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In diesem Tutorial werden wir den gesamten Prozess der Erstellung einer Instrumentalkomposition von den ersten Skizzen einer Idee bis zum endgültigen Mix durchlaufen. Natürlich gibt es tausend Möglichkeiten, ein Musikstück zu schreiben, dies ist nur eine Methode.
Sie sollten nicht erwarten, diese Methode für alles zu verwenden, was Sie jemals schreiben, aber es sollte hilfreich sein, wenn Sie einen Prozess zum Entwickeln einer Komposition in diesem Stil sehen.
Dies wird nicht in Film geschrieben, daher gibt es kein Drama, das durch die Action auf der Leinwand diktiert wird. Im Allgemeinen möchte ich, dass die Entwicklung des Stücks mich dahin führt, wo es hin möchte, und ich werde nur ein paar Dinge planen. Ich möchte einen 1: 30-2: 30-minütigen Instrumental-Track im Drama- / Thriller-Stil erstellen. Das Stück sollte sich bei bestimmten interessanten Momenten geheimnisvoll anfühlen. Das ist alles, was ich planen werde, wir werden sehen, wohin uns der Rest führt.
Denken Sie auch daran, dass es eines der Ziele beim Schreiben dieses Stücks ist, es schnell herauszuholen. Obwohl wir es gut machen wollen, finden wir auch gute Orte, an denen Sie Abkürzungen wie Wiederholung von Abschnitten oder Schleifen von Ideen finden können.
Das erste, was ich gerne mache, ist, ein grundlegendes Fragment zu finden, um mich anzufangen. Ich könnte Tage damit verbringen, auf eine leere Seite / Bildschirm zu starren, ohne zu wissen, wo ich anfangen soll. Das Beste, was ich tun kann, ist, einen Sound zu laden und einfach mit dem Nudeln zu beginnen. Sie können mit allem anfangen, was Sie möchten, obwohl ich mich im Allgemeinen eher auf Instrumente lehne, die sich als MIDI gut anhören werden, wie beispielsweise Pianos, Keyboards, Harfen oder Mallet-Percussion.
Vibes klingen im Moment für mich sehr interessant, also lade ich ein einfaches Vibes-Instrument in EXS. Fügen Sie einen Hauch von Reverb für Flavour hinzu und dann fange ich einfach an, auf der Tastatur zu spielen, ohne zu klicken, riffing nach verschiedenen Mustern und Licks und versuche, nach etwas zu spüren, das sich inspirierend anfühlt.
Zu diesem Zeitpunkt gibt es nicht viel Wissenschaft, aber im Allgemeinen suche ich etwas mit ein paar grundlegenden Anforderungen:
So haben sich einige meiner Nudelgerichte so angehört:
Nach ungefähr 8 Minuten Durcheinander landete ich auf diesem Lecken, von dem ich dachte, dass es Potenzial hatte:
Was mir an diesem Lick gefällt, ist sowohl der springende Rhythmus der ersten zwei Beats (One - und Two - als auch Three -), aber auch das Tritonintervall in der Melodie der zweiten beiden Beats (E Bb Ab E). Beachten Sie die niedrigen Eb-Werte der Beats 1 und 3, die sehr erdig und ruhig sind. Ich halte auch das Sustain-Pedal für die gesamte Lecke gedrückt, wodurch ein geräumiges Gefühl entsteht.
Ich habe nicht mit einem Klick aufgenommen, also muss ich jetzt das richtige Tempo finden (fühlt sich etwa 85 bpm an) und spiele in einer saubereren Version. Ich werde es auch quantisieren und die Geschwindigkeiten gleichstellen, um alle gleich zu sein, indem Sie das MIDI-Regionsparameter-Feld in der oberen linken Ecke des Arrange-Fensters verwenden.
Hier ist unser aufgeräumter Lick:
Dies ist die einzige Stufe, in der wir das Stück schreiben, in dem wir Zeit verbringen, um uns eine Idee zu machen. Von hier an ist es das Ziel, die Ideen so schnell wie möglich aus den Köpfen und in die Sitzung zu holen. Vertraue deinen Instinkten. Wenn Sie eine coole Piano-Linie in Ihrem Kopf hören, nehmen Sie sie herunter und fahren Sie dann weiter. Stunden können vergeudet werden, wenn dieselben zwei Schritte immer und immer wieder durchlaufen werden, bis Sie denken, dass sie "perfekt" sind, aber zu diesem Zeitpunkt haben Sie das Material so viel gehört, dass Sie alle Perspektive verloren haben. Denken Sie daran, dass Musik linear ist und sie fließen lässt.
Nun, da wir unsere erste Idee haben, können wir damit beginnen, alles um sich herum zu entwickeln. Die einfachste Sache, die ich tun kann, ist, meine Region auszuwählen, L zu drücken und sie in die Unendlichkeit zu schleifen.
Bei der fünften Wiederholung würde es anfangen, mich ein bisschen verrückt zu machen. Im fünften Takt höre ich einen harten Bass und einen Drum-Hit, also lade ich einen Bass- und Taiko-Drum-Patch und lasse sie einen langen Eb treffen.
Der Taiko-Hit ist ziemlich langweilig, also würzen wir ihn, indem er eine 32. Note-Note hinzufügt. Es wird nicht völlig anders sein, aber es wird etwas mehr Feinheit hinzufügen. Beachten Sie, dass ich die Geschwindigkeiten erhöht habe, bis der Downbeat der lauteste Treffer ist.
Es gibt noch einige Dinge, die wir tun sollten, um die Einführung interessanter zu gestalten, aber wir werden die Feinabstimmung für später speichern. Es ist wichtig, dass wir weiter vorankommen und daran arbeiten, das Gesamtbild zu erfassen.
In Takt 9 haben wir viel von der Einführung gehört und der Vibes-Lick beginnt sich ein wenig zu zermürben, also sollten wir die Dinge abholen, indem wir unser Haupt-A-Material einbringen. Ich höre Streicher auf einer einfachen Melodielinie, die ich über den Vibes spielen werde.
Ich werde die Geschwindigkeiten abflachen, die Zeit quantisieren und Modulation verwenden, um Dynamik und Form zu erzeugen. Einzelheiten zur Verwendung der Modulation auf diese Weise finden Sie im Tutorial "So erstellen Sie ausdrucksstärkere MIDI-Musik".
Obwohl diese Melodielinie sehr einfach ist, gibt es einige wichtige Dinge zu beachten. Es gibt ein rhythmisches Muster, bei dem der B-Tonabnehmer in absteigende Noten geht. Der dritte Takt ist der Höhepunkt der Phrase, denn das B natürlich ist nicht nur die dissonanteste Note des Patterns, sondern auch das rhythmische Pattern wurde verletzt. Anstelle des gepunkteten Halbton-zu-Viertel-Musters, das wir festgelegt haben, haben wir zwei Halbnoten. Beide Elemente machen dieses Maß am spannendsten, wodurch sich das lange B-Gefühl am Ende besonders entspannt und entspannt anfühlt.
Beachten Sie, dass die Melodie fünf Takte lang ist anstatt der typischen vier. Dies erlaubt uns nicht nur bei diesem fünften Takt etwas zu atmen, sondern es ist auch eine subtile Weise, um das perfekte Gleichgewicht gerader Phrasen zu stören, was einen Anflug von Interesse und Instabilität hinzufügt.
Lassen Sie uns diesen Satz wiederholen, aber dieses Mal anstatt einer abfallenden Melodie werde ich ihn umdrehen und nach oben klettern, um wieder die dissonante Note für den "Höhepunkt" des Satzes zu speichern, bevor Sie sich auf dem Eb entspannen.
Nun, da wir eine Zwei-Phrasen-Melodie haben, können wir dies als unseren A-Abschnitt betrachten. Da wir es nur einmal gehört haben, wiederholen wir es, aber diesmal werden wir es interessanter halten, indem wir die Orchestrierung intensivieren.
Ich werde am Ende des ersten A-Abschnitts zwei Takten lassen, bevor wir mit unserer Wiederholung beginnen, die als Moment des Atmens und zur "mysteriösen" Qualität dienen wird, die wir anstreben.
Ich werde die Saiten wiederholen, aber diesmal verdopple ich sie mit einem gruseligen Synth. Ich habe den Starry Night-Patch gewählt, der in Sculpture voreingestellt ist. Ich werde es um eine Oktave erhöhen und das Ergebnis gibt der Melodie mehr Sehnsucht.
Als Nächstes füge ich dem Gesamtgefühl mehr Intensität hinzu, indem der Bass in jedem Takt eine tiefe Eb-Note hat. Das Teil selbst ist nicht sehr interessant, aber es fügt alles um es herum Gewicht hinzu.
Die andere Sache, die eine Variation gebrauchen könnte, ist unser müder Vibes-Leck, also versuche ich es auf Harfe zu verdoppeln, um zu sehen, ob es genug wird. Ich werde es eine Oktave lang haben und auch sehr leise, also ist es nur ein bisschen spürbar.
Also hier ist was wir bis jetzt haben:
Und wie die Sitzung aussieht: (siehe die Abschnitte, die wörtliche Kopierpasten früherer Materialien sind)
Es ist immer noch etwas langweilig, aber jetzt haben wir einen Überblick, worauf es an dieser Stelle ankommt.
Wie ich zu Beginn erwähnte, ist meine Ziellänge für das Stück nur 1: 30-2: 30. Da wir bereits um 1:15 Uhr sind, habe ich keine Zeit, um einen durchdachten B-Abschnitt zu entwickeln. Auf der anderen Seite könnte das Stück eine Art Variation verwenden, denn eine weitere Wiederholung des A-Abschnitts wäre ziemlich langweilig. Um dieses Problem zu lösen, werde ich einen sehr kurzen B-Abschnitt erstellen, der auf dem A-Material basiert und nur einige kleine Änderungen enthält.
Das offensichtlichste, was ich ändern kann, ist die Harmonie, die seit Beginn des Stücks auf einem Eb-Pedal war. Ich werde hier überhaupt nicht komplex. Einfache Änderungen der Harmonie können genauso effektiv sein wie weniger häufig, daher muss der B-Abschnitt auf einem Ab beginnen. Um dies zu tun, muss der Bass einen schönen, fetten Ab legen und ein paar Tonhöhen in unserem Vibes ostinato anpassen, um die Änderung widerzuspiegeln.
Ich mache den Ab für zwei Takte und dann für zwei Takte zurück nach Eb. Beachten Sie, wie der Ab (der iv-Akkord) sich anfühlt, als würde er uns anheben, und dann setzt uns der Eb wieder zurück.
Ich denke, hier ist ein guter Platz für unsere Taiko, also lege ich ein sehr einfaches Muster auf, das ich auch mit dem Bass nachahmen werde. Hier sind beide Teile (der Bass ist in Rot):
Zum Schluss füge ich den Streichern und dem Synth noch eine Melodie hinzu, wieder etwas sehr einfaches. Ich werde dann die gesamten vier Takte für einen Acht-Takt-Abschnitt B wiederholen.
Etwas Interessantes geschah, als ich die Melodie, die ich im Kopf hörte, hinzufügte, was zwar ungewollt, aber gut funktionierte. Ich hatte die Harmonieänderung von Ab Moll nach Es-Moll beabsichtigt, aber aufgrund der Melodienoten hatten wir tatsächlich D-Moll / Ab bis Es-Moll. Funktionell dient es immer noch meinem Zweck von Anspannung und Entspannung, jedoch auf andere Weise als erwartet.
Die B-Sektion gab uns die Chance, uns vom A-Material zu erholen. Wenn wir es also zurückbringen, wird es nicht mehr so langweilig. Wiederholen wir den vollständigen A-Abschnitt nur noch ein letztes Mal als das Ende unseres Stücks. Alles, was ich tun werde, ist, unseren zweiten A-Abschnitt zu kopieren und einzufügen und ihn nach dem B-Abschnitt zu platzieren. Einfach genug, aber ich werde eine Anpassung vornehmen, so dass es eher ein "Ende" ist, indem einige Elemente für die letzte Hälfte des Abschnitts herausgenommen werden. Ich werde alles bis auf den Synth und die Harfe für die letzte Phrase stummschalten, wodurch das Stück mehr Gefühl bekommt, dass es zu Ende geht.
Hier ist das gesamte Stück bis jetzt, von dem ich sagen würde, dass es 90% sind:
Nun, da die Grundkomposition vorhanden ist, ist es Zeit, zurück zu gehen und interessante und farbliche Elemente hinzuzufügen. Das bedeutet nicht, dass wir das Ganze einfach mit Percussion und Effekten abdecken sollten, da das Stück für sich alleine funktioniert. Wir sollten nur ein paar schöne Momente finden, um Interesse und letzte Details zu schaffen.
Um diesen Prozess effizient zu durchlaufen, finde ich es hilfreich, das gesamte Stück zu hören und unterwegs Notizen zu machen, was es zu verwenden gilt. Dann wird die Liste einfach zu einer Checkliste, die Sie schnell nacheinander aktivieren können. Wie ich bereits erwähnt habe, könnten Sie Stunden damit verbringen, sogar zwei Schritte immer wieder zu wiederholen, bis Sie sich verrückt gemacht haben. Stattdessen zwingt mich diese Technik dazu, reinzukommen, fertig zu werden und weiterzugehen.
Ich höre mir das Stück an und möchte Folgendes hinzufügen.
Alle diese Hinweise behandeln entweder das Ausfüllen von Lücken, das Hinzufügen eines Elements, um einen Abschnitt eindeutig zu machen, oder das Ziehen in neue Abschnitte. Jetzt gehe ich die Liste durch
Beginnen wir mit einem interessanten Sound am Anfang. Interessant muss nicht ungewöhnlich oder komplex sein, auch eine starke Trommel kann eine interessante Möglichkeit sein, uns abzulenken. Ich werde für einen langen und tiefen Bassdrum-Hit gehen. Ich mache es schön und tief, indem ich EQing vom High End mache und lange, indem ich sein eigenes Reverb-Plugin hinzufüge.
Als nächstes füge ich der Einleitung ein gruseliges Pad hinzu. Ich werde einen Grundklang mit viel Bewegung wählen, der in Verbindung mit den Vibes ostinato unserem Gehör eine größere Herausforderung gibt, um mithalten zu können. Ich habe die "Random Wave Groove" -Voreinstellung in ES2 geladen, die allein schon zu explos klingt.
Nachdem ich es im Reverb gebacken und vom unteren Ende abgerollt habe, klingt es mysteriöser. Ich werde es am Anfang einblenden und dann wieder in den ersten A-Abschnitt hinausgehen.
Als nächstes haben wir den Beckenabstrich in Takt fünf, einfach genug. Ich werde auch etwas Hall und Verzögerung hinzufügen.
Als nächstes habe ich eine Notiz, um den Shaker zum ersten A-Abschnitt hinzuzufügen. Ich werde einen Live-Shaker aufnehmen, dessen Unvollkommenheiten eine subtile Nuance hinzufügen werden (kaum wahrnehmbar, aber es hilft). Ich habe nur den A-Abschnitt in den Notizen markiert, aber ich werde es durch das ganze Stück aufnehmen (es dauert nur zwei Minuten!), Damit ich auswählen kann, wo ich es sonst noch haben möchte.
In diesem Fall fange ich im zweiten Teil der Einführung an. Hier ist unser neues Intro in den ersten A-Abschnitt:
Für das Pad verwende ich etwas sehr dünnes und glattes, das Calming-Preset von EFM1. Meistens nur ein Eb und Bb gedrückt halten, aber dann das Intervall von Gb zu Eb von der Melodie am Ende des Echos. Ich denke auch, ich brauche ein wenig mehr, um den Platz am Ende des ersten A-Abschnitts auszufüllen, damit ich das Pad aus der Einleitung zurückbringe.
Ich habe meine Meinung über den Sound geändert, der uns in die zweite A-Sektion zieht. Ich habe das Gefühl, dass Bass und Synth genug sind, um Build und Entwicklung vorzuschlagen, ohne den Anfang jeder neuen Sektion mit einem großen Hit über unsere Köpfe zu schlagen. So klingt jetzt der zweite Teil unseres ersten A-Abschnitts:
Ich werde das Beruhigungspad erneut für die zweite Phrase des A-Abschnitts verwenden, diesmal nur etwas lauter. Ich werde den Beckenabstrich auch als Führung für die B-Sektion verwenden.
Als nächