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Heute haben wir die Freude, Grafikerin und Typografin Claire Coullon zu treffen. Die gebürtige Französin lebt heute im tschechischen Prag und spricht über ihre Liebe zur Typografie. Sie leitet ihr eigenes Designstudio mit ihrem Partner und ob die Arbeit ihrer persönlichen Beziehung im Weg steht. Sie gibt uns auch einen wertvollen Einblick in ihre handschriftliche Typografie und die Bedeutung des Austauschs mit der Design-Community.
Umgeben Sie sich in Schrift, besessen Sie Buchstaben, wo immer Sie sie sehen. Je mehr Buchstaben Sie betrachten, desto mehr können Sie die Möglichkeiten in ihnen erkennen und wie sich deren Erscheinungsbild durch Alter, Klassifizierung und Kultur unterscheidet.
Ich bin Grafikdesigner und Typograf und betreibe ein kleines Designstudio namens Op45. Meine Hauptinteressengebiete liegen hauptsächlich in den Bereichen Typografie und Druck, insbesondere benutzerdefinierten Schriftarten, Logo-Design und Branding, Handbeschriftung, Layout und Buchgestaltung. Ursprünglich aus Frankreich, bin ich in Europa und im Nahen Osten aufgewachsen und lebe derzeit in Prag, Tschechien. Mein Partner und ich haben seit über 3 Jahren Vollzeit Op45 in Betrieb. Vorher arbeitete ich in einer Agentur für Design und Kommunikation in Brüssel, Belgien.
Wenn ich nicht arbeite, kritzle ich viel (obwohl ich nicht glaube, dass das als "weg von der Typografie" eingestuft würde ...), sich gerne bewegen und reisen, lesen usw. Die Arbeit tendiert dazu, frei zu übernehmen Zeit jedoch viel, was ich versucht habe, mich besser auszugleichen.
Ich habe mich hauptsächlich mit Typografie in einem Kunst & Design-Grundkurs befasst, den ich nach dem Abitur absolvierte. Für jeden Projektauftrag mussten wir diese großen A1-Ideenbretter entwickeln, und meiner hatte oft mehr Buchstabenzeichnungen als alles andere. Ich habe viel Zeit mit dem Zeichnen vorhandener Schriftarten verbracht. Dies war eine großartige Forschung und Übung, um die Feinheiten von Buchstabenformen, verschiedenen Stilen usw. zu erkennen. In diesem Jahr begann ich mich auch für die Übersetzung des Inhalts, der Bedeutung und der Phonetik zu interessieren von Sprache in typografische Visuals, etwas, das mir seitdem geblieben ist.
Während meines BA-Abschlusses waren die meisten meiner frühen Projekte mit handgezeichneten Texten verbunden, obwohl ich damals das Gefühl hatte, dass ich sicherlich auch etwas anderes machen sollte. Ich habe immer versucht, mich zu zwingen, andere Dinge zu tun, wie ein bisschen Illustration, Animation usw. (mit im Allgemeinen sehr mittelmäßigen Ergebnissen), bis mir klar wurde, dass es nicht schummelt oder "zu einfach" ist, das zu tun, was Ihnen am besten gefällt. Während des 3-jährigen Kurses habe ich meistens selbst initiierte Projekte durchgeführt, bei denen hauptsächlich Typografie verwendet wurde. So untersuchte ich Bereiche wie Linguistik, die Töne verschiedener Sprachen, die Personifizierung von Buchstaben und Wörtern, die Erstellung von Buchdruck und Druck, die Kombination von Typ und Fotografie, Rahmenanimationen, einige frühe Schriftentwürfe usw. Mein letztes Projekt war ein Buch, in dem die visuelle Form von Wörtern erkundet wurde, von der ich sehr viel gelernt habe. Natürlich hat sich die Arbeit, die ich jetzt mache, seitdem sehr verändert, aber ich denke, dass der von Hand gezeichnete Hintergrund und der Fokus auf den Prozess definitiv Bestand haben.
Mein Setup ist ziemlich einfach, da ich Dinge nicht wirklich aufrüste, es sei denn, es ist absolut notwendig. Ich verwende für einen Großteil meiner Arbeit einen Mac-Laptop und einen einfachen Scanner / Drucker sowie einen alten Laptopbildschirm als Leuchtkasten. Ich habe kein Tablet und arbeite normalerweise zuerst mit Skizzen, indem ich sie manuell mit dem Stift-Werkzeug vektoriere. Ich verwende Adobe CS3 (meistens Illustrator, aber auch InDesign für Layouts und Fireworks für gelegentliche Webarbeiten) und FontLab Studio für Schriftarten und manchmal Logos. Da ich viel von Hand arbeite, verwende ich viele Skizzenbücher in verschiedenen Größen, Stapel Druckerpapier und verschiedene Stifte, Bleistifte, eine Feder und einige Pinsel.
Als ich vor Jahren meine erste Portfolio-Website erstellt hatte, meldete sich eine meiner ehemaligen Kunstlehrerinnen, als sie nach etwas Ähnlichem suchte, um ihre und die Bilder ihres Mannes zu präsentieren. Da Darren über Hintergrundwissen im Bereich Webdesign und Kunst verfügte, haben wir gemeinsam eine Website, eine kleine Animation und ein kurzes Musikstück entworfen, die dank ihrer Empfehlung zu einem anderen Projekt führten. Während wir daran arbeiteten, dachten wir, es wäre sinnvoll, wenn unsere eigene Website so kurz auf einen Namen hin und her ging, und es ging einfach von dort weiter. Leider sind wir jedoch bei der Aktualisierung unserer "aktuellen" Website ernsthaft hinterher!
Es war ziemlich seltsam in dem Sinne, dass es nicht geplant oder sogar wirklich durchdacht war; es ist einfach passiert. Ich habe meinen Job aufgegeben, als wir nach Großbritannien gezogen sind, und während ich dort kurz nach einer anderen Position gesucht habe, haben wir ein paar größere Projekte bekommen und haben gerade Vollzeit den Op45-Betrieb beendet. Ich denke, dass die Arbeit in einer Agentur zuerst wichtig war, da sie sich so sehr vom Universitätsumfeld unterscheidet, in dem ich viel häufiger an selbst initiierten Projekten gearbeitet habe als „real life briefs“, mit lockeren Fristen usw.
Einer der größten Profis der Arbeit als In-House-Designer fühlte sich auf jeden Fall mit der technischen Seite der Dinge vertraut: Schreibvorschläge, Kundenpräsentationen, Abstimmungen mit Druckern und Entwicklern usw. Ein weiterer Vorteil bestand darin, mit größeren Unternehmen innerhalb der Firma zusammenzuarbeiten Ihr Unternehmensstil ist eine gute Übung, um sicherzustellen, dass Ihr persönlicher Stil äußerst flexibel ist und unauffällig sein kann. Jedoch Nachteile wie; Nicht in der Lage sein, die Projekte auszuwählen, weniger Kontrolle zu haben und nicht immer in der Lage zu sein, während eines Briefings direkt mit einem Kunden zu sprechen Ich hielt mich ein wenig zu weit von der Arbeit entfernt und sie würden zu wichtigen Vorteilen der selbständigen Arbeit werden.
Natürlich hängt das alles stark von Art, Stil und Größe der Agentur sowie von Ihrer individuellen Rolle ab. Als Selbständige bin ich auch sehr gerne in der Lage, meinen eigenen Fokus zu wählen. Je nach bestimmten Tagen / Kunden / Zeitzonen usw. gibt es völlig unterschiedliche Zeitpläne. Die Nachteile sind meistens nur die typischen Probleme im Umgang mit der Verwaltungsseite eines Unternehmens. Wenn Sie sicherstellen, dass die Arbeit nicht in Ihre eigene Zeit fließt, kann es auch schwierig sein, die Balance zu halten, insbesondere wenn Sie Spaß daran haben. Für einen Designstil bekannt zu werden, kann ein wenig einschränkend sein. Beim Aufbau eines Portfolios können Sie mit weniger neuen Herausforderungen rechnen.
Die Zusammenarbeit hat weder die Beziehung belastet noch gezwungen, uns von der Arbeit zu trennen, unser Verhältnis bleibt gleich und das Studio ist immer entspannt.
Es ist selbstverständlich, dass wir sowohl Ideen als auch Vorschläge sehr leicht voneinander lösen und dies seit Jahren tun. Obwohl wir oft getrennte Projekte haben, sind wir im Laufe der Jahre auf den Respekt der Meinungen der jeweils anderen Medien angewiesen und es hilft vor allem, Feedback von jemandem zu erhalten, der Sie genau so gut kennt wie die Arbeit. Die Zusammenarbeit hat weder die Beziehung belastet noch gezwungen, uns von der Arbeit zu trennen, unser Verhältnis bleibt gleich und das Studio ist immer entspannt. Wir verbringen viel Zeit miteinander, es ist also nicht wirklich nötig, Arbeit und Leben in diesem Sinne in Einklang zu bringen - die beiden sind ziemlich glücklich miteinander verwoben.
Normalerweise beginne ich auf die gleiche Art und Weise wie Logos oder andere benutzerdefinierte Arbeiten: indem ich viele schnelle Variationen herausgreife, um herauszufinden, was am besten funktioniert. Typischerweise werde ich dann basierend auf den Rohentwürfen locker bessere Versionen nachzeichnen oder neu zeichnen, und dabei Dinge wie Gewicht, Zusammensetzung und Abstand berücksichtigen und verbessern. Dies hängt jedoch stark von der Art des Projekts und seinem beabsichtigten Stil ab. Für einige unbeschwerte persönliche Projekte plane ich normalerweise sehr wenig oder keine Planung und zeichne sofort mit dem Stift (z. B. für Grußkarten oder Skizzenbücher) oder halte mich einfach an den Stift. Die Ergebnisse haben immer einige natürliche Unvollkommenheiten und eine sehr offensichtlich von Hand gemachte Ästhetik, aber letztendlich ist dies der Reiz des Ansatzes. Ich arbeite gerne auf diese Weise, da ich dazu gezwungen bin, die Details loszulassen und zu akzeptieren, dass es schlechtes Kerning, ungleichmäßige Gewichte usw. geben wird. Es ist ein schöner Kontrast zum digitalen Arbeiten, bei dem ich oft viel Zeit damit verbringe, zu verfeinern und zu arbeiten geringfügige Anpassungen vornehmen. Ich glaube jedoch nicht, dass ich eins lieber als das andere, vor allem, weil ich normalerweise mit dem Zeichnen von Hand beginne, ob es danach digitalisiert wird oder nicht.
Das liegt vor allem daran, dass ich den Prozess und die Entwicklung von Projekten mag, oft genauso wie die letzten Stücke. Ich lese immer gerne Making-of-Artikel für Schriften, da sie alle Details und Kleinigkeiten hervorheben, die auf den ersten Blick nicht erkennbar sind. Beim Aufbau meiner Website kann ich auf diese Details hinweisen, wie zum Beispiel auf dem Cuberto-Logo. Hinter der visuellen Arbeit stehen immer Konzepte, spezifische Entscheidungen und Argumente, daher ist es sinnvoll, dies zu betonen und zu zeigen, dass es nicht nur ein schönes Bild ist.
Es ist auch nützlich, potenziellen Kunden zu zeigen, wie ich an Projekte herangehe und einen Eindruck vom Designprozess bekomme. Das Bookouture-Projekt zum Beispiel zeigt wirklich den potenziellen Nutzen der Untersuchung mehrerer Konzepte, da wir uns von den besten Elementen aller drei anfänglichen Skizzen inspirieren ließen, um ein stärkeres Schlussstück zu schaffen.
Als ich mich zum ersten Mal auf die Idee machte, meine Portfolio-Website auf diese Weise zu erstellen, habe ich nicht gedacht, dass sie für jeden besonders hilfreich ist, da sie nicht wirklich in einem Tutorial / How-To-Verfahren aufgebaut ist, sondern eher als Dokumentation jedes einzelne Stück. Ich habe jedoch seitdem herausgefunden, dass es nützlich ist, andere Beispiele von bestimmten Schritten direkt zeigen zu können - insbesondere die Skizze zur Vektorphase und wie viel Variation zwischen der verfeinerten Skizze und der endgültigen digitalen Arbeit besteht.
Ich bin mir nicht sicher, ob es meiner Meinung nach wichtig ist, der Grafikdesign-Community etwas zu geben. Designer und Künstler haben seit jeher Einfluss auf andere Werke genommen, ohne dass tatsächlich etwas direkt gegeben werden muss. Aber wenn ein Teil dessen, was die Arbeit im Design so angenehm macht, einfach dazu führt, dann ist das für jeden recht gut.
Ein Blick auf die Typografie ist eine großartige Möglichkeit, tiefer in sie einzutauchen. Umgeben Sie sich in Schrift, besessen Sie Buchstaben, wo immer Sie sie sehen. Je mehr Buchstaben Sie betrachten, desto mehr können Sie die Möglichkeiten in ihnen erkennen und wie sich deren Erscheinungsbild durch Alter, Klassifizierung und Kultur unterscheidet. Wenn Sie über bestimmte Buchstaben oder bestimmte Kombinationen nachdenken, schauen Sie sich Beispiele auf MyFonts an oder lesen Sie die Schriftkritiken zu Typophile. Dies kann sehr hilfreich sein, um die verschiedenen Wege zu betrachten, auf die andere die gleiche Überlegung angegangen sind. Abgesehen von der Beobachtung ist das Lesen einer detaillierten Analyse typografischer Arbeit auch hilfreich, wie etwa Typprüfungen auf der Typographica-Website oder Beschreibungen in Büchern wie Bringhursts The Elements of Typographic Style. Skizzieren eignet sich auch hervorragend zum Erkunden - ob Sie nun von Grund auf kritzeln oder nur Zeichnungen vorhandener Schriftbilder und Buchstaben üben. Ihre Skizzen müssen nicht ordentlich oder verfeinert sein, im Gegenteil, regelmäßige Grobzeichnungen sind viel nützlicher, um zu verstehen, wie Buchstabenformen erstellt werden und wie sie zusammenfließen können.
Die Praxis ist natürlich von unschätzbarem Wert, aber auch das Wissen um die Theorie und den historischen Hintergrund der Typografie: Trainieren Sie sich selbst so scharf und diskriminierend wie möglich, indem Sie sich nicht nur mit den Werken anderer umgeben, sondern auch lernen, wie und warum hinter den typografischen Erfolgen. Ich denke, dass es wichtig ist, die Grundprinzipien beim Zeichnen zu verstehen, unabhängig davon, für welche Art von Arbeit Sie sich interessieren. Es ist beispielsweise wichtig, sich der üblichen optischen Täuschungen bewusst zu sein: Horizontale werden optisch schwerer als vertikale, gekrümmt Striche wirken in der Regel dünner als gerade, runde oder spitze Buchstaben erscheinen kleiner als kantige Buchstaben usw. In ähnlicher Weise ist es auch wichtig zu wissen, dass Sie die Buchstaben nicht auf ein unveränderliches Gitter / eine Struktur oder zwingende Zeichen beschränken müssen nicht fließen natürlich, weil die Ergebnisse oft unangenehm aussehen. Letztendlich geht es darum, was für das Auge richtig aussieht, und nicht streng das, was die Maße / Richtlinien vorschreiben.
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