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Die goldenen Stunden des Tages sind der Spielplatz für Christopher O'Donnell. Ich könnte sagen, dass Bilder mit satten Farben und geringer Schärfentiefe ein Markenzeichen seiner Arbeit sind. O'Donnell ist sehr verliebt in die Landschaft von Maine und offenbart in diesem Interview, dass er durch einen Zufall zum Fotografen wurde, nicht durch eine Entscheidung.
Die Arbeit von Christopher O'Donnell fand ich auch zufällig. Ein Bild des Autors fiel mir beim Surfen im Internet auf, und die Tatsache, dass es einem von mir in Bezug auf die angewandte Technik so ähnlich war, veranlasste mich, nach mehr Ausschau zu halten. Überraschung, das Cover eines seiner eBooks, The Portfolio of Bokeh, hatte nicht nur einen ähnlichen Vogel, sondern die gleichen Optionen, die ich auch in einem meiner Bilder habe. Es ist immer komisch, wie Fotografen in verschiedenen Regionen der Welt zu den gleichen Lösungen und ähnlichen Bildern gelangen und nicht einmal die Arbeit des anderen kennen. Ich wollte mehr wissen.
Einige werden es lieben, andere werden es hassen. Das ist etwas, was ich über Christopher O'Donnells Arbeit gefunden habe. Die Wahrheit ist, dass einige dieser Fotografien möglicherweise nicht ganz real aussehen, die Verwendung geringer Schärfentiefe in einigen Fällen die Realität verändert und die Farben für manche Menschen zu gesättigt sind, aber sie arbeiten, um eine Stimmung zu erzeugen, in der Sie Lust haben, hinein zu springen das Foto und gehen Sie durch die Landschaft.
Wie er oder jetzt hat der Autor gerade ein neues eBook herausgebracht, The Golden Hour Portfolio. Mit dieser Ausrede konnte ich O'Donnell ein paar Fragen stellen.
Ich bin ein Vollzeit-Landschaftsfotograf und -schriftsteller, wobei die sich ständig verändernde Küste von Maine die Quelle meiner Inspiration ist.
Ich glaube, ich habe meine Affinität zu Natur und Fotografie bis dahin völlig vergessen. Im Nachhinein wurden meine lebendigsten Kindheitserinnerungen draußen verbracht. Meine Mutter hatte immer eine Kamera in der Hand, so dass sie von Anfang an großen Einfluss hatte. Ich habe nie erwartet, dass diese beiden zusammenlaufen würden, bis es schon passiert war.
In meinem letzten Jahr am College habe ich mich voll und ganz in die Kunst der Fotografie eingetaucht, und es war nicht wirklich eine Entscheidung. Um meinen Abschluss zu machen, brauchte ich drei Kunstkurse, die immer sehr gefragt waren und schnell gefüllt wurden.
Als ich aus zwei Klassen ausgeschlossen wurde, weil ich nicht die richtigen Voraussetzungen hatte, ging ich zu dem Dekan, der gerade ein Schwarz-Weiß-Filmunterricht vorstellte. Er nahm mich gnädig auf, und in dieser Klasse hatten meine gesamten vier Jahre College einen Zweck.
Nach meinem Abschluss im Jahr 2008 wusste ich, dass ich in einem Staat leben wollte, der viele Möglichkeiten für die Landschaftsfotografie bot, zu dem ich eine starke Verbindung entwickeln konnte. Das Meer hat in meinem Leben einen ständigen Einfluss gehabt, daher war Maine die naheliegendste Wahl für mich. Ich bin sehr dankbar, in so unberührter Schönheit in diesem unberührten Zustand zu leben und es mein kreativer Spielplatz sein zu lassen.
Was ich über Maine entdeckte, ist, dass es sowohl Sonnenaufgänge als auch Sonnenuntergänge geben kann, was im Gegensatz zu dem steht, was die meisten glauben würden, da die Küste nach Osten zeigt. Die abwechslungsreiche Küste bietet viele Halbinseln, die von Norden nach Süden verlaufen. Daher gibt es viele Orte, die für einen Sonnenuntergang nach Westen ausgerichtet sind.
