systeme so einrichten, dass jede Spur eine bestimmte Menge ihres Signals an einen einzelnen Prozessor sendet, der alle Spuren im Projekt abdeckt. Dies hat zwei Vorteile.
Es ist sehr einfach, einen Song mit dem Missbrauch von Effekten zu ruinieren. Dies kann zwar immer noch mit Send / Return-Systemen geschehen, ist aber viel einfacher zu steuern. Manchmal funktionieren verschiedene Hall-Einstellungen für verschiedene Instrumente, aber oft wird der Verstand des Hörers verwirrt. Die Verwendung von Effekten mit denselben Einstellungen und denselben Prozessoren hilft dabei, die Mischung miteinander zu verknüpfen und für einen kohäsiveren Sound zu sorgen.
Bevor Sie sich mit dem Mix befassen, möchten Sie sicherstellen, dass alle Ihre Audiosignale vorhanden, aneinandergereiht, überblendet und im Allgemeinen zum Mischen bereit sind, ohne große Änderungen oder strukturelle Probleme zu verursachen. Sie müssen sich auf die Ebenen und Effekte konzentrieren können, die in der nächsten Phase verwendet werden, ohne Ablenkung zu verursachen.
Es ist hilfreich, wenn Sie eine Bearbeitungs-Checkliste erstellen, die Sie jedes Mal verwenden können, wenn Sie etwas Neues aufnehmen. Sie könnten so etwas verwenden, obwohl es keineswegs vollständig ist:
Um Regionen zu bearbeiten, müssen Sie verschiedene Takes zusammenstellen und den bestmöglichen Comp-Track anordnen. 95% der Bearbeitungszeit wird normalerweise hier verbracht, und das liegt am Schlagzeug. Sie müssen jeden Schlagzeug-Track durchlaufen und sicherstellen, dass die Transienten mit dem Beat übereinstimmen. Es kann Stunden dauern, bis Sie das richtig machen. Sie müssen auch ganz nah heran zoomen, was die Abläufe verlangsamt - dies hindert Sie daran, Dinge zu mechanisch in einer Reihe zu schnappen, als dies bei einer normalen Zoomstufe der Fall wäre. Bei einer normalen Zoomstufe werden alle Sounds, die Sie bewegen, weiter verschoben, um am Raster zu schnappen, wodurch eine technisch perfekte, aber emotional leere Performance entsteht.
Sobald jede Region eingerichtet ist, müssen Sie in jeder Region winzige Überblendungen erstellen, um das Aufplatzen von Geräuschen überall zu vermeiden und sicherzustellen, dass jede Verbindung zwischen den einzelnen Takes überblendet wird.
Wenn Sie zufrieden sind, halten viele es für eine gute Praxis, Regionen zu konsolidieren, sodass die Zusammenarbeit mit ihnen von hier aus einfacher ist.
Obwohl alles, was mit dem Ändern von Pegeln zu tun hat, im Allgemeinen als Teil der Mischphase betrachtet wird, kann es eine gute Idee sein, das Volumen wild veränderlicher Spuren durch Automatisierung auszugleichen, bevor Sie zum Mix kommen. Das Mischen der ersten Hälfte des Verses, nur um herauszufinden, ob die zweite Hälfte des Verses völlig unterschiedliche dynamische Eigenschaften hat, macht keinen Spaß und kann eine Menge Arbeit erfordern (die einfache Lösung ist, einen wirklich engen Kompressor auf alles zu schlagen, aber wenn du willst das leben aus dem lauten saugen gehen!).
Mischen ist in der Theorie ein so einfacher Prozess und kann in der Realität dennoch so kompliziert und stressig werden. Die Idee ist, jeden Sound mit Effekten und Prozessoren steuerbar und ästhetisch ansprechend zu gestalten und die Pegel richtig einzustellen. Mein Prozess läuft ungefähr so ab:
Mischen ist wirklich ein großer Job, und ohne einen Plan - selbst wenn er so grundlegend ist wie der, den ich gerade skizziert habe - wissen Sie nicht, wo Sie anfangen sollen oder wann Sie fertig sind. Ich weiß, dass ich am Ende viel mehr mache, als ich aufgelistet habe, oft in einer anderen Reihenfolge als der, die ich aufgeführt habe. Wenn Sie jedoch nicht wissen, wo Sie anfangen sollen oder wie Sie an den Job herangehen sollen, dauert Ihre Mixing-Sitzung viel länger und Sie werden von Problemen mit allem, was von Ihrer Gewinnstruktur abhängt, verwirrt du hast nicht.
Dies ist ein ziemlich übersehener Teil des Postproduktionsprozesses. Sobald Sie einen endgültigen Mix erhalten haben, möchten Sie einige verschiedene Versionen davon erstellen und auf die Festplatte legen. Jede Version enthält eine geringfügige Änderung, die eine kleine Änderung des Fokus auf den Instrumenten im Song darstellt. Einer mit 1 dB lauterem Lead Vocal, einer mit einem 1 dB ruhigeren Lead Vocal, einer mit ausgeprägterem Hintergrundgesang, vielleicht einer mit leiseren Drums, und die Liste geht weiter. Normalerweise betragen die Änderungen nicht mehr als 1 oder 2 dB.
Sie tun dies, weil das Mastering den Klang des Mixes verändert. Dadurch haben Sie die Möglichkeit, verschiedene gemasterte Versionen schnell anzuhören, ohne etwas zu ändern, etwas zu ändern, zu springen, zu meistern und dann zu vergleichen. Überlegen Sie sich die wahrscheinlichsten Änderungen, die Sie vornehmen möchten, und machen Sie sie alle bereit, um sie in einem Zug zu meistern.
Wenn Sie nicht das Mastering durchführen, was wahrscheinlich die beste Idee ist (sofern Sie nicht ein Mastering-Ingenieur mit einem Mastering-Studio sind), sollten Sie dem Mastering-Ingenieur dennoch diese Optionen zur Verfügung stellen. Sie werden Sie oft anrufen und nach ihnen fragen, wenn Sie sie nicht von Anfang an zur Verfügung stellen. Danke an Audiotuts + Plus-Mitarbeiter Bobby Owsinski für diesen Tipp.
Ich gebe nicht vor, viel über das Mastering zu wissen - mein Arbeitsablauf besteht darin, meine verschiedenen Versionen vorzubereiten und sie an jemanden weiterzugeben, der vorgibt zu wissen. Der beste Rat, den ich Ihnen geben kann, ist, Ihre Musik an den Mastering Engineer zu senden. Wenn ich es selbst machen muss, ist das überhaupt keine besonders wissenschaftliche Methode. Ich bounce Songs und wichtig sie für eine Album-Mastering-Session, wende die üblichen Prozessoren an und versuche, die Lautstärke jedes Tracks so gut wie möglich aneinander anzupassen.
Es ist jedoch wichtig, dass das Mastering Teil Ihres Plans ist, da Sie einen Mastering-Ingenieur finden, einen Teil seiner Zeit buchen und daran denken müssen, Ihre Arbeit zu ihm zu schicken.
Wenn Sie darauf bestehen, sich selbst zu beherrschen, sollten Sie die Audiotuts + Website besuchen, da sie einige nützliche Tutorials zu diesem Thema enthält. Wenn Sie niemals einen Mastering-Ingenieur einsetzen möchten, tun Sie sich einen Gefallen und machen Sie eine weiterführende Ausbildung in diesem Fach.
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