Share
Sie haben Stunden verbracht, möglicherweise Tage für eine Illustration. Dies ist das eine Vektorstück, auf das Sie wahnsinnig stolz sind, aber etwas stimmt nicht. Etwas sitzt nicht gut und Sie wissen nicht, was es ist. Solange Sie wissen, dass mit Ihrer Illustration etwas nicht stimmt, sind Sie auf halbem Weg, um es zu verbessern.
In diesem Artikel werde ich Ihnen von den Seven Vector Sins erzählen. Sünden, an denen Sie möglicherweise schuld sind und warum Sie es falsch machen. Noch wichtiger ist, wie Sie den richtigen Weg zur Vektorheiligung finden. Ich gebe Ihnen einige Beispiele für epische Vektorfehler, dank einiger meiner älteren Arbeiten, auf die ich jetzt zurückblicken und die Handfläche betrachten kann. Bei diesem Artikel handelt es sich möglicherweise um einen Tritt in den Hintern, den Sie benötigen, um Ihre Arbeit auf die nächste Stufe zu bringen. Machen wir uns also schon daran!
Beginnen wir mit dem am schwersten zu reparierenden Problem. Wenn Sie Probleme mit Farben haben, werden Sie wahrscheinlich ein paar Lektionen in der Farbtheorie benötigen. Zu lernen, Farben auszugleichen und sie effektiv zu verwenden, um Ihr Konzept und Emotionen zu vermitteln, ist eine Kunst für sich.
Apropos ausgeglichene Farben. Ich habe eine schreckliche Phase durchgemacht, in der ich zufällige Farbverläufe in den Hintergrund meiner Portraits gesetzt habe, weil ich nicht sicher war, mit welchen Farben was gut aussah. Also habe ich zwei Farben aus dem Portrait (unten aus Augen und Lidschatten) genommen und einfach den Hintergrund ausgefüllt. Natürlich war diese Methode nicht immer effektiv und ich würde am Ende mit kollidierenden Farben enden ... leuchtend rote Lippen mit diesem Hintergrund? "Ja wirklich?" Sie können sich zusammenziehen, aber es ist nicht das letzte Mal in diesem Artikel, dass Sie dies tun.
Es gibt keine einfache Lösung für dieses Problem, da Sie sich möglicherweise dazu bewegen müssen, die Art und Weise zu ändern, in der Sie sich der Farbe nähern. Ich sollte es wissen, da es etwas war, was ich selbst schwer tun konnte. Es gibt viele Tutorials, die über Farbtheorie sprechen und wie Sie Ihr Handwerk anwenden können. Zum Beispiel haben wir viele über Tuts +: Farbtheorie in der Illustration, Farbtheorie im Webdesign und sogar unsere Mobiletuts + -Seite ist dabei, wenn sie ihre Leser mit ihrer Einführung in die Farbtheorie informieren. Es ist nicht etwas, worüber man einfach einen Artikel lesen kann und das ist es, du bist der Farbdesign-Guru des Jahres. Sie müssen diese Fähigkeiten in die Praxis umsetzen, um sie zu perfektionieren. Es wird mit der Zeit kommen.
Wenn Sie besorgt sind und Ihre Farbprobleme vorzeitig beheben müssen, gibt es mehrere Möglichkeiten, wie Sie sich mit Vector, insbesondere in Adobe Illustrator, helfen können. Ich empfehle Ihnen, meinen Artikel zur Verwendung durchzusehen Adobe Kuler, Das geht auch über die Farbressourcen von Illustrator.
Das hört sich extrem an, aber wissen Sie, wie ich das Ausgleichen von Farben lerne? Ich färbe mein Haar in hellen Farben. Es zwingt mich, meine Kleidung, Make-up und Haare zu koordinieren. Es ist eine oberflächliche Angelegenheit und sicher, ich liebe es heutzutage, hellrosa Haare zu haben, aber es hat mich gezwungen, im wahrsten Sinne des Wortes mit etwas zu konfrontieren, das ich richtig und zuversichtlich lernen musste.