Abgesehen davon liebe ich Sonnenaufgänge. Das gesamte Erlebnis kann man nicht mit Worten beschreiben - es ist einfach hervorragend. Die Stille der Landschaft ist so schwer mit nichts außer den zusammenstoßenden Wellen, um sie zu unterbrechen. Zu sehen, wie die Farben allmählich von Blau zu Rot wechseln, und der dramatische Aufbau von Licht, bis es am Himmel explodiert, ist unglaublich. Es ist, als ob die Natur erst am Tag beginnt, wenn die Sonne aufgeht.
Ich denke, jeder sollte irgendwann in seinem Leben einen Sonnenaufgang am Wasser erleben. Es ist eine surreale Erfahrung, und die Erinnerungen werden ein Leben lang bei Ihnen bleiben. Nicht so sehr die visuellen Erinnerungen, sondern die emotionale und spirituelle Erfahrung. Es kann für mich schwierig sein, mich während eines Sonnenaufgangs zu konzentrieren. Ich möchte einfach nur sitzen und den Moment voll auskosten.
Ich bin ständig auf der Suche nach neuen Standorten. Ich kann meine Fotografie nicht unterteilen, sie ist ein Teil meines Alltags geworden. Wenn ich einen Ort sehe, der vielversprechend aussieht, werde ich ein wenig nachforschen und dorthin zurückkehren, wenn ich die Fotografie im Auge habe. Es gibt auch Zeiten, in denen ich mich ausschließlich auf die Suche nach einem neuen Erkundungsort konzentriere und die Topografie mit Google Maps nach dem Zufallsprinzip durchforste, um zu sehen, was vielversprechend aussieht.
Wenn ich einen neuen Ort gefunden habe, neige ich dazu, ihn gründlich zu erkunden und mehrmals unter verschiedenen Lichtverhältnissen, besonders unter den goldenen Stunden, und wieder unter gedecktem Licht zu besuchen. Ich habe das Glück, einen flexiblen Zeitplan zu haben, in dem ich meine Fotografie bei Wetter und Licht planen kann.
Wenn ich sehe, wie abends Wolken um die Sonne wirbeln, weiß ich, dass sich ein interessanter Sonnenuntergang ergibt. Ich möchte in ein Gebiet gehen können, das ich bereits erkundet habe und mit der Landschaft vertraut bin.
Ironischerweise sind einige meiner Lieblingsfotos das Ergebnis, dass überhaupt kein Standort-Scouting durchgeführt wurde. Daher ist dies nicht unbedingt eine Voraussetzung für mich. Ich würde niemals eine Gelegenheit geben, ein neues Gebiet zu fotografieren, weil ich es noch nicht erforscht habe. Das Fotografieren eines Ortes ohne einen Plan oder Fokus kann befreiend sein und lässt Ihre Kreativität ohne die Einschränkungen eines vorbestimmten Bildes fließen.
Die goldenen Stunden sind durch die meisten meiner Arbeiten zu einem gemeinsamen Faden geworden. Ich habe eine tiefe emotionale Verbindung zu dieser Tageszeit, den Momenten kurz vor Sonnenuntergang und nach Sonnenaufgang. Licht spielt eine große Rolle in meinem kreativen Prozess und die goldenen Stunden geben mir meinen Lieblingstyp.
Ich denke gern an die goldenen Stunden in einem weiteren Sinn als einfach an einen „Stil“ oder eine „Zeit“. Ich betrachte sie als eine Leinwand, auf der ich schaffen kann. Dadurch kann ich die Landschaft so interpretieren, wie ich sie sehe, und noch wichtiger, wie ich sie erlebe. Es ist weder ein persönliches Projekt noch eine Phase, aber ich bin genauso Teil der Fotografie wie die Fotografie.
Licht ist die treibende Kraft hinter meiner Fotografie und inspiriert viel von dem, was ich tue. Sowohl die goldenen Stunden als auch das Bokeh werden vom Licht beeinflusst, daher bin ich definitiv mit ihnen verbunden.
Natürliches Licht bietet mir die Mittel zum Schaffen, und der aufregendste Teil ist, dass es nicht kontrolliert werden kann. Ich glaube, dass dieses Bedürfnis, das Licht unterzubringen, eine stetige Weiterentwicklung meiner kreativen Entwicklung ermöglicht hat.
