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Sie sind ein einzigartiger Künstler mit Ideen, die Sie zum Ausdruck bringen möchten, und Musik, die Sie teilen müssen. Wie stellen Sie sicher, dass Sie Ihre Tracks interessant und unterhaltsam halten, damit Ihre Zuhörer sie hören können??
In diesem Tutorial werden wir uns mit den häufigsten Dingen befassen, die die Leute vernachlässigen, um interessant zu bleiben. Ihre Tracks fühlen sich leblos und langweilig an und wie wir die Dinge lebendig und faszinierend halten können, um die Aufmerksamkeit des Publikums aufrechtzuerhalten.
Wir alle wissen, dass der erste Eindruck alles ist, und die Regel gilt für Musik ebenso wie für alles andere. Die Eröffnungsmomente Ihres Tracks können die Aufmerksamkeit Ihres Zuhörers auf sich ziehen und ihn dazu bringen, weiter zuzuhören, oder ihn völlig unbeeindruckt machen und langweilen, daher ist es wichtig, dass das erste, was Ihr Publikum hört, überzeugend ist.
Songwriter beginnen ihre Songs oft fälschlicherweise mit einem Vers oder den ersten 8 Takten eines Verses, ohne Vokal- oder Instrumentalführung. Ich verstehe zwar, dass dies die Stimmung des Songs "einführt", aber das Anhören einiger Akkorde auf der Gitarre ist ziemlich langweilig. Wenn Sie Ihren Song instrumental starten möchten, verwenden Sie ein aufregendes rhythmisches Pattern oder einen melodischen Hook. Sie müssen nicht einmal Material verwenden, das sich an anderer Stelle in Ihrem Song befindet.
Die Beatles beherrschen eingängige Einführungen (wie alles andere, was ich vermute). Betrachten Sie den interessanten Anfang des Songs "I'm Just Seen a Face", der mit einem 12/8-Gitarrenmuster beginnt. Es ist fesselnd, es hat nichts mit dem eigentlichen Song zu tun, und es funktioniert. Andere Beispiele: Beginnen Sie mit einem schrillen, aber aufregenden Akkord oder einem Schlag und tauchen Sie dann wie in "Hard Days Night" oder "Glass Onion" direkt in den Song ein. Beginnen Sie sofort mit einem Gesangschor wie "Sie liebt Sie", "Nirgendwo Mann", "Eleanor Rigby", "Hilfe" oder "Hallo auf Wiedersehen"; beginnend mit einem einzigartigen Instrumental-Hook wie "Ticket to Ride", "Day Tripper" oder "Drive My Car".
Betrachten Sie diese zwei Beispiele, bei denen jede Spur mit einem schnellen Aufschwung beginnt. Der Anfang des Songs ist sofort aufregend und gibt Ihnen das Gefühl, dass Sie weiter hören wollen.
Eine der einfachsten Möglichkeiten, jemanden zu langweilen, besteht darin, eine Trommelschleife zu finden, von der Sie denken, dass sie cool ist, und sie bis zum Ende wiederholen. Es macht zwar Spaß, zweimal durchzuhören, aber wenn sich nichts ändert, dauert es nicht lange, bis unser Verstand zu wandern beginnt und aufhört, auf Ihre Musik zu achten.
Ein weiterer Nachteil von kommerziellen Loops ist, dass sie schnell zum Standard und Klischee werden können. Selbst wenn der Hörer nicht sicher sagen kann, wo er ihn gehört hat, wird er feststellen, dass er vertraut ist, wenn er von einer anderen Person benutzt wird. Durch die Verwendung benutzerdefinierter Beats und Sounds bleibt Ihre Musik einzigartig.
Wenn Sie dieses Tutorial lesen, stehen die Chancen gut, dass Sie wissen, wie ein einfacher Schlagzeug-Schlag funktioniert. Wenn Sie nicht sofort nach Loops suchen, sondern ein Drum-Kit laden oder erstellen, werden Sie gezwungen sein, kreativer zu denken. Sie müssen tatsächlich über das Muster nachdenken, das Sie erstellen, anstatt sich auf jemanden zu verlassen, der es für Sie erledigt.
In diesem Beispiel habe ich ein elektronisches 8-Bit-Kit mit vielen einzigartigen und lustigen Sounds verwendet. Der resultierende Beat ist abwechslungsreich und lebendig und nichts, was ich hätte finden können, wenn ich Ordner nur nach einer Schleife durchsucht hätte.
Der nächste wichtige Grund für das Erstellen eigener Beats ist, dass es sehr einfach ist, sie anzupassen und zu ändern. Selbst geringfügige Änderungen wie ein verschobener Cymbal-Hit oder ein abwechslungsreiches Bass-Drum-Pattern machen Ihren Beat im gesamten Song viel lebendiger als die gleichen 4 Beats immer und immer wieder. Schauen Sie sich das MIDI für diese bestimmte Schleife an:
Die einzigen Dinge, die durchweg gleich sind, sind die tickende Hi-Hat (die orangefarbenen Töne von G3 und G # 3) und das 8-Bit-Rauschen im letzten Takt (die gelben Töne von G # 0)..
Alles andere rund um diese Elemente ändert sich ständig auf kleine Weise (der Kick und die Snare, die einen etwas konsistenten Groove beibehalten) oder die großen Wege (die Soundeffekte und komischen Treffer, die die Dinge aufpeppen)..
Durch die Kontrolle der einzelnen Elemente des Kits bis zum Anschlag sind wir gezwungen, über Möglichkeiten nachzudenken, das Muster interessanter zu halten, was für die Stärke unseres Beats von Vorteil ist. Es ist auch viel einfacher Änderungen vorzunehmen, wir können MIDI-Noten einfach verschieben und müssen uns nicht mit dem Aufteilen von Audio beschäftigen.
Lassen Sie uns trotz der Ratschläge zur Vermeidung von Schleifen absolut ehrlich sein: Schleifen sind nützlich. Und sie machen sogar Spaß. Das Abwerfen einer guten Schleife kann eine große Zeitersparnis und auch ein kreatives Sprungbrett für andere Ideen sein. Aber wenn wir zusammenbrechen und ab und zu noch Loops verwenden, anstatt eigene Beats zu erstellen, können wir zumindest ein wenig mehr tun, um sie gut zu machen.
Ich habe bereits erläutert, wie Sie Ihre Loops durch Automatisieren des EQ in einem anderen Tutorial aufpeppen können. Wir konzentrieren uns also jetzt mehr auf die eigentlichen Beats in den Loops als auf den gesamten Track. Obwohl Sie beim Aufteilen von Audio die gleichen Ergebnisse erzielen könnten, ist dies um einiges einfacher, wenn Sie Stylus RMX- oder REX-Dateien verwenden, die bereits die Beats Ihrer Loops in einzelne MIDI-Noten aufgeteilt haben.
Das einfachste, was wir tun können, ist die Arbeit mit einer Schleife. Hier ist eine Schleife, die ziemlich einfach ist:
Schon beim Blick auf das MIDI können wir feststellen, dass es sehr gleichmäßig und repetitiv ist.
Lassen Sie uns das noch interessanter machen, indem Sie die MIDI-Noten neu anordnen, um Füllungen zu erzeugen. Ich mache das, indem ich zuerst herausfinde, welche MIDI-Noten die wichtigen oder interessanten Sounds in der Schleife ausmachen, wobei harte Schläge wie Kicks und Snares für Rhythmen verwendet werden und kleine Schläge wie Hi-Hats als Füllungen.
Es dauerte nur ein paar Noten, aber jetzt haben wir eine Schlagzeugschleife, die abwechslungsreich und lebhaft ist.
Eine andere Möglichkeit, Loops interessanter zu verwenden, besteht darin, ständig verschiedene Loops zu variieren und zu mischen. Dieser Song wurde mit 7 verschiedenen Drum- und Percussion-Loops erstellt:
Hier ist ein Bild der in der Sequenz verwendeten Schleifen:
Jede Spur ist eine andere Schleife und jede Farbe eine Variation. Beachten Sie, dass viele der gleichen Regionen immer wieder zurückkehren, aber es geht hier darum, die Dinge ständig zu variieren. Sie verwenden einen kleinen Satz von Materialien, um Ihrem Song einen geschlossenen Zusammenhalt zu verleihen, ändern Sie sie jedoch ständig, um den Hörer auf Trab zu halten.
Hier ist der gesamte Song, der diese Loops verwendet, die ebenfalls vollständig aus Bass-, Gitarren- und Brass-Loops mit demselben Konzept bestehen:
Einer der größten Fehler, die ich höre, ist, dass die Mixer zu beschäftigt sind. Während sie denken, dass sie die Fülle erreichen, ist das, was sie wirklich enden mit Unordnung. Wenn Sie Schlagzeug, Bass, Akustikgitarre, eine Leadgitarre und ein Piano haben, die Akkorde und Fills spielen, einen Sänger und Background-Sänger, die alle gleichzeitig spielen, wie soll ich dann wissen, was ich hören soll? Nur weil Sie haben, heißt das nicht, dass Sie es verwenden sollten.
Wenn Sie sowohl Klavier als auch Gitarre haben, ist eine der einfachsten Möglichkeiten, Variationen zu kreieren, die Abwechslung. Lassen Sie den Gitarristen beispielsweise den ersten Vers und das Klavier den zweiten spielen. Oder geben Sie jedem eine andere Funktion, z. B. indem Sie die Gitarre Akkorde spielen lassen und das Klavier nur Licks und Füllungen zwischen den Gesangslinien spielt. In beiden Fällen können beide Instrumente übereinander gespielt werden, was Ihrem Mix großen Schaden zufügt.
Schauen Sie sich dieses Beispiel an, das ich vollständig aus einigen Loops mit Logik aufgebaut habe.
Der "Vers" spielt sich dreimal durch, aber jedes Mal mit einem anderen Instrumentenpaar. Während das Schlagzeug und der Bass die gesamte Melodie gleich bleiben, enthalten die Verse entweder Geige und E-Gitarre, Banjo und Akustikgitarre oder Pedal Steel und Akustikgitarre. Wenn Geige, Elektro, Akustik, Banjo und Pedal Steel alle versuchen würden, denselben Vers zu spielen, wäre das ein chaotischer Wahnsinn. Indem er sie ausbreitet und jedem Spieler die Chance gibt, zu glänzen, kann sich der Hörer auf das Instrument des Augenblicks konzentrieren und muss nicht gezwungen werden, das Chaos akustisch durchzusieben.
Eine Solo-Flöte oder eine Solo-Oboe kann wunderschön und lyrisch klingen, aber sobald Sie beide gemeinsam spielen, verlieren Sie die Einzigartigkeit und Farbe jedes einzelnen. Obwohl Sie mit verschiedenen Instrumentenkombinationen viele interessante und effektive Sounds erzeugen können, sind es in der Regel die einfachsten Methoden, um die besten Ergebnisse zu erzielen und Ihre Ideen auf die klarste Art zu kommunizieren.
Etwas ist interessant, wenn es unsere Erwartungen testet. Nach jahrelangem Musikhören haben wir uns alle an viele Konventionen gewöhnt. Ein einfaches Beispiel dafür sind Phrasen von 2, 4 oder 8 Takten. Indem wir mit der Länge unserer Phrasen herumspielen, können wir die Dinge interessanter machen und aus der Gemeinsamkeit ausbrechen.
In diesem Beispiel spielt der A-Abschnitt des Stücks meist in drei Taktsätzen:
Das Stück hätte für eine zusätzliche Bar für eine schöne vierstimmige Phrase vamped sein können, aber das wäre lang und unnötig gewesen. Durch die Verkürzung der Phrase um einen ganzen Takt halten wir das Stück in Bewegung und werfen die Erwartungen des Hörers leicht ab. Die dritte Phrase wirft uns für eine weitere Schleife ab und hört nicht bei drei Takten auf, sondern geht für 5 weiter, bevor der A-Abschnitt erneut beginnt. In ähnlicher Weise schneidet der letzte Satz des zweiten A-Abschnitts den 3-Takt-Satz auf nur 2 Takte ab, wodurch der B-Abschnitt unerwartet ankommt.
Hören Sie sich zum Vergleich dieses Beispiel an, bei dem die Phrasen auf den vierten Takt ausgedehnt wurden. Ich weiß nicht wie es euch geht, aber es macht mich ziemlich ungeduldig.
In der Originalversion ist zu beachten, dass die Stücke zwar ungewöhnlich lang sind, das Stück jedoch immer noch ein Fließelement hat. Wir verwenden keine ungeraden Längen, um den Hörer zu erschießen oder völlig unvorbereitet zu werfen, sondern um das Stück interessanter zu machen. Es ist eine Art subtiler Technik, die ein Nichtmusiker niemals bemerken würde, und wir möchten nicht, dass sie es wirklich wollen.
Die Mehrheit der westlichen Musik ist in 4/4, gelegentlich in 3/4, 12/8 oder 6/8. Die Verwendung einer weniger gebräuchlichen Taktart wie 5/4 oder 7/8 kann Ihrem Song eine einzigartige Wendung verleihen, jedoch nur, wenn dies effektiv geschieht.
Seltsame Zeitsignaturen können verwendet werden, um Menschen davon abzuhalten, sich in einem angenehmen Groove zu bewegen. Led Zeppelin wendete diese Technik häufig an. Betrachten Sie das Lied The Ocean, mit dem Sie den Kopf entlang zum Groove bewegen, als plötzlich ein Dreierstab Sie überrumpelt.
Meine Lieblingsmusik in Popmusik ist der "Solsbury Hill" von Peter Gabriel. Das Lied wechselt zwischen 4/4 und 3/4 (Sie könnten es 7/4 in Betracht ziehen), aber es ist so glatt, dass Sie nichts Ungewöhnliches bemerken, wenn Sie nicht aufpassen. Er erreicht die Geschmeidigkeit, indem er für jede Viertelnote eine sehr ruhige Bassdrum und ein gleichmäßiges Shaker-Pattern aufrechterhält. Der Groove wird niemals unterbrochen, so dass es nie einen Grund gibt, die Zeit ungewöhnlich zu fühlen, aber die Phrasierung ist gerade merkwürdig genug, dass wir das Gefühl haben, dass etwas anderes vor sich geht. Wenn Sie diese Achtel-Viertelnote abhacken, wird der Song ständig nach vorne gedrückt.
Ich habe bereits ein Tutorial über die Anwendung der Drei-Regel und der Musik geschrieben. Das Konzept besagt im Wesentlichen, dass es Zeit ist, weiterzumachen, wenn Sie etwas genau dasselbe einmal wiederholt haben. Schauen Sie sich das ursprüngliche Tutorial an, um einen tieferen Einblick zu erhalten.
Der Segen und der Fluch der Musiktechnologie von heute ist, dass wir mit unserer Musik nahezu "Perfektion" erreichen können. Rhythmen können unmenschlich präzise sein, Tonhöhen können niemals von einer perfekten mathematischen Frequenz abweichen und unsere Mischungen können auf die Millisekunden-Automatisierung reagieren. Obwohl all diese Dinge hilfreich sein können, ist es sehr einfach, einen Track zu haben, der leblos und herzlos klingt. Eine Möglichkeit, diese "menschliche" Berührung wieder herzustellen, besteht darin, kleine Unvollkommenheiten einzubeziehen.
Schauen Sie sich die erste Minute dieses Stücks an:
Außer dem Klavier ist nichts los, außer einem langen Pad, das die ganze Zeit die gleichen Tonlagen hat. Ich hatte ein Streichquartett, das die gleichen Tonhöhen sehr leise unter dem Pad spielte. Die natürlichen Schwankungen der Biegung, der Stimmung und der Resonanz der Saiten fügten ein Flair der Unvorhersehbarkeit hinzu, das durch einfaches Festhalten meines Fingers auf dem Pad unmöglich zu erreichen gewesen wäre. Während ich das MIDI sehr leicht über die gesamte Länge der Einführung ausstrecken konnte und es dabei belassen hätte, wäre uns ein langweiliger und statischer Sound geblieben. Durch das Hinzufügen kleiner Unvollkommenheiten können wir etwas subtiles Interesse hinzufügen. Die Kombination aus Pad und Saiten lenkt nicht vom Klavier ab, was das wichtigere Element ist, aber sie hat ein organisches Gefühl, das den Eindruck einer lebendigeren Note vermittelt.
Die Chancen stehen gut, dass Sie nicht jedes Mal einen Live-Player zur Verfügung haben, wenn Sie Ihrer Musik eine menschliche Note hinzufügen möchten. Was hätten wir sonst mit diesem Pad tun können? Wir könnten einen Filter automatisieren, der ermöglicht, dass unterschiedliche Frequenzen des Pads zu unterschiedlichen Zeiten durchlaufen. Wir könnten die Lautstärke so automatisieren, dass das Pad schwankt und "atmet", wenn es lauter und leiser wird. Wir könnten ein paar verschiedene Pads überlagern, die abwechselnd sanft ein- oder ausgeblendet werden. Alle diese Techniken würden verwendet, um zu verhindern, dass sich das Pad wie eine Maschine anhört, sondern eher wie ein unvollständiges und organisches Element.
Es gibt eine feine Linie zwischen innovativ und exzentrisch. Wenn jemand als "seiner Zeit voraus" betrachtet wird, liegt dies oft daran, dass die Menschen noch nicht die Lücke zwischen Standard und dem, was der Künstler ausdrückt, geschlossen haben. Stellen Sie sich vor, wenn Eddie Van Halen 1955 versucht hätte, ein zerreißendes Solo zu spielen, mit tausend Noten pro Minute durch die Gitarre gerissen. Er wäre entweder ausgelacht worden oder vielleicht sogar eingesperrt. Es hat Rock Jahrzehnte gedauert, um sich zu entwickeln, um die Bühne für diese Art von Spiel zu bereiten.
Wenn Sie möchten, dass Ihre Musik interessant ist, müssen Sie auf Ihre Art einzigartig sein, aber damit die Leute aufpassen, müssen Sie ihnen eine Art Bezugspunkt geben. Ohne das klopfende Streichorchester wäre "Viva la Vida" nur ein weiterer Coldplay-Song. An der Akkordfolge oder Melodie ist nichts Revolutionäres, aber die einzigartige Orchestrierung für Popmusik macht das Lied besonders interessant.
Es kann eine feine Linie zwischen "interessant" und "unberechenbar" sein, was einer der Gründe ist, warum konsistente geringfügige Änderungen so effektiv sein können. Minimalisten wie Philip Glass und Steve Reich haben ganze Karrieren aus dem Konzept herausgenommen, dass es nicht ständiger Stimmungs- oder Farbverschiebungen bedarf, um ein großartiges Musikstück zu machen, aber es erfordert, dass Ihre Musik gerade so interessant ist, dass Sie Ihren Zuhörer behalten beschäftigt, verlobt.
Accentsconagua