Bezogen auf Farben, aber nicht unbedingt etwas, das Sie ändern können, wenn Sie lernen, wie sie richtig verwendet werden. Dies hat mehr damit zu tun, wie wir verschiedene Bereiche einer Illustration betrachten. Sie haben oft einen Prozess für eine Oberfläche einer Illustration und dann einen anderen für eine andere Oberfläche. Bei diesen Prozessen können Sie auf unterschiedliche Weise die Farben auswählen, die Sie für Ihre Illustration verwenden, oder es ist möglich, dass Sie den Prozess eines anderen als Ihren eigenen übernommen haben. Daher hatte es keine Zeit, ihn an den von Ihnen gewohnten Stil anzupassen. Ich zeige Ihnen ein Beispiel aus meiner Vergangenheit, vielleicht können Sie sehen, worauf ich hinweisen möchte.
Dieses Porträt habe ich vor etwa 10 Jahren von Alyson Hannigan vereitelt. Abgesehen von Problemen gibt es bei diesem Portrait Probleme mit dem Kontrast. Ich habe der Haut nicht genug Kontrast hinzugefügt, aber ich habe es geschafft, den Haaren einen Kontrast hinzuzufügen. Sie können deutlich rechts vom Porträt erkennen, dass sich unter ihren Haaren Schatten befinden und an den Wurzeln Schatten und ein Glanz in den Haaren. Es gibt jedoch wenig Kontrast in der Haut, wodurch sie so aussieht, als hätte sie keine Nase und ihr Kinn hat keine Definition. Nicht sehr schmeichelhaft ist es?
Überprüfen Sie zunächst Ihre Monitoreinstellungen und stellen Sie sicher, dass Sie den Kontrast tatsächlich richtig sehen. Klingt dumm, aber es kann Ihnen viel Frustration und Zeit ersparen!
Es gibt eine schnelle Lösung, wenn in der gesamten Abbildung Kontrastprobleme auftreten. Sie können eine Form über die gesamte Zeichenfläche legen, sie mit Farbe füllen und dann mit spielen Farbe ausweichen und Farbbrenn-Mischmodi, Stellen Sie dann das ein Opazität. Dies hilft, Ihren Kontrast innerhalb von wenigen Klicks anzupassen.
Mit meinem Alyson-Porträt konnte ich beim Rückblick die Form der gesamten Haut duplizieren und unter den Augen- und Lippenschichten platzieren. Ich könnte es dann mit Farbe füllen und dann mit spielen Farbe brennen - Color Burn ermöglicht das Abdunkeln von Farben. Schauen wir uns also an, was das alles kann.
Da dies eine sehr alte Datei ist und ich nicht mehr über die ursprüngliche Quelldatei verfügt, kann ich sie nicht richtig einstellen. Ich habe jedoch eine Füllung davon gestellt # 156d86 über das gesamte Porträt und setzen Sie es auf Mischmodus Farbe brennen, Deckkraft 16%. Dies hat den Kontrast in den Schatten des Gesichts hervorgehoben.
Wir sollten uns jedoch nicht die ganze Zeit auf schnelle Korrekturen verlassen, und es kann vorkommen, dass Sie alle Formen auswählen, die die Haut bilden, und Recolor Artwork verwenden, um den richtigen Kontrast zu schaffen. Sehen Sie sich alternativ die Art der Farbauswahl an oder rendern Sie jeden Bereich. Gibt es Unterschiede in der Art und Weise, wie Sie es tun? Wenn ja, ziehen Sie in Betracht, Ihren Prozess durchgängig konsistent zu gestalten, um Kontrastprobleme zu vermeiden.
Wenn ich heutzutage Porträts mache, stoße ich immer noch auf Probleme mit der Hautschattierung. Daher stelle ich sicher, dass ich, wenn ich einen Bereich mit hohem Kontrast fertigstelle, z. B. die Haare, wieder zur Haut gehe und den Kontrast ausgleiche, indem ich mit Farbverläufen mehr Schatten und Lichter in Bereiche drücke, um ihn auszugleichen. Möglicherweise sehen Sie dies in meinen Portrait-Tutorials. Es ist nichts Falsches daran, einen Bereich zu "beenden" und ihn später erneut zu besuchen, um die Konsistenz zu erhalten.
Nachdem wir über die Kontrastkonsistenz gesprochen haben, betrachten wir die Stilkonsistenz. Möglicherweise haben Sie zu einem Bereich zu viele Details hinzugefügt und dann nicht genügend Details zu einem anderen hinzugefügt. Das Ergebnis gibt Ihnen einen inkonsistenten Stil und die Bereiche sehen aus, als hätten Sie einen Vektor in einen anderen kopiert und eingefügt.
