Schreiben für Orchesterinstrumente

Einige Komponisten genießen immer noch das unglaubliche Privileg, mit einem Live-Orchester zusammenzuarbeiten, um ihre Werke aufzunehmen. Stellen Sie sich vor, Sie haben ein 60-köpfiges Streichorchester, das gerade vor Ihnen sitzt, und ist bereit, Ihre neueste Komposition zu spielen. Ein ganzer Holzbläser- und Blechbläserabschnitt wartet darauf, um Ihr Gebot abzugeben! Wie schaffen Sie es, Ihre musikalischen Ideen so zu gestalten, dass jeder Part perfekt auf das Instrument zugeschnitten und "genau richtig" klingt?? 

Wie klingt die Klarinette tatsächlich in einem bestimmten Oktavbereich? Wird dieser Teil für die Oboe zu niedrig sein? Wie kann mein Cello-Part hier am besten zu diesem fantastischen, mitreißenden Geigenmotto passen, das ich gerade geschrieben habe? Und wann bringe ich die Waldhörner rein - wie wird sich das Gesamtgefühl des Stücks in diesem Moment ändern?? 

In diesem einleitenden Artikel zu einem hochkomplexen, vielschichtigen Thema werden wir uns mit einigen Grundlagen befassen, die Sie in die richtige Richtung weisen können, hoffentlich mit ein paar interessanten musikalischen Ausschnitten.

Beethoven, Tschaikowsky, Mahler und Schostakowitsch

Zunächst hilft es, sich daran zu erinnern, dass Orchesterschreiben ein Handwerk ist, das Jahrhunderte zurückreicht. Es waren schon einige ziemlich berühmte Leute da und haben es getan, einige von ihnen ziemlich gut! Es ist also keine schlechte Idee zu sehen, was wir von ihnen lernen können. 

Größe und Ausstattung des Orchesters haben sich im Laufe der Zeit von der abgespeckten "vorklassischen" und "klassischen" Saite und jeweils zwei Holzbläsersektionen zu den viel romantischeren "romantischen" Orchestern von Tschaikowsky, Wagner, entwickelt und Mahler. Diese Art romantischer Schriften, die im 19. und frühen 20. Jahrhundert vorkamen, verwendete normalerweise größere Streicher- und Holzbläser-Abschnitte, eine große Ergänzung von Blechbläsern und eine vollständige Palette von Orchesterschlagwerken. 

Dann gibt es noch die Instrumente selbst. Einige von ihnen entwickelten sich radikal; Trompeten und Waldhörner wurden in dieser Zeit zu Ventilinstrumenten, die ein chromatisches Spiel ermöglichten, was vorher nicht möglich war.

Wie sieht es also mit der modernen Punktebewertung aus, die oft für Blockbuster-Filme und marktführende Spiele verwendet wird? Ich kann nichts Besseres vorschlagen, als zunächst einige der bereits geschriebenen Orchester-Partituren zu studieren, insbesondere aus der romantischen Zeit, in der die Orchestergröße und die Art des Partiturschreibens am ehesten zum heutigen Ansatz passen. 

Orchestermusik studieren

Vor kurzem habe ich zugehört Mahlers 1. Sinfonie Wiederum, was ich aus meinen Musikstudentagen gut kenne, und ich war beeindruckt, wie 'filmisch' es tatsächlich klingt. Der Grund dafür ist nicht schwer herauszufinden. So viele Filmmusikschreiber haben die Redewendungen und Techniken dieses und anderer ähnlicher romantischer Orchesterwerke mehrmals kopiert, so dass es unmöglich erscheint, sie jetzt so zu hören, wie sie zu dieser Zeit wahrgenommen worden wären. 

Hier ist ein Clip vom Beginn des 4. Satzes; wie ist das für eine fesselnd dramatische Eröffnung? Hören Sie um 1:44, und beachten Sie den muskulösen Kontrapunkt zwischen den Violinen und Celli / Bässen in der Streicherpartie sowie den ominös klingenden Posaunen und der französischen Horngeste. (Der untenstehende Auszug wird aus der Orchesterkerbe transkribiert.)