Die Vertrautheit mit der Landschaft ist etwas, das die Verbindung zu ihr verbessert, und diese Verbindung dient als Grundlage, auf der ich meine Bilder baue. Ich verbrachte über ein Jahr damit, den gleichen Strand durch alle Jahreszeiten zu fotografieren, und jedes Bild würde eine völlig neue Erfahrung hervorrufen, die durch diese Verbindung verstärkt wurde. Es ist ein gemeinsamer Faden, der sich in meiner Arbeit zeigt.
Die Lage ist für mich sehr wichtig, und die Landschaft neu erleben und eine Verbindung dazu herstellen zu können, ist eine großartige Erfahrung.
Mehrere Leute sagten mir, dass sie wussten, dass es mein Foto war, bevor sie den tatsächlichen Fotografen sehen konnten. Ich sehe nicht die Konsistenz zwischen meinen Bildern, zumindest keinen, der offensichtlich ist. Andere können es jedoch sehen, daher muss meine Perspektive etwas subjektiv sein.
Wenn ich meine Fotos anschaue, sehe ich nicht nur die visuellen Unterschiede, sondern ich kann den Moment, die Atmosphäre und die Emotionen noch einmal erleben. Jedes Foto stellt für mich eine einzigartige Erfahrung und Erinnerung dar, so dass meine Sicht auf die Individualität jedes Bildes beeinflusst werden muss.
Aus technischer Sicht gibt es mehrere Eigenschaften, die ich in meinem Portfolio konsistent halten möchte, insbesondere einen scharfen Fokus und eine gute Belichtung: eine ohne geblähte Lichter oder Schatten. Ich erkunde auch den gesamten Tonumfang einer Szene und stelle die Grenzen des Kontrasts ein, ohne das endgültige Stück zu beschädigen.
Normalerweise verwende ich keine abgestuften neutralen Dichtefilter (GNDs). Der größte Teil meiner Arbeit wird durch Exposure Blending erreicht. Das heißt nicht, dass einer besser ist als der andere, sondern dass ich gerne in der digitalen Dunkelkammer arbeite und auch die Vielseitigkeit des Einsatzes von Masken, um gezielt zu entscheiden, wo ich meine Belichtung anpassen möchte. Daher ist es vielseitiger als GNDs.
Auf der anderen Seite muss ich mich gelegentlich mit Ghosting beschäftigen, aber ich habe gelernt, dies durch (manchmal langweiliges) Editieren zu umgehen. Ich mag diesen Teil der Fotografie, andere jedoch nicht. Deshalb sollte sich der von Ihnen gewählte Pfad um Ihre Workflow-Präferenz drehen.
Wenn Sie gerne in der digitalen Dunkelkammer arbeiten, können Sie durch die Belichtungsmischung Ihre Fotos erheblich verbessern. Mein Hintergrund in Photoshop und Technologie ist stark, so dass Belichtung eine Technik ist, die sich harmonisch mit meinen Fähigkeiten verbindet.
Exposure Blending und GND-Filter sind zwei Wege zum gleichen Ergebnis. Es gibt keine allgemein bessere Methode, sondern eine individuelle Methode. Diejenige, die Sie am meisten genießen, wird in Ihrer Arbeit deutlich.
Ich drücke definitiv die Hülle des Gesehenen in die Realität ein. Für mich ist es eine feine Linie, die ich gehen kann, und manchmal gehe ich durch. Es ist jedoch nicht nur für die visuelle Wirkung. Die farbliche und tonale Arbeit, die ich mache, hängt vollständig von der Szene ab, insbesondere von meiner emotionalen Verbindung zu diesem bestimmten Moment.
Die Erfahrung, die ich beim Fotografieren gemacht habe, bestimmt, wie das Endergebnis aussehen wird, und der Weg zum endgültigen Bild ist mir nie klar. Ich werde oft Stunden oder sogar mehrere Tage damit verbringen, an einem Foto zu arbeiten, bis ich wiedergebe, was ich fühlte.
Zum Beispiel, wenn ich einen herannahenden Sturm fotografiere und die Atmosphäre von Drama erfüllt ist und die Wolken schwer und dicht sind. Ich werde die Farben und Töne anpassen, um die Intensität darzustellen, die ich in diesem Moment fühlte. Bei anderen Fotos stummle ich die Farben und mildere die Töne, wenn es eine besonders ruhige und beruhigende Erfahrung war.
