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Das Mischen von Tracks zu einem professionellen Standard ist ein Handwerk, das Zeit und Erfahrung sowie eine gute Überwachungsumgebung erfordert. Eine großartige Mischung wird Energie, Aufregung und das Potenzial haben, sofort Wirkung zu erzielen. Auf einer tieferen Ebene werden Details und ein Klangreichtum gezeigt, der den Zuhörer fesselt.
Wenn Sie aus nächster Nähe hören, klingt nichts Besonderes - das Arrangement passt zu dem Musikstil. Aber irgendwie ist das Endergebnis so viel mehr als die Summe der Teile - es gibt ein unverwechselbares Flair, das es auszeichnet.
Hier ein Beispiel aus einem R & B-Musikstil der letzten Pop-Charts von 2014:
Natürlich ist alle Pop / Rock-Musik eine Art Modeaussage. Meinungen über Künstler und deren Output sind oft sehr subjektiv und sehr unterschiedlich! Wenn ich mich jedoch ausschließlich auf die Musik konzentriere und versuche, objektiv aus Sicht der Mix-Ingenieure zu sein, würde ich vorschlagen, dass der Groove des Hauptspurs alle Erwartungen erfüllt. Alles passt zu dem Stil, den es sein soll.
Jedes Instrument hat beim Mischen einen eigenen Platz im Klangspektrum und muss als solcher behandelt werden. Wie wird das erreicht??
Ein gutes Verständnis des natürlichen Frequenzbereichs jedes Instruments (und der Vocals) zu entwickeln und zu lernen, wie sie zusammenpassen könnten, um eine perfekte, natürliche Passform zu erreichen, wird uns sicherlich eine unschätzbare Hilfe sein, wenn es darum geht, diesen Track zu mischen!
Beginnen wir mit der Vorstellung des Soundstage-Konzepts - einem dreidimensionalen Klangraum, in dem wir arbeiten werden, wenn unser Track-Mix zusammenkommt. Die Mischung "Soundstage" ist wie das klangliche Äquivalent einer Theaterbühne; Es hat eine Breite - von niedrigen Frequenzen bis zu sehr hoch - aber auch Tiefe, die als Lautstärke oder Pegel und Positionsfokus gedacht werden kann.
In einem typischen professionellen Rock-Mix, der für das Hören im Stereokontext entwickelt wurde, neigen Bass Drum und Snare, Bassgitarre und Lead-Gesang dazu, in der Mitte zu sitzen. Der Rest des Kits, Gitarren und Keyboards sowie jede Percussion werden dazu in gewissem Maße ausgeglichen. Breite der Spur hinzufügen.
Insbesondere der Lead-Gesang wird den Track beherrschen, denn die Energie und Dringlichkeit einer großartigen Song-Performance ist offensichtlich von entscheidender Bedeutung. Viele Mix-Ingenieure werden viel Zeit investieren und sich genau hier konzentrieren.
Wie kann unser Verständnis von EQ unsere Fähigkeit, einen Track zu mischen, verändern? Jedes Instrument hat einen Eigenfrequenzbereich, in dem es tendenziell funktioniert. Zusätzlich zu diesem Eigenfrequenzbereich gibt es Oberwellen, die normalerweise etwas weniger ausgeprägt sind, jedoch den natürlichen Klang oder Charakter des Instruments bestimmen.
Die folgende Tabelle veranschaulicht dies:
EQ-Frequenzdiagramm mit freundlicher Genehmigung des Independent Recording Network. Klicken Sie hier für die interaktive Version.Am Ende der Tabelle sehen Sie verschiedene beschreibende Wörter, die von Toningenieuren und Musikern gleichermaßen verwendet werden. Diese sind zwar etwas vage und sicherlich keine technischen Ausdrücke, sie können jedoch hilfreich sein, um herauszufinden, wie man den EQ effektiver gestaltet.
Zum Beispiel arbeitet ein männlicher Gesang im Bereich von 100 kHz bis 1 K. Sein Bereich mit besonderer Wärme kann um 200 kHz liegen. Ein weiblicher Gesang hat normalerweise einen etwas höheren Wärmebereich - vielleicht um 400 kHz, je nach Reichweite und Klang der Sängerin.
Beachten Sie, dass die gelben Balkenerweiterungen darauf hinweisen, dass die Oberwellen von männlichen und weiblichen Vocals wesentlich höher liegen als 1,5 kHz. Diese höheren Harmonischen sind entscheidend, um der Stimme Charakter zu verleihen. Noch höher als 8 kHz ist die Knusprigkeit der Stimme zu hören. Die Klarheit der Diktion und die Zischlaute 's' und 'c' neigen dazu, hier zu passieren.
Jeder Track stellt andere Herausforderungen, und nur das eigene Ohr kann beurteilen, wie alles perfekt über das Klangspektrum verteilt wird. Aber zu lernen, wie man die "Muddiness" aus diesem Power-E-Gitarren-Teil oder den EQ in etwas mehr Klarheit zu diesem Gesang EQ-EQ-EQ-EQ-EQ-EQ-EQ-EQ-EQ - all dies ist der Schlüssel zum Aufbau einer großartigen Mischung.
Track Recording und Mixing sind völlig unterschiedliche Disziplinen. Bei der Aufnahme liegt der Fokus wahrscheinlich auf einer soliden Leistung auf einem anständigen Niveau, ohne jedoch Verzerrungen oder Überlastungen zu riskieren. Egal, ob Sie nur einen Midi-programmierten Part drucken oder eine Live-Performance aufnehmen, Sie werden wahrscheinlich die natürliche Wärme und Fülle des Parts einfangen.
Das Ergebnis kann einen volleren und umfangreicheren Sound haben, als Sie benötigen, wenn Sie später zum Mixen kommen, aber zu diesem Zeitpunkt ist dies im Allgemeinen kein Problem. Tatsächlich ist es oft besser, einen etwas volleren Klang zu haben. Sie können den EQ immer etwas enger einstellen, indem Sie in Frequenzbereichen, die Sie später nicht benötigen, ein wenig "ausformeln".
Um den Mix-EQ-Prozess zu veranschaulichen, habe ich hier eine Aufnahme eines Klavierparts gemacht, den ich gemacht habe. Ein bisschen Kompression und EQ wurden unterwegs angewendet, aber hauptsächlich um sicherzustellen, dass der Sound so vollständig wie möglich ist:
Klavierstimme: kein EQ
Beim Mischen verschiebt sich der Fokus jedoch vollständig. Nun muss der Klavierpart in ein Gesamtbild der Klangkulisse eingefügt werden.
In diesem klassisch klingenden Instrumentalsong ist das Piano eigentlich ein Hauptmerkmal, daher entschied ich, dass es bei 100kHz etwas mehr Tiefgang brauchte, um ein gewisses "Gewicht" hinzuzufügen. Ich habe auch einen starken Hub bei 5,8 kHz hinzugefügt - vor allem, weil ich wirklich wollte, dass die hohen Drittel in der Anordnung mehr funkeln und durchschneiden.
Hier ist ein Screenshot des aktuellen EQ, den ich damals mit einem EQ-Plug-In von Waves Renaissance verwendete:
Hören Sie nun die gemischte Version des Pianos mit den obigen EQ-Einstellungen:
Piano Part: EQ hinzugefügt
Die Unterschiede sind ziemlich subtil, aber deutlich hörbar. In der Tat klingt die reine Klavierversion wahrscheinlich besser, wenn man sie selbst hört. Aber das ist nicht untypisch - die gemischte Version muss im Zusammenhang mit einer geschäftigen Anordnung stehen.
Hören Sie sich den endgültigen Mix an und beurteilen Sie das Endergebnis für sich.
Schauen wir uns ein anderes Beispiel an. Saitenteile innerhalb einer Mischung. Normalerweise bieten Violinen nichts unter 200 kHz an, und sie sind immer reich an harmonischen Obertönen. Wenn Sie also ein klassisches "Zischen" einfangen möchten, müssen Sie wahrscheinlich etwas vom Gewicht des Teils herunterklappen, das sich im Frequenzbereich befindet Spot höher, um ihnen genug "Rand" oder etwas mehr "Luft" zu geben, wenn sie es brauchen.
Hier ist ein kurzer Auszug von programmierten Streichern in vier Teilen, die für ein filmisches Instrumentalstück geschrieben wurden und im Rohformat aufgenommen wurden:
Saiten: kein EQ
Hier ist derselbe Teil mit dem Waves EQ-Screenshot unten. Bei 140 Hz wurde ein Tiefpegel hinzugefügt, hauptsächlich um die Tiefe der tiefen Cello-Fünftel hervorzuheben. Um dies jedoch zu kompensieren, gibt es bei 500 Hz einen ziemlich starken Schnitt mit einer ziemlich breiten 'Q'-Einstellung, um eine Menge von Tief / Mittel loszuwerden Gewicht. Präsenz und "Luft" wurden weiter oben hinzugefügt:
Strings: EQ hinzugefügt
Hören Sie sich den endgültigen Mix hier an. Die Saiten treten um 0:45 ein.
Mit einem parametrischen EQ können Sie neben der Einstellung einer Frequenz und der Verstärkung oder des Verstärkungsfaktors die Breite des Frequenzbands einstellen, über das Ihre Entzerrungsänderungen gelten. Dies wird als "Q" -Einstellung bezeichnet.
Eine einzelne Oktavenänderung ist ein 'Q'-Wert von 1; Etwas unter 0,7 wird also eine allgemeine Änderung der Entzerrung sein, wohingegen eine Einstellung von "Q" von 5 oder 6 eine sehr enge, präzise Einkerbung der Frequenzabsenkung (oder Verstärkung) wäre. Sie können dies beispielsweise verwenden, um ein bestimmtes Geräuschproblem zu lösen.
In dem obigen REQ-Plug-In wird in der untersten Zeile die Einstellung 'Q' angewendet.
Ich bin ein begeisterter Benutzer aller Arten von Pads innerhalb einer Spur. weich, luftig, sich entwickelnd oder ätherisch. Sie können einer Ballade sicherlich Drama hinzufügen und jedem Mix ein Gefühl von Tiefe verleihen, aber sie haben auch einen Risikofaktor in meinem Kopf. Wenn sie zu voll klingen oder einfach zu laut sind, scheinen sie oft die Energie aus dem Track abzuleiten.
Meines Erachtens scheinen viele Hersteller sehr reiche und voll klingende Pads zu entwerfen, um den Hörer vielleicht zu beeindrucken, sie überhaupt zu kaufen! Das Risiko besteht jedoch darin, dass sie einfach nur dominieren und Ihren gesamten verfügbaren Bühnenraum übernehmen.
Ich denke, die Lektion hier lautet: Sei brutal, wenn du es brauchst. Scheuen Sie sich nicht, das EQ-Gewicht aus diesem Pad heraus zu formen, damit es nicht den Rhythmus-Bereich Ihres Tracks stört. Einige Pads haben eine natürliche "Luft", die Sie vielleicht ein wenig betonen möchten, aber für mich scheint es oft vorwiegend zu sein, das, was Sie nicht brauchen, abzuschneiden und die Pegel unter Kontrolle zu halten.
Führen Sie den AB-Test durch. Ist die Gleisenergie noch da? Und fügt das Pad Ihrem Track nur etwas Unbestimmtes hinzu? Vielleicht ist das alles, was es tun muss.
Plug-Ins, die sich in Ihrer DAW befinden, sind jetzt in Hülle und Fülle vorhanden und werden seit geraumer Zeit zur Verarbeitung von Sound verwendet. Es gibt viele Beispiele, die in der Lage sind, hochgradig forensisch zu sein und hervorragende Arbeit zu leisten. Einige sind so konzipiert, dass sie tatsächlich den gesamten Mixprozess simulieren, den Top-Toningenieure durchlaufen, um auf bestimmten Instrumenten einen professionellen Sound zu erzielen.
Zum Beispiel verfügen die Waves Maserati-Plug-Ins über Einstellungen, die einer Prozessorkette nahekommen, die der Top-Ingenieur Tony Maserati üblicherweise für Gitarren verwendet. Sie sind sehr effektiv, aber sie zeigen auch, wie ein Top-Mix-Ingenieur einen Sound formen möchte, um ein professionelles Mix-Ergebnis zu erzielen.
Hören Sie sich diesen Pick-Gitarren-Part mit und ohne Plug-In-Verbesserungen an. Der Delay-Teil wurde ebenfalls durchlaufen und ist in diesen MP3-Beispielen enthalten:
Pick Guitar Part: keine Bearbeitung
Pick Guitar Part: Maserati Plug-In hinzugefügt
Was ist der Unterschied? Ein bisschen weniger Gewicht, so scheint es mir, und eine Präsenzbetonung, um sicherzustellen, dass der Pick-Rhythmus durchschneidet. Natürlich hatte der Gitarrist durch seinen eigenen Verstärker und Pedalboard bereits viel Kompression und vielleicht einen kleinen EQ für den "rohen" aufgenommenen Sound zur Verfügung gestellt, so dass die Mix-Verarbeitung hier dieselbe Logik ein wenig weiter bringt.
Hier ist der Plug-In-Screenshot. Leider sagt dieses Plug-In nicht viel über die eigentliche Signalkette aus, aber ich denke, das Klangergebnis ist entscheidend.
Wo schneiden und wann steigern? Nur Zeit und Erfahrung können Ihnen wirklich helfen, da so viel vom musikalischen Kontext und Stil abhängt und von Ihren eigenen Ohren in einer vertrauten Überwachungsumgebung.
Aber hier ist ein nützlicher Leitfaden, der hilfreich sein kann, wenn die Welt der Häufigkeitszahlen Sie manchmal etwas geheimnisvoll erscheinen lässt:
In der Kommentarspalte habe ich ein paar persönliche Beobachtungen gemacht, auf die ich normalerweise beim Mixen achten werde, wenn es um das jeweilige Instrument geht.
In diesem Tutorial konnte ich nur einige Aspekte eines hochkomplexen Handwerks ansprechen. Die Entzerrung ist ein Schlüsselaspekt der Spurmischung, wird jedoch in der Praxis interaktiv zusammen mit Kompression, Nachhall, Verzögerung und möglicherweise verschiedenen anderen Prozessen verwendet.
Im nächsten Artikel werde ich auf ein paar andere Aspekte eingehen, wenn es um das Mischen innerhalb der Soundstage geht. Hall und Verzögerung.
Accentsconagua