Dies geschieht auf dieselbe Weise wie bei Kontrastproblemen… Sie haben möglicherweise einen Bereich aus einer Quelle gelernt und nicht an Ihren eigenen Stil angepasst. Möglicherweise fehlt Ihnen die Motivation, einen Bereich über einen anderen zu rendern, oder Sie sind nicht so sicher, diesen Bereich zu rendern?
Schauen wir uns also einmal einen meiner eigenen Handflächenmomente an und schauen, ob Sie hier auf das Thema Stilkonsistenz hinweisen können…
Die Unstimmigkeit in diesem Vektor reichte für Marilyn aus, um seine Krawatte so festzuziehen, dass sein Auge aus der Steckdose sprang. Ja, auch ich hatte eine Marilyn-Manson-Phase, aber wie Sie sehen können, ist das Gesicht im Rendering-Stil "detailliert", genau wie die Haare. Es scheint jedoch, dass ich mich nicht entschlossen habe, den gleichen Stil durchgängig hinzuzufügen fügte der Hand ein kleines Detail hinzu, aber nicht genug, um es so klar zu machen wie das Detail im Gesicht! Sie könnten sogar darauf hinweisen, dass der Hand ein Kontrast fehlt.
Warum ist das falsch? Ich meine, Sie könnten ein Stück machen, das in einem Bereich detailliert ist, aber nicht im übrigen, aber wie dieses Porträt aussieht, ist halb fertig. Ich hätte es verbessern können, indem ich dafür sorgte, dass die Formen, die für die "einfachen" Bereiche erstellt wurden, verfeinert wurden und den Eindruck von Details erweckten. Ich hätte mich bemühen können, die Hand richtig zu rendern. Die Wahrheit ist, dass dies ein halbfertiges Portrait ist und der Grund, warum ich es nicht fertiggestellt habe, ist, dass ich die Hände schwierig fand und es mir langweilig wurde, Kleidung zu langweilen. Und es zeigt. Schmerzlich.
Es gibt verschiedene Möglichkeiten, wie Sie an diese herangehen können:
In meinem Tutorial zur Aufrechterhaltung eines konsistenten Stils über eine Reihe von Vektorporträts finden Sie weitere Tipps.
Archivbilder und Referenzen sind großartig… Ich bin ein großer Fan. Dies ist darauf zurückzuführen, dass ich, obwohl ich zeichnen kann, Hilfe von Referenzbildern benötige. Obwohl ich heutzutage nicht mehr so sehr auf sie angewiesen bin (ich entferne mich oft von ihnen und benutze sie nur als Richtlinie), habe ich vor vielen Jahren buchstäblich eine Bildkurve für Kurve, Farbe für Farbe und das Endergebnis effektiv nachgezeichnet eine vektorisierte Version eines Fotos. Es ist nichts falsch mit der Verwendung von Originalbildern, sondern lernen Sie, wie Sie diese effektiv nutzen können.
Das Problem ist, dass ein auf Lager befindliches Bild zwar eine gute Hilfe sein kann, aber Sie können auf unnatürliche Artefakte im Bild zugreifen, oder das Bild ist möglicherweise nicht hoch genug, um die benötigten Details zu erfassen. Letzteres erzeugt das, was wir normalerweise sehen, sind Blobs von unscheinbaren Farben, die für die Illustration keine Relevanz haben.
Ich bin ein Profi, wenn ich dieses Problem nicht verstehe ... Lassen Sie mich Ihnen ein Beispiel zeigen, wo ich es falsch gemacht habe. Es kann eine Weile dauern, bis Sie es erkennen, aber ich trete mich wegen seiner Dummheit ein.
Ja, das sind diese Jeans! Die Farbkleckse haben effektiv ein verschwommenes Aussehen der Kleidung erzeugt. Der Gürtel hat bis zu einem gewissen Grad scharfe Farbkanten, auch das Gesicht… aber aufgrund der Formgebung von Kelly Osbourne sind die Linien der Jeans nicht so scharf, wie sie sein sollten. Hier gibt es jedoch eine noch größere Vektorsünde. Mal sehen, ob du es bemerkt hast ...
Oh die Schande! Das Bild, das ich als Referenz dafür verwendete, war in Graustufen… und hatte über der Jeans ein Wasserzeichen, das in das Papier eingeprägt war. Ich habe die Formen davon eigentlich vektorisiert. Im Rückblick war dies aus irgendeinem Grund wahrscheinlich die Zahl "35". Ich schrecke so sehr bei diesem. Ich werde es anders als im Kommentarfeld dieses Artikels bestreiten.
