Share
Aus meiner Sicht ist nichts so inspirierend wie die Arbeit mit talentierten und erfahrenen Musikern in einem Tonstudio. Ich genieße diese Sessions immer enorm - Ihr Arrangement ist alles organisiert und der Backing-Track-Mix ist fertig. Jetzt sitzen Sie nur noch in Ihrem Studio und warten auf die Ankunft des Players.
Es gibt natürlich reichhaltige Mustersammlungen für alle wichtigen Orchester- und Jazzinstrumente, ganz zu schweigen von einer breiten Palette von Instrumenten, die "off the beaten track" sind, von ethnischen und indigenen bis hin zu einfach nur ausgefallenen Instrumenten! Aber ein echter Spieler kann Ihrer Musik noch viel mehr bringen.
Bei einer geeigneten Einstellung mit dem richtigen Mikrofontyp ist der Klang garantiert absolut authentisch. Der andere große Faktor ist die Kreativität der Sessionmusiker. Sie bringen ihr Talent mit und nehmen Ihre Song-Arrangements auf, und der damit verbundene Mehrwert ist oft von unschätzbarem Wert.
Hier ist ein Auszug aus einem Arrangement, das ich vor einiger Zeit gemacht habe und eine Live-Flöte mit der Melodie zeigt. Das Stück geht dann weiter in einen Brückenabschnitt. Ein schöner Ton und eine schöne Intonation sind entscheidend, wenn das betreffende Instrument so weit in der Mischung vorkommt.
Hier ist ein weiterer Ausschnitt in einem etwas keltischen Stil; diesmal ein Geiger. Soweit ich mich erinnere, spielte dieser Player eine Rolle, die ich zuvor mit einer Score-Writing-Software geschrieben hatte, aber der besonders schöne Ton und Stil der Intonation hier wäre mit Instrumenten-Samples extrem schwer zu emulieren.
Die Aufnahme von "echten" Spielern bringt natürlich ihre eigenen spezifischen Probleme und Probleme mit sich. Diese reichen von dem zu verwendenden Mikrofon bis zur optimalen Vorbereitung der Spur für den ankommenden Spieler. Ihr allgemeines Ziel sollte es sein, zu versuchen, die gesamte Erfahrung für den Session-Spieler so angenehm und natürlich wie möglich zu gestalten.
Denken Sie daran, dass sie höchstwahrscheinlich versuchen werden, eine Rolle zu spielen, die sie noch nie zuvor gesehen haben, während sie gleichzeitig versuchen, sich an Ihr Studio-Setup und den Track selbst zu akklimatisieren. In diesem Tutorial werfen wir einen Blick auf eine Reihe von Instrumenten am klassischen Ende des Spektrums und erfahren, wie Sie sich am besten auf eine Sitzung mit einem dieser Instrumente vorbereiten können.
Wenn wir das Sinfonieorchester als "Familien" von Instrumenten (Streicher, Holzbläser, Blechbläser usw.) betrachten, werden Sie feststellen, dass ich aus jeder Gruppe ein oder zwei ausgewählt habe, und auch die Harfe, die einen etwas anderen Ansatz erfordert. Die meisten klassischen Musiker haben eines gemeinsam: Sie lesen Musik in der Regel sehr gut, da diese einen wesentlichen Teil ihres frühen Musiktrainings ausmachte. Es ist daher sehr wahrscheinlich, dass sie an diesem Tag einen notierten Teil erwarten werden.
Ich behaupte nicht, dass klassische Musiker nicht oder nicht improvisieren. Einige von ihnen machen das sehr gut. Aber die Chancen stehen gut, dass sie sich bei der Arbeit mit einem vorgedruckten Notenblatt viel wohler fühlen werden. Ich gehe also davon aus, dass Sie planen, Ihren Part aufzuschreiben, was Sie höchstwahrscheinlich mit einem Notationssoftwarepaket tun werden.
Wenn Sie Ihre Anordnung im Hinterkopf haben, wie viele Details sollten Sie auf der Seite enthalten? In der klassischen Welt ist absolut jede Nuance abgedeckt: Ausdruck, Phrasierung, Beugungsmarken usw. Hier gibt es keine richtige Antwort, aber ich neige dazu, den Ansatz der 'nackten Knochen' zu bevorzugen, da Sie immer mit den Eingaben der Spieler an den Details arbeiten können während der Sitzung.
Hier ist ein Song-Intro, das einen Cellostimme enthält. Danach duckt sich der Cellostimm in ein tieferes Register, wenn der Lead-Gesang eintritt.
Der Teil, den ich dem Spieler für das Intro gegeben habe, ist unten geschrieben (zugegebenermaßen eher kurz!). Ich habe versucht, ihnen vom Beginn des Songs an einen klaren Takt zu geben. Es hätte auch einen leisen Klick-Track in ihren Kopfhörern gegeben, der ihnen helfen würde, hineinzukommen.
Wenn ich Streicher-Parts schreibe, neige ich dazu, Bugspuren wegzulassen, da diese während der Sitzung besprochen werden, und der Spieler weiß, wie er den Part technisch spielen soll, um so zu klingen, wie ich möchte.
Hier ist ein weiteres MP3-Beispiel, gefolgt von dem notierten Teil. Diesmal spielt eine Geige die Melodielinie:
Der Teil, den ich dem Spieler damals gegeben hatte, enthielt keine Bugmarkierungen, aber ich habe sie oben hinzugefügt, je nachdem, wie die Leistung verlief. Es ist wichtig, die genauen Grenzen des Instruments und die Art des Tons zu kennen, die es beim Schreiben des Parts über seinen gesamten Tonumfang erzeugen kann.
Spitze: Es ist eine gute Idee, eine Art Orchestrierungswörterbuch zur Verfügung zu haben, das Reichweiten angibt und grundlegende Instrumenteneigenschaften beschreibt. Es gibt eine Nummer. Mein persönlicher Favorit ist "The Essential Dictionary of Orchestration" von Dave Black und Tom Gerou. Dies ist preiswert, unkompliziert und auch Taschenbuchgröße; so ist es leicht zu tragen.
Ich habe mit all dem in meinen eigenen Studio-Violinisten zusammengearbeitet, die in einem "keltischen" Stil und einem eher klassischen Ansatz, Jazzflöte und klassischer Flöte, gespielt haben. Ich habe auch mehrmals keltische Harfe aufgenommen, aber nur einmal eine Orchesterharfe. Bei dieser Gelegenheit war ich sehr besorgt darüber, ob das Instrument tatsächlich in mein Studio passt, das eine recht niedrige Decke hat.
Als der Spieler ankam, überraschte sie mich, indem er sich weigerte, mir zu helfen, das Instrument aus ihrem Kombi zu laden. (Offensichtlich dachte sie über die Kosten des Instruments nach, und meine eigene mangelnde Erfahrung beim Tragen eines Instruments!) Sie produzierte umgehend einen geeigneten Trolley von irgendwo im Fahrzeug. Ich bin froh zu sagen, dass die Höhe des Instruments die Höhe meines Studios geräumt hat… aber nur um zwei Zoll!
Hier ist ein Beispiel, wie die keltische Harfe klingen kann. Dies ist einer Liedeinführung entnommen.
Im Allgemeinen sollte die Verwendung eines Kondensatormikrofons in vernünftiger Qualität akzeptable Ergebnisse liefern. Ein Großmembran-Kondensatormikrofon wie ein AKG C414 oder ein Neumann U87 wäre eine typische professionelle Wahl für eine solche Situation, es sind jedoch auch viele andere Optionen möglich.
Die Platzierung des Mikrofons ist entscheidend. Im Allgemeinen sollten Sie das Mikrofon ganz in der Nähe des Instruments aufstellen, da dadurch die Umgebungsgeräusche verringert werden. Siehe die folgende Tabelle.
Der natürliche Umgebungsklang des Raums wird immer deutlicher, je weiter das Mikrofon von der Schallquelle entfernt ist. In der Tat nimmt der Schallpegel um einen Faktor von 6 dB ab, wenn sich die Entfernung verdoppelt, was ziemlich viel ist.
Die Menge an direktem Schall relativ zum Raumklang kann sowohl durch die Entfernung des Mikrofons von der Schallquelle als auch in geringerem Maße durch das polare Muster des Mikrofons (Niere oder Rundstrahl) gesteuert werden..
Werdet ihr das Instrument in Mono spielen? Ich würde es vorziehen, alle diese Instrumente auf einer Monospur mit einer einzigen Mikrofonquelle aufzunehmen, mit Ausnahme der Harfe, was durchaus von Vorteil sein könnte, wenn ein Stereo-Mikrofonpaar in geringer Entfernung aufgestellt wird.
Hier ist eine Tabelle, die einige spezifische Hinweise und Mikrofonvorschläge enthält:
In der Praxis scheine ich oft beim Aufwärmen neben dem Spieler zu stehen und versuche, auf den 'süßen' Punkt zu achten, an dem der Klang des Instruments am effektivsten erscheint. Dies ist der Ort, an dem Ihr Mikrofon fokussiert werden muss. Hier sollten Sie nach dem Aufbau suchen. Überprüfen Sie jedoch auch, dass der Player nicht im Weg steht oder seine Sicht auf die Musik beeinträchtigt. Geiger und Cellisten brauchen Platz, um ihre Instrumente zu beugen.
Bei der Flöte ist mir aufgefallen, dass der Klang je nach Mikrofonposition stark variieren kann. Wenn Sie sich zu nahe am Mundstück befinden, besteht die Gefahr, dass Sie zu viel Atem mit dem Klang mischen, aber zu nahe an den Tasten, und der Klang wird durch das Klappern der Finger auf den Tastenfeldern dominiert. Es ist ziemlich überraschend, wie ein gutes Mikrofon den kleinsten Ton aufnimmt, auch wenn es vernachlässigbar ist, dass es zu diesem Zeitpunkt der Fall ist.
Ein bisschen Abstand zum Instrument ist oft die sicherste Option, vor allem wenn Sie später eine Komprimierung vornehmen möchten, da dies den Geräuschpegel ziemlich stark ansteigen lässt. Fehler sind leicht zu begehen, und ich bin sicherlich in der Vergangenheit erwischt worden; und ich habe festgestellt, dass ich mir später mit den ein oder anderen Geräuschen, die nicht da sein sollten, zu Session-Aufnahmen gehört hat, lange nachdem der Spieler verschwunden ist!
Die Harfe ist insofern einzigartig, als sie 47 nicht chromatisch angeordnete Saiten hat. Der Spieler spielt mit einem Pedalensatz für beide Füße an der Basis des Instruments, um die Stimmung dieser Saiten zu ändern.
Die meisten Harpisten, die regelmäßig aufnehmen, haben einen zusätzlichen Filz, um diese Pedale zu dämpfen, was ansonsten einen ziemlich klobigen Sound erzeugen kann! Im Allgemeinen ist es am besten, ein Stereomikrofon in einiger Entfernung vom Instrument aufzustellen, um unerwünschtes Pedalrauschen und Fingerrauschen auf den Saiten zu vermeiden.
Im nächsten Artikel werde ich untersuchen, wie man Jazzinstrumente aufnehmen kann, was einen völlig anderen Ansatz erfordert. Wir werden uns auch mit anderen wichtigen technischen Aspekten befassen, wie zum Beispiel dem Einrichten eines hervorragenden Kopfhörer-Mixes und der geeigneten Verwendung von Komprimierungs- und Tuning-Korrekturen.
Accentsconagua