Es ist keine Methode, um den Betrachter zu täuschen - eine Szene zu verschönern oder zu ändern, um falsche Darstellungen zu zeigen - im Gegenteil. Es ist meine Art, das visuelle Erlebnis vollständiger zu machen, eine zutreffendere Darstellung dessen, was diese Zeit für mich war.
Sie hören, wie Fotografen sagen, "Sie mussten da sein", um diesen Moment zu vermitteln, und diese Aussage ist sehr wahr. Ich habe das Gefühl, dass dies nicht darin begründet ist, die tiefere Verbindung zu einem bestimmten Bild erklären zu können oder zumindest auf eine Art und Weise, die andere auch erfahren können.
Es ist etwas, das Sie nicht mit Worten erklären können. Ich gebe also die gesamte Erfahrung, die visuellen Elemente, die Emotionen und die Atmosphäre zusammen und füge sie in meine Arbeit ein, um diesen Moment zu replizieren. Es wird absorbiert, übersetzt und dann projiziert.
Aus diesem Grund konnte ich meinen Nachbearbeitungsworkflow für Farbe nicht vollständig erklären. Es ist mehr als das Hinzufügen von Anpassungsebenen und Masken, es ist für jedes Bild einzigartig. Wenn ich nur den technischen Workflow detailliert beschreiben würde, wäre das keine vollständige Erklärung.
Wie erkläre ich den Prozess der Entwicklung einer emotionalen Verbindung zur Landschaft und der Entscheidung, in welche Richtung ich meine Bearbeitung lenke? Es wird das erste Thema sein, bei dem ich mich auf die Inspiration konzentrieren muss, anstatt einen konkreten Prozess zu erklären. Ich würde gerne die Farbverarbeitung in einem zukünftigen eBook besprechen, aber es wird ein sehr schwieriges Thema sein.
Meine vorherigen eBooks befassen sich mit Techniken, die unkompliziert sind, wie das Überwinden von Expositionsherausforderungen im Feld, welche Elemente Sie zum Erstellen von Bokeh usw. benötigen. Sie sind konkret, methodisch (zum größten Teil) und nicht ganz persönlich.
Meine farbliche und tonale Bearbeitung bringt jedoch viel Emotion und inneren Dialog mit in die Gleichung. Ich muss also einen Weg finden, um zu erklären, wie meine Emotionen meinen Arbeitsablauf lenken. Es ist ein sehr einschüchterndes Konzept, um es in Worte zu fassen.
Die Bearbeitung meiner Arbeiten beschränkt sich auf Farben und Töne. Abgesehen davon, was Sie sehen, ist das, was ich gesehen habe. Ich füge keine Elemente hinzu oder entferne sie von meinen Bildern.
Der gesamte kreative Prozess von der Erkundung eines Ortes bis zur Präsentation des endgültigen Bildes ist eine ätherische und süchtig machende Reise. Es ist eine sehr grundlegende Erfahrung, die gleichzeitig befreiend ist. Ich fühle mich am Ende ganz und möchte es noch einmal durchgehen.
Wenn ich Ihnen eines meiner Bilder zeige, kann ich Ihnen genau sagen, wie ich mich an diesem Tag gefühlt habe und wie die Erfahrung war: die Geräusche, die Gerüche, die Atmosphäre. Ich habe eine tiefe Verbindung zu allen. Es ist in gewisser Weise euphorisch.
Um auf die vorige Frage zurückzukommen, stelle ich diese Emotionen und Erfahrungen durch meinen Workflow wieder her. Ich denke, das würde einen sehr persönlichen Teil von mir in jedem meiner Bilder hinterlassen.
Meine Ausrüstung ist ziemlich unkompliziert. Ich verwende ein Canon 5D-Gehäuse mit drei Hauptlinsen in meiner Sammlung, das 24mm f1.4, 85mm f1.8 und 300mm f4. Ich entschied mich früh für schnelle Hauptlinsen, da ich bereits eine enge Verbindung zu flachen Schärfentiefen entwickelt hatte.
Mein Manfrotto-Stativ ist seit meinem Kauf 2008 bei mir und wurde für fast alle meine Bilder verwendet. Der Griffkugelkopf funktioniert am besten für mich, da ich meine Kamera schnell und einfach neu positionieren kann. Ich war versucht, mein System zu ändern und aufzurüsten, aber das funktioniert für mich außerordentlich gut und ich möchte diese Harmonie nicht unterbrechen.
Der tiefste Ratschlag, den ich geben kann, ist auch der allgemeinste und einfachste: Wenn es sich falsch anfühlt, tun Sie es nicht.
Mit der unbegrenzten Menge an verdaubaren Informationen im Internet können Sie leicht davon überzeugt werden, einem Pfad zu folgen, der nicht gut zu Ihnen passt. Früher oder später wird die Inkonsistenz zwischen dem, was Sie für richtig halten, und dem, was Ihnen gesagt wird, der „richtige“ Weg sein, der sich als Fotograf auf Ihre Seele auswirkt, der Funke, der Ihre Arbeit inspiriert.
Wenn sich etwas nicht richtig anfühlt, wenn sich Ihre Arbeit eher wie eine Aufgabe anfühlt als etwas, das Sie begeistert und inspiriert, hören Sie auf und analysieren Sie diese Trennung. Wann haben sich die Dinge geändert und, was noch wichtiger ist, wie können Sie den Weg zurückfinden, der Ihnen Freude bereitet hat? Es ist natürlich und es wird erwartet, dass Sie in Ihrer Arbeit neue Wege beschreiten, in der Tat ist es ermutigt. Die Fähigkeit, zu erkennen, wenn etwas nicht funktioniert, und den Mut zur Veränderung zu haben, führt Sie zu einem erfüllenden Leben als Fotograf.
Ihre Instinkte sind Ihr bester Freund. Sie wissen, wann etwas nicht funktioniert, und das ist das Signal für eine Pause. Es ist wichtig, sich ab und zu die Zeit zu nehmen, um neu zu fokussieren, auch wenn es scheinbar reibungslos verläuft. Es ist unglaublich erfrischend und hilft, sich als Fotograf wiederzufinden.
Das fantastische an der Fotografie ist, dass jeder Fotograf eine einzigartige Vision hat, seine eigene Geschichte zu erzählen. Ich denke, dass die Fotografie eine Revolution durchmacht, in der viel mehr Wert darauf gelegt wird, wer der Fotograf ist, genauer gesagt, welche einzigartigen Talente und Fähigkeiten er besitzt.
Fotografen versuchen heute nicht, die Arbeit anderer nachzuahmen, zumindest wenn sie das Handwerk gelernt haben. Ich sehe, dass mehr Wert auf ihren Individualismus gelegt wird: ihre Vision, Kreativität und ihre Fähigkeit, dies durch ihre Arbeit zu zeigen.
Ich glaube, die Einzigartigkeit der Branche macht es möglich, dass es viele professionelle Fotografen gibt und trotzdem ihren Lebensunterhalt damit verdienen kann, was sie lieben. Nicht jeder „Konsument“, ob Kunde, Student oder Kunstliebhaber, sucht nach dem gleichen Ergebnis, daher gibt es viele Möglichkeiten, umzugehen.
Vor genau einem Jahr wurde mir diese Frage gestellt und ich erwähnte, dass meine zukünftigen Pläne das Schreiben eines eBooks beinhalteten. Jetzt habe ich vier geschrieben, daher ist es ein bisschen unwirklich, diese beiden verschiedenen Phasen meiner Karriere miteinander zu vergleichen. Ich denke jetzt viel anders als im letzten Jahr.
Mein Fokus liegt nun darauf, Fotografie durch meine Schriften und E-Books zu unterrichten, so dass ich dies auch fortsetzen werde. Es war eine unglaublich lohnende Erfahrung für mich, da ich einen Hintergrund im Unterrichten habe, aber jetzt die Gelegenheit habe, ein Thema zu unterrichten, das ich so leidenschaftlich mag.
Fotografie war eine konstante und starke Kraft in meinem Leben, und diese Erfahrung wurde nur durch die Anregung anderer ermutigt, eine ähnliche Verbindung zu entwickeln. Ich habe erst angefangen, durch eBooks zu unterrichten, also freue ich mich darauf, diesen Weg zu beschreiten und zu sehen, was sich entwickelt.
In Bezug auf meine persönliche Arbeit kann ich diese Frage nicht beantworten. Ich lasse die Jahreszeiten und die Landschaft meine Inspiration leiten und weiß nie, in welche Richtung ich mich bewegen wird.
Accentsconagua