Abgesehen davon, dass Sie tatsächlich Zeichnen lernen, kommt es auf Erfahrung und viel Übung an. Wichtiger ist, dass Sie sich selbst dazu drängen, Ihre Komfortzone zu überschreiten. Wenn Sie jede einzelne Form vektorisieren, werden Sie alle Fehler in einem Bild aufheben. Wenn Sie sich die Zeit nehmen, Muster und Texturen zu erkennen, können Sie beispielsweise Jean-Rendering-Probleme vermeiden, aber auch die Art und Weise, wie Objekte konstruiert werden.
Sie haben nicht immer die beste Bildqualität zur Hand, besonders wenn Sie ein berühmtes Gesicht rendern. Achten Sie jedoch darauf, wo Sie Formen erwarten können, und zeichnen Sie sie mit Zuversicht, unabhängig davon, was die Referenz sagt.
Aus eigener Erfahrung hatte ich jahrelang die Erstellung von Vektorillustrationen als Hobby und wurde dafür nicht bezahlt. So konnte ich experimentieren und mit den Portraits spielen, die ich gemacht habe. Es kam zu einem Punkt, an dem mir klar wurde, dass ich Stock-Bilder kopierte und nichts davon bekam. Also habe ich mir versprochen, dass ich mit jedem neuen Vektorprojekt, das ich angefangen habe, von dem Bild abweichen und etwas Neues hinzufügen oder ändern möchte. Dadurch gewann ich das Selbstvertrauen, verrückte Frisuren, Kleidung und sogar Ausdrucksformen kreieren zu können. Wenn Sie beim Zeichnen kein Selbstvertrauen haben, dann drücken Sie sich bei jeder Illustration weiter, um das Richtige vor Ihnen zu überschreiten.
Professionell aussehende Strichzeichnungen zu machen, ist keine leichte Aufgabe. Anscheinend vergessen einige Leute, die einfachsten Dinge zu überprüfen, wie zum Beispiel die Mitre-Limits, und am Ende werden ihre Fehler im Fernsehen angezeigt. Ich kann diese Show nie wieder so sehen…
John Bishops Stand-Up-Comedy-Show in Großbritannien… mit einer zwielichtigen Ecke in der oberen linken Ecke Gehrungsverbindungen, Schnittlinien und Strichstärken sind nur einige Bereiche, auf die Sie möglicherweise mehr achten müssen. Wenn Sie keine Skizzengrafik erstellen, müssen Sie auf Ihre Strichzeichnungen achten. Wenn Sie sich nicht die Zeit nehmen, um diese zu perfektionieren, wird Ihre Liniengrafik schlampig und hektisch aussehen und die Qualität Ihrer Arbeit erheblich beeinträchtigen.
Angenommen, Sie erstellen keine Grafik im Stil einer Skizze. Hier gilt es, chaotisch zu sein. Es gibt einige wichtige Bereiche, auf die Sie achten müssen:
Sie können einige tolle Tipps zur Verfeinerung Ihrer Strichzeichnungen erhalten, indem Sie sich mein Tutorial für Funky Line Art Portrait und mein Vintage Scooter-Tutorial durchlesen.
Der flache Designtrend liegt gut auf uns und scheint sich nicht zu verlangsamen, aber es ist nicht nur dieser Stil, der von glatten und genauen Kurven abhängt. Für viele Illustrationen, die von einem einfachen und minimalistischen Look abhängen, sind die Kurven ein markanter Aspekt des Designs.
Obwohl der Großteil meiner Arbeit sehr detailliert war, verfolgt mich das Horde-Symbol. Diese Kurven ... oh mein Gott, sie senken die Qualität dieses Portraits.
Schauen Sie sich die Punkte des Symbols um ihren Kopf… und die äußeren Kurven davon genauer an. Sieht ziemlich schlampig aus, findest du nicht? Stellen Sie sich vor, Sie arbeiten an einem Stück, das auf diesem Stil beruht, nicht nur auf einem Element. Das ist ein Vektor-Autounfall, der nur darauf wartet.
Wenn Sie vorwiegend mit einfachen Formen und minimalem Design arbeiten, nicht nur in diesem flachen Designtrend, dann vergessen Sie die Verwendung von Stiftwerkzeug, das Pinsel-Werkzeug oder sogar die Bleistift-Werkzeug. Es ist Zeit, von der alten Schule zu lernen und Ihre Illustrationen aus Grundformen, geraden Linien und Effekten zu formen. Erfahren Sie, wie man es benutzt Versatzpfad, Effekt> Warp und Effekt> Verzerrung und Transformation. Es ist definitiv Zeit, sich mit dem vertraut zu machen Pfadfinder Panel, während Sie dabei sind.
Diese grundlegenden Werkzeuge und Effekte werden das tun, was auf der Dose steht, sie halten diese Linien und Formen einfach. Das Stiftwerkzeug (und andere) erstellen die von Ihnen gesuchten Formen nicht genau und Genauigkeit ist der Schlüssel zum Erstellen glatter Kurven.
Wenn Sie sich für diesen Stil interessieren, empfehle ich die Tutorials von Vectortuts + Autor Andrei Marius. Er ist ein hochqualifizierter Vektorkünstler und erstellt die meisten seiner Designs ohne das Stiftwerkzeug. Dies bedeutet, dass er sich auf die wichtigsten Werkzeuge zur Erstellung glatter Kurven verlassen muss. Ein gutes Beispiel dafür, wie man es richtig macht, wäre sein fantastisches Tutorial, mit dem Sie ein detailliertes Feuerzeug ohne Stiftwerkzeug erstellen können.
Jedes Mal, wenn ein Vektorkünstler mit „Speichern unter…“ eine JPG erstellt, verliert ein Ankerpunkt seine Griffleisten. Ich habe viel gesehen in meiner Zeit und ich bin dankbar, dass dies nicht wirklich eines der Dinge ist, die mir widerfahren sind. Sie haben all diese Anstrengungen unternommen, um Ihre Vektorgrafiken fantastisch aussehen zu lassen. In der Tat versagen Sie nicht bei den anderen sechs Vektorsünden, sondern fallen bei der letzten Hürde. Ich habe Leute gesehen, die sogar so weit gegangen sind, ihre Arbeit zu scannen und in Adobe Photoshop einzufügen und dort zu speichern, nur damit sie die gewünschte Auflösung erhalten. Das ist kein Scherz.
Warum ist das so eine schlechte Sache? Die Art und Weise, wie Adobe Illustrator Ihre Arbeit in Echtzeit anzeigt, ist nicht unbedingt erforderlich, wie sie angezeigt wird, wenn Sie sie richtig speichern und in der von Ihnen gewünschten Auflösung. Dies gilt insbesondere, wenn Sie Strichzeichnungen, Raster-Live-Effekte und Verlaufsnetze verwenden. Wenn Sie Ihre Web-Image-Dateien nicht ordnungsgemäß speichern, wird die gesamte Zeit, die Sie mit der Erstellung eines perfekten Vektorbildes verbracht haben, in den Abfluss geraten.
Es gibt nur eine Möglichkeit… zu verwenden Datei> Speichern für Web und Geräte (oder Speichern Sie für Web in späteren Versionen). Wenn Sie Adobe Illustrator CS4 oder höher verwenden, verwenden Sie außerdem die Zeichenfläche-Werkzeug (Umschalt + O) effektiv wie ein Zuschneidewerkzeug und definieren den Bereich Ihrer Komposition. Beim Speichern für Web können Sie dann Ihre Auflösungen angeben Höhe Breite und Clip auf die Zeichenfläche um nur in diesem Bereich zu speichern ... Einfach!
Eines haben wir alle gemeinsam: Wir waren alle Anfänger in unserem Vektorleben. Erst als wir diese Fehler gemacht und daraus gelernt haben, haben wir die richtige Richtung erkannt. Ich habe über ein Jahrzehnt gebraucht, um dorthin zu gelangen, wo ich jetzt bin, und manchmal falle ich einer der Sünden schlecht, aber wenn ich mich ihrer bewusst bin, kann ich verhindern, dass sie das Tageslicht sehen.
Verprügeln Sie sich nicht und denken Sie daran, dass Regeln gebrochen werden. Sie werden sich verbessern, wenn Sie Leidenschaft für alles haben, was Sie tun, und Sie werden besser werden. Wenn Sie den tollen Inhalt hier bei Tuts + weiterhin verfolgen, sind Sie zweifellos schneller dort und können uns vielleicht ein oder zwei Dinge zeigen!
Das Vorschaubild wurde mit einem Tuts + Premium Pack erstellt: Devil Heads.
Accentsconagua