Oder hier ist die 5. Sinfonie von Shostakovitch; Ein romantischer Klassiker des 20. Jahrhunderts. Beachten Sie das mächtige Blechbläser-Thema, das um 37:10 Uhr erscheint. mit einem Holzblasinstrument vorangegangen und dann durchgehend von der Paukenabteilung durchbrochen. Episches Zeug; stark genug für den dramatischen Höhepunkt eines Films!  

Aber haben Sie das Pathos des wunderschönen Harfen-Solos mit der Begleit-Saite um 35:07 Uhr entdeckt? Die Wertung hier ist so einfach und doch so zart, zerbrechlich und liebenswert. (Der untenstehende Auszug wird aus der Orchesterkerbe transkribiert.)

Die meisten von uns sind MIDI-Orchestrierer!

Die Realität ist, dass die meisten von uns unser Traumorchester niemals für eine Studiositzung treffen werden. Wir müssen mit einer Reihe von Samples zufrieden sein, die im Rahmen unseres Sequenzerpakets arbeiten. 

Heutzutage kann das MIDI-Orchester ein beeindruckendes und mächtiges Werkzeug sein, insbesondere mit Samples am oberen Ende des Marktes. Aber es ist tatsächlich eine ganz andere Erfahrung im Vergleich zu der realen Sache. 

Jemand hat es mit einer Computeranimation verglichen. Ein talentierter Designer konnte zweifellos eine hoch eindrucksvolle Computeranimation von jedem Promi machen. Wenn Sie es sehen, würden Sie sagen, dass Sie wirklich an die reale Person erinnert. Den echten Prominenten zu treffen, wäre jedoch ein völlig anderer Vorschlag. 

Versuchen wir also, einige wesentliche Unterschiede herauszufinden, da dies uns tatsächlich dabei helfen wird, Orchesterinstrumente effektiver und auf eindrucksvollere Weise zu schreiben.

So machen Sie Ihr Instrument realistischer

Das echte Orchester kann einige Dinge spielen, die mit MIDI praktisch nicht neu zu erstellen sind. Es ist aber auch sehr einfach, Parts zu schreiben, die von Live-Musikern nicht gut gespielt werden können, wenn überhaupt.  

Hier sind vier spezifische Tipps, mit denen Sie die offensichtlichen Fallstricke vermeiden können:

• Live-Musiker müssen atmen. Dieser lyrische Flötenpart, den Sie geschrieben haben; Hast du daran gedacht, es in atmungsaktiven Phrasen zu schreiben? Selbst wenn Sie keine Pausen geschrieben haben, muss irgendwo Platz sein, damit es spielbar ist und daher glaubwürdig ist, darauf zu hören. Streicher müssen beim Spielen die Bogenrichtung ändern und Bläser müssen atmen. Damit unsere Musikarrangements richtig klingen, müssen wir Teile schreiben, die dies berücksichtigen. 
  
• Wenn Sie Saitenteile teilen (d. H. Die 1. Violine wird geteilt, um zwei Teile zu spielen), Seien Sie nicht versucht, jeden Part mit demselben String-Patch zu spielen. Dadurch wird die Größe des Orchesters zu diesem Zeitpunkt effektiv verdoppelt, aber im wirklichen Leben haben Sie eigentlich nur die gleiche Anzahl von 1. Geigenspielern, um die beiden Teile zu spielen. Die Orchesterpartitur-Instruktion 'divisi saiten' bedeutet genau das; Die Hälfte der Anzahl der Streicher spielt jede Rolle. Das Ergebnis klingt anders. weniger vielschichtig.
  
• In der echten Welt, Jeder Musiker kann mühelos seine Notenartikulationen variieren. Zum Beispiel können sich Saitenspieler von bewegen staccato zu Marcato, Tenuto zu Legato zu einem Zeitpunkt bemerken. Ein guter, gut eingespielter Saitenabschnitt kann dies fantastisch tun, indem er sich als ein Körper bewegt. Tatsächlich sind viele einprägsame Melodien für ihre Wirkung von der unterschiedlichen Notenartikulation innerhalb der Phrase abhängig. Leider ist dies in der MIDI-Welt schwieriger, da ein anderes Patch ausgewählt oder ein Key-Schalter gedrückt wird, um die Länge der Note oder der Decay-Hüllkurve zu ändern. Daher neigen MIDI-Schreiber dazu, den Fehler zu machen, Teile in einer Artikulation nur für unnatürlich lange Zeiträume zu schreiben. 
  
• Eine andere Sache, die in der realen Welt leicht zu tun ist, ist für Saitengruppen, die mit einer sehr unterschiedlichen Dynamik spielen und sich durch die Phrase von leise nach laut und wieder zurück bewegen. An Beispielen ist dies nicht ganz so einfach. Dazu gehört nicht nur das Programmieren des Teils, sondern auch das Hinzufügen kontinuierlicher Controller-Informationen, die die dynamische Gesamtform der Phrase erzeugen können. Aber das ist sicherlich möglich, und diese zusätzliche Arbeit lohnt sich für den zusätzlichen Realismus, den sie dann schafft. 
  
• Endlich ein naheliegender Punkt, aber Jedes Orchesterinstrument hat einen spielbaren Bereich.Das Schreiben außerhalb dieses Bereichs ist zwar in der MIDI-Welt möglich, klingt aber sicherlich weniger realistisch. Oboisteile, die unter B gehen, oder Klarinettenteile, die unter E gehen, funktionieren also eindeutig nicht. Viele Scorewriting-Softwarepakete sind in der Lage, Sie über diese Art von Bereichsbeschränkungen zu informieren und zu warnen. 
  
• Neben den Instrumentenfragen gibt es noch einen weiteren Punkt. Viele Orchesterinstrumente haben eine etwas andere Klangfarbe oder Klangfarbe abhängig davon, in welchem ​​Bereich sie spielen. 

Für Orchesterinstrumente gut zu schreiben bedeutet daher zu lernen, was in den verschiedenen Oktavbereichen jedes Instruments gut funktionieren kann. Welche Art von Phrasen klingt idiomatisch. Zum Beispiel kann ein hoher Flötenpart sehr hell klingen. schäumend, aber eine Legato-Phrase, die in der untersten Oktave geschrieben ist, kann mellig, sogar verführerisch klingen. 

Hier ist ein berühmtes Beispiel. die Eröffnung von Debussys 'Präludium eine l'apres-midi d'un faune'. Beachten Sie die Anweisungen des Komponisten als "süß und ausdrucksvoll". der Bereich ist die unterste Oktave; Die tiefste Note der Flöte wird in Takt 9 erreicht.

Hier ist noch ein kurzer Auszug; Die ersten paar Bars zeigen dieses Mal die Oboe. Die tiefste Note des Instruments ist in Takt 11 fast erreicht. Dieser Auszug wurde kürzlich zusammen mit einigen anderen aus dem Orchesterrepertoire vorgestellt, die Oboisten spielen sollten, um für Top-Orchesterjobs vorzuspielen. Beachten Sie im Audioclip, dass die Klarinette die Oboe wiedergibt, auch in der tiefsten Oktave. 

Fazit

Die Fülle an Ausdrucksmarkierungen in den meisten schriftlichen Orchesterpartituren zeigt uns, dass von professionellen Orchestermusikern routinemäßig erwartet wird, dass sie mit großer Geschicklichkeit und Kontrolle spielen und mit einer großen Komplexität fertig werden. Wenn wir also die Chance haben, geben wir ihnen wirklich etwas Herausforderndes zu spielen! 

Saitenspieler sind auch sehr vielseitig und können leicht Teile erzeugen, die Saitenübergänge nahtlos klingen, aber es ist immer noch der Fall, dass bestimmte Arten von musikalischen Phrasen für bestimmte Bereiche für jedes Instrument besser geeignet sind. Zu beachten ist, dass jedes Orchester-Saiteninstrument vier Saiten hat, von denen jede auf ihre eigene Stimmung eingestellt ist. Die unteren Saiten sind tendenziell etwas satter und dunkler als die höheren.