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Mein neues Buch "The Studio Musician's Handbook" (geschrieben mit dem Top-Studio-Bassisten von Los Angeles, Paul ILL) wird in Kürze veröffentlicht, und ich dachte, es wäre eine gute Zeit für eine exklusive Vorschau.
Das Buch bietet einen bisher nicht gekannten Blick in die Welt des Studiomusikers und deckt alle Dinge ab, die Sie wissen müssen, wenn Sie den Anspruch haben, einer zu sein, wie viel Geld Sie verdienen können, welche Art von Koteletts Sie benötigen und wie Sie bekommen Gigs und die vielen Möglichkeiten, eins zu werden. Auch wenn Sie sich nie als Studiomusiker einen Lebensunterhalt verdienen möchten, aber dennoch viel im Studio spielen (auch wenn es Ihr eigenes ist), enthält das Buch eine Reihe von Hinweisen, die Sie bei jeder Session verwenden können, wie zum Beispiel Ausrüstungstipps. Session-Etikette und eine Anleitung für jedes Instrument.
Hier ist ein kleines Kapitel aus Kapitel 2, das die Unterschiede zwischen Live-Spielen und Spielen im Studio veranschaulicht, gefolgt von dem „Standard Session Procedure“, das praktisch alle Studiomusiker verwenden.
Bei allen musikalischen Darbietungen handelt es sich wirklich um "den Moment". Live-Musik passiert im Moment zum dieser Moment. Aufgezeichnete Musik hält diesen Moment fest, damit er für immer bestehen kann. Ersteres ist wie ein Live-TV-Nachrichten-Feed eines Ereignisses, während letzteres wie eine geschnitzte Statue des gleichen Stoffes ist.
Sie haben wahrscheinlich viel Erfahrung mit Live-Spielen gemacht, aber im Studio zu spielen, ist eine ganz andere Erfahrung. Der Denkprozess ist anders, die Denkweise ist anders, der Ansatz ist anders und die Befehlskette ist anders.
Um diese beiden unterschiedlichen Erfahrungen einander gegenüberzustellen, gehen wir von den einfachsten zu denjenigen über, die, wie wir sagen, etwas subtiler sind.
1. Repertoire
Die meisten Live-Gigs wechseln selten das Repertoire ohne Wiederholung. Lediglich am Rande der Jazz-Community tauchen Musiker bei einem Live-Gig auf, der bereit ist, jede Show "zu beflügeln". Ein Session-Musiker muss bereit sein, Material unterwegs zu wechseln. Wenn es sich um ein eintägiges Aufnahmedatum für einen Sänger / Songwriter handelt, kann der Song innerhalb weniger Augenblicke einen völlig neuen Charakter annehmen. Die Sitzung kann damit beginnen, dass der Künstler die Melodie selbst spielt. Während der Rhythmusgruppe wird von ihnen nicht nur erwartet, dass sie "on the fly" lernen, sondern auch die entsprechenden Teile, die dazu beitragen, den Song nicht nur so einprägsam wie möglich zu gestalten, sondern auch zugänglich und angenehm zu machen Künstler und Produzent, aber für Hörer, die das Lied zu einem Teil des musikalischen Soundtracks ihres Lebens machen können. Kein Druck!!!
2. Kontrolle
Auf der Bühne ist alles, was Sie spielen, weg, sobald Sie es spielen. Was Sie im Studio spielen, ist unter einem Mikroskop und wird wahrscheinlich analysiert, zerlegt und reorganisiert, um die Aufführung zu verbessern.
3. Ausrüstung
Die Ausrüstung, die Sie bei einem Auftritt verwenden, wird nicht immer ins Studio übertragen. Sie wählen die Ausrüstung für einen Auftritt basierend auf Vielseitigkeit, Haltbarkeit und allgemeiner Robustheit. Das einzige, was im Studio zählt, ist der Ton. Eine Größe passt zwar alle auf einen Gig, ist aber normalerweise langweilig, besonders wenn Sie mehrere Spuren oder mehr als einen Song aufnehmen. Das Studio erfordert eine Vielzahl von Klangmöglichkeiten, sodass Sie verschiedene Instrumente, Verstärker und Pedale mitbringen müssen, um dorthin zu gelangen.
4. Führung
Bei einem Auftritt haben Sie einen Bandleader, der die Songs anruft, abzählt, möglicherweise die Soli leitet und die Songs beendet. Im Studio antworten Sie auf eine Hierarchie, bestehend aus Produzent, Künstler und Ingenieur (bei Sonics). Der Produzent ist der ultimative Entscheider mit der endgültigen Autorität über alles, was Sie spielen.
5. Nuance
Im Studio zählen die kleinen Dinge. Alles, was Sie spielen, kann kritisch sein, so dass Nuancen genauso wichtig sind wie der Körper Ihres Spiels. Wenn Sie live spielen, sind die Nuancen normalerweise im Wind, durch die Bühnenlautstärke, die Akustik und die Aufmerksamkeit der Spieler und des Publikums überwältigt. Im Studio wird alles, was Sie spielen, unter die Lupe genommen, und das ist für manche Spieler zu viel Druck. Auf der Bühne hören Ihre Bandmitglieder vielleicht hart zu (wenn sie gut sind), aber das Publikum wird sich mit der gesamten Musik beschäftigen. Kein Druck, nur spielen. Im Studio muss man jedes Mal großartig sein, jeden Take.
6. Das Live-Gefühl gegenüber dem Studio-Gefühl
Seien Sie versichert, dass das Zuschauen von Drum-Gott Steve Gadd mit Eric Clapton eine ganz andere Erfahrung ist als seine Studioarbeit mit Ol 'Slowhand. Es ist definitiv ein anderes Gefühl, wenn man im Studio spielt. Spieler, die sich mit beiden Idiomen auskennen, neigen dazu, im Studio mehr Finesse und Zurückhaltung zu zeigen und auf andere Weise abzuschneiden. Denken Sie daran, dass die Musik in einem Studio bei einem Aufnahme- oder Rundfunkgerät endet. Live-Musik verbreitet sich nur im Äther. Für das Studio muss der Musiker mit einer ganzen Reihe von Variablen spielen, die von der Signalkette nach dem Instrument und den Bedürfnissen der Session erstellt werden.
7. Etikette
Sie können davon profitieren, bei einem Live-Auftritt ein Trottel zu sein, da die anderen Spieler Sie normalerweise (bis zu einem gewissen Punkt) hinnehmen, solange Sie gut spielen oder das Publikum Sie liebt. Nicht so im Studio. Um die Musik auf das Niveau zu bringen, auf dem sie sein muss, ist ein ständiges Geben und Nehmen mit jedem im Studio erforderlich. Wenn Sie jemanden dazu bringen, sich aus irgendeinem Grund ein wenig unwohl zu fühlen, werden Sie wahrscheinlich nicht zurück gefragt. Es gibt zu viele großartige Spieler mit zuvorkommenden Persönlichkeiten, die auf die Chance warten.
8. Es ist harte Arbeit
Das heißt nicht, dass das Spielen oder Singen bei einem 4- oder 5-stündigen Auftritt nicht schwierig ist, aber Sie spielen in jedem Set viele verschiedene Songs und erhalten den Ruhm des Publikums-Feedbacks. Das einzige Feedback, das Sie im Studio erhalten, ist vom Produzenten, Künstler und möglicherweise vom Ingenieur. 99% der Zeit, in der sie analysieren, wie Sie eine Rolle spielen können, anstatt Ihr Lob zu singen. Und die Konzentration ist definitiv um ein paar Punkte gestiegen. Bei einem Auftritt können Sie die Musik durchbrennen und sich in Ihrem Spiel fast verlieren. Im Studio zählt jede Note und erfordert Ihre äußerste Aufmerksamkeit. Es ist nicht ungewöhnlich, Stunden für dasselbe Lied (oder sogar für dieselbe Phrase) zu verbringen, es immer wieder zu spielen oder zu singen, bis es perfekt passt. Auf der anderen Seite müssen Sie bei einigen Sessions das erste Mal (oder in wenigen Takes) perfekt spielen, was einen ganz eigenen Druck ausübt.
9. Vorbereitung
Live-Gigs erfordern fast immer ausreichend Probe. Die meisten Aufnahmesitzungen finden ohne oder mit geringer Vorbereitung statt. Ein Session-Musiker muss daher sehr anpassungsfähig sein und Musik "on the fly" lernen können..
10. Ansatz
Studiomusiker können gebeten werden, ihre Einstellung mitten in einem Take zu ändern! Stellen Sie sich vor, Sie haben ein TV-Scoring-Datum, und der Produzent und der Musik-Supervisor sitzen mit dem Regisseur der Show. Sie hören, wie Sie eine Hammond-Orgel auf einer Verfolgungsszene spielen, die in einer Ghetto-Bar zu Fuß beginnt und mit dem Bösen und dem Polizisten endet Sie hüpften in ihre jeweiligen Autos und der Bösewicht trat direkt vor unserem Helden. Als die Autos in ein industrielles Viertel vorbeirasen, wird die Szene zu einer im Gebet verlorenen Mutter der Polizistin in der Kirche. Sie sind auf der Hammond zu einem voraufgezeichneten Backing-Track unterwegs und spielen Ihren besten Jimmy McGriff oder Jimmy Smith - angespornten, blühenden Blues-Run. Nach Fertigstellung denkt man zu sich selbst: "Das war großartig."
Aber nach einer kurzen Pause, in der Sie durch das Glas des Kontrollraums Ihre drei Zuschauer in intensiven Gesprächen beobachten, lehnt die Musik das Talkback an und sagt: „Das war ziemlich gut. Können Sie jetzt in Takt siebzehn Ihres Akkord-Charts mehr "Rock" klingen lassen, etwa wie Deep Purple? Kannst du dann in den letzten sechs oder sieben Takten mehr zu einem Gefühl des Evangeliums wechseln? Übrigens, wir werden den Track rund um Takt 32 töten, aber wir werden den Klick mit einem Klick verlassen, also machen Sie einen Solo-Übergang vom "rockigeren" Zeug zum Gospel allein, OK? Und denk dran, dass es nach Takt 32 noch 11 weitere Takte gibt, also vergiss nicht zu zählen! “!
11. Schritt
Zu Beginn einer Session hören Studiomusiker oft: „Wir mögen wirklich, was Sie tun, aber wir mögen den Sound nicht. Wir werden hier ein paar Dinge ändern. “Denken Sie jetzt an die unzähligen Gigs, die Sie spielen. Selten, wenn überhaupt, hören Live-Performances auf, sich zu verändern, aber es ist in jedem Aufnahme-Kontext üblich, dass diejenigen, die sich auf der Produktions- / Engineering-Seite des Glases befinden, mitten im Take-Stop aufhören und sagen: „Sie machen großartig, aber wir müssen ein Problem beheben ein paar Dinge. “Nach einer Reihe von Aufnahmen hört jeder in der Studioband über seine Kopfhörer:„ Ihr seid definitiv in der Zone, aber wir müssen die Snaredrum austauschen “, oder:„ Das war großartig solo, aber kannst du es diesmal nochmal mit deinem Strat machen? "
Ein Session-Spieler muss immer bereit sein, sich in dem von der Umgebung bestimmten Tempo zu bewegen. Die Dinge können sich schnell ändern, von rasender Geschwindigkeit zu zeitraubender Akribie. Wenn Sie bei einem Produzenten wie Roy Thomas Baker gebucht werden, sind Sie möglicherweise tagelang auf demselben Grundstück unterwegs, aber wenn Comedy Central Sie zu einer Reihe von Cues für eine Zeichentrickserie anruft, werden Sie wahrscheinlich dreißig bis dreißig erreichen fünfzig kurze Musikstücke in weniger als drei Stunden, Sie müssen also auf beides und alles dazwischen vorbereitet sein!
12. Schöpfung versus Interpretation
Von Live-Musikern wird normalerweise erwartet, dass sie ein bereits vorhandenes Repertoire neu erstellen, in dem das Studio katzt das Repertoire erstellen. Motowns unermesslich einflussreiche Funk Brothers haben dazu beigetragen, den Soundtrack für mehr als eine Generation von Musikkonsumenten zu kreieren, und Sie können darauf wetten, dass die populäre Musikkultur von Bar-Bands bis zu Aufnahmekünstlern ihre Licks und Parts für Jahrzehnte und vielleicht sogar Jahrhunderte dupliziert.
13. Der erforderliche Fertigkeitssatz
Wenn wir zu Kapitel 8 kommen, werden wir uns dies genauer ansehen, aber lassen Sie uns kurz auf die Unterschiede eingehen. Für Spieler der Rhythmusgruppe ist eine ganz andere Stufe der musikalischen Kompetenz erforderlich. Man sollte nicht nur gut Musik lesen können, sondern auch die Top-Session-Musiker können auf eine Vielzahl von Stilen zugreifen und fühlt sich auf einen Moment an. Es braucht auch wirklich gute Ohren und musikalische Geschmacksknospen, um an die Spitze der Session-Musiker-Hierarchie zu gelangen.
Wenn Sie sich oft fragen, warum Led Zeppelin so gut war, sollten Sie sich die Tausenden von Sessions anschauen, die zwischen 1962 und 1968 von Jimmy Page und John Paul Jones in den Londoner Studios protokolliert wurden. Zusammen und getrennt spielten sie alles über Tom Jones ' "Es ist nicht unüblich" zu Donovan "Hurdy Gurdy Man" zu den Kinks "Du hast mich wirklich erwischt" zu den Steinen ' "Satanische Majestäten anfragen". Die ganze Studioarbeit verfeinerte nicht nur ihre ohnehin schon beeindruckenden Koteletts, sondern informierte auch ihre Gaumen und verfeinerte ihre Ohren.
14. Künstler gegen Entertainer
Live-Musiker unterhalten, Studiomusiker sorgen für Unterhaltung. Es ist wie der Unterschied zwischen Schauspielern und Schauspielern auf der Leinwand. Beide erreichen dasselbe Ziel, aber das Theater wechselt von Performance zu Performance, während Film ein einmaliges Dokument ist, das die Zeit überdauert und wiederholte Belichtungen übersteht. Bist du der Aufgabe gewachsen? Die Chancen stehen dir! Sie müssen nur bereit sein, die Arbeit zu erledigen.
15. Venue-Variablen und Studiosituationen
Live-Auftritte stellen fast immer die gleichen Umstände für den Musiker dar. Seine Instrumente, Mitarbeiter und Setlisten (siehe Repertoire oben) ändern sich normalerweise nicht viel oder ohne angemessene Warnung. Nicht so im Studio. Abgesehen von den großen Studio-Bands der 60er und 70er Jahre sind Studiomusiker daran gewöhnt, häufig neue Gesichter zu sehen, sie spielen fast immer neues Material, und obwohl sich die Locations ändern, ist dies bei Live-Locations anders als bei Live-Locations. Zugegeben, die Akustik und das Publikum können sich bei einem Live-Auftritt von Nacht zu Nacht ändern, aber die meisten anderen Elemente bleiben gleich. Nicht so im Studio. Der Session-Musiker lernt in jedem Moment, mit einer Veränderung zu rechnen, da sich die Melodie verändern kann und er möglicherweise aufgefordert wird, einen anderen Part oder ein anderes Instrument zu spielen.
16. Das Live Wolf Pack und der Studio Lone Wolf
Die meisten Live-Auftritte erfordern eine Gruppe und eine beträchtliche Besetzung, es sei denn, Sie sind ein DJ oder ein Solo-Sänger / Songwriter. Aufnahmemusiker treten normalerweise in einem Studio zusammen und kommen von alleine an, so dass eine andere Kameradschaft existiert als die Mentalität „Wir sind alle zusammen in diesem Bus!“. Aufnahmemusiker sind unabhängig und können jedes Mal mit anderen Menschen zusammenarbeiten, wenn sie Musik spielen. Normalerweise nicht für Live-Spieler.
Wie Sie sehen, gibt es viele Unterschiede zwischen Live-Spielen und Spielen im Studio, aber man kann nicht sagen, dass einer besser oder aufregender ist als der andere, da beide ihre Hoch- und Tiefpunkte haben. Aber es geht nicht darum, was besser ist. Es geht darum, die Unterschiede zu kennen, damit Sie besser auf das vorbereitet sind, worauf Sie möglicherweise stoßen.
Während viele der folgenden Punkte auch für das Live-Spielen gelten, liegt der Schwerpunkt auf der Professionalität. Alle Elemente gelten für jede Aufnahmesitzung, mit Ausnahme der Aufnahme in Ihrem eigenen Studio.
Früh ankommen. Sie sollten immer mindestens eine halbe Stunde vor dem Downbeat der Sitzung ankommen. Das bedeutet, dass Sie, wenn Ihre Sitzung um 19:00 Uhr beginnt, um 6:30 Uhr oder früher da sein müssen, um für 7 Uhr bereit zu sein. Sie können nicht erwarten, um 6:55 Uhr dort zu sein und alles cool zu sein. Wenn die Sitzung um 19:00 Uhr beginnt, ermitteln Sie, ob dies Ladezeit oder tatsächliche Downbeat-Zeit bedeutet. Denken Sie daran, dass Sie, wenn Sie Ihre Arbeitgeber warten lassen, wahrscheinlich nicht mehr für sie arbeiten werden.
Schalte dein Mobiltelefon aus! Die Sitzung sollte Ihre Hauptpriorität mit möglichst wenigen Ablenkungen sein. Eine der einfachsten Möglichkeiten, dies zu erreichen, ist das Ausschalten Ihres Handys. Wenn Sie es eingeschaltet lassen, riskieren Sie nicht nur, einen guten Take zu ruinieren, wenn die Klingel ertönt, sondern das Telefonieren ist der beste Weg, um den Schwung einer Session in den Spuren zu stoppen, und es ist für alle anderen Mitarbeiter des Hotels so respektlos Sitzung auch. Machen Sie sich nicht die Mühe, das Gerät auf „vibrieren“ zu setzen, da Sie dadurch genauso schnell den Fokus verlieren wie bei aktiviertem Klingelton. Schalten Sie es aus und lassen Sie es außerhalb des Studios in der Lounge, damit Sie nicht versucht werden, es zu benutzen.
Stellen Sie sicher, dass Ihre Instrumente in einwandfreiem Zustand sind. Dies bedeutet, dass Sie sie professionell überprüfen lassen sollten, damit jede Note ohne unerwünschtes Rauschen wahr ist.
Vergewissern Sie sich, dass Sie Ihre Stimmung auf „A“ der Spur einstellen. Wenn der Song nicht auf den Standard A-440 eingestellt ist, wird eine Spur auf dem Track aufgezeichnet, gegen die Sie abstimmen können. Die Stimmung Ihres Instruments ist beim Tracking wirklich leicht zu übersehen, denn manchmal ist es nicht so offensichtlich, dass Sie verstimmt werden, aber Sie werden jedes Mal, wenn Sie es hören, den Mist rausbringen (ganz zu schweigen vom Produzenten und Komponisten) Für immer abgespielt und immer ist es verstimmt und Sie haben sich nicht die Zeit genommen, es zu reparieren.
Wärmen Sie sich leise auf. Sie müssen sich aufwärmen und jeder erwartet Sie, aber versuchen Sie, so leise zu sein, wie Sie können, damit Sie nicht ablenken. Je leiser Sie sich aufwärmen können, desto mehr wird es jeder zu schätzen wissen.
Machen Sie keine unnötigen Geräusche. Je weniger geredet wird, desto besser. Lassen Sie Ihre Kopfhörer nicht unbedeckt oder drehen Sie sie nicht herunter, wenn Sie sie nicht auf dem Kopf haben. Eine solche Höflichkeit kann einen langen Weg gehen.
Beschwere dich nicht über die Temperatur. Es wird nie perfekt für alle sein, daher ist es sinnlos, dies auch nur zu thematisieren, da es nur eine Ablenkung darstellt. Die einzige Ausnahme ist, wenn es so kalt ist, dass es Ihr Spiel physisch behindert oder Probleme mit Ihrem Instrument verursacht.
Wach bleiben! Hören Sie sich alles an und seien Sie jederzeit bereit zu spielen. Wenn Sie mit anderen Studiomusikern spielen, beobachten Sie den Anführer und hören Sie auf zu spielen, wenn der Anführer aufhört.
Sprechen Sie nicht nach einem Take, bis der Ingenieur oder Produzent sagt, dass es in Ordnung ist. Nichts kann einen Take entweder ruinieren oder für das Produktionsteam viel mehr Arbeit machen als jemand, der am Ende eines Takes gedankenlos einen Kommentar abgibt. Selbst wenn Sie glauben, dass die Aufnahme erneut durchgeführt werden muss, behalten Sie alle Kommentare für sich. Manchmal kann ein Take, der sich schlecht anfühlt, für alle anderen großartig sein.
Scheine immer an der Musik interessiert zu sein. Es ist leicht, sich ein wenig selbstzufrieden zu machen, wenn Ihre Chancen das übertreffen, für das Sie gespielt haben, aber versuchen Sie, dieses Gefühl zu überwinden. Es ist am besten, für diesen Job nur genügend Koteletts zu haben. Nichts mehr und nicht weniger. Angeberei ist ein guter Weg, um nicht zurückgefordert zu werden. Und versuchen Sie nicht, während des Spielens nach vorne zu schauen, es ist ein guter Weg, Ihren Platz zu verlieren.
Bleiben Sie aus dem Kontrollraum. Wenn Sie nicht ausdrücklich gefragt werden, bleiben Sie im Studio. Und wenn Sie gebeten werden, sich eine Wiedergabe anzuhören, essen Sie das Standessen nicht, es sei denn, es wird angeboten. Es ist nicht unbedingt für dich da!
Machen Sie vorher Diagramme, Notizen oder Spickzettel. Auch dies steht unter der Überschrift Vorbereitung. Wenn Sie vor dem Downbeat der Session etwas Zeit haben, fragen Sie nach dem Song (wenn es eine Demo gibt oder Sie Overdubs durchführen werden), damit Sie ein Diagramm oder Notizen erstellen können. Sie möchten nicht die Zeit eines anderen für etwas verschwenden, das zuvor so leicht gemacht werden konnte. Wenn Sie Ihre Diagramme markieren müssen, tun Sie es, damit jeder es später lesen kann, und machen Sie alle Ihre Notizen lesbar.
Packen Sie nicht früh ein. Gehen Sie nicht, bis Sie offiziell entschuldigt sind, und stellen Sie sicher, dass Ihr Bereich aufgeräumt wird, wenn Sie entlassen werden.
Wenn Sie diese Tipps befolgen, werden Sie beim nächsten Mal viel Zeit benötigen, um wieder eingestellt zu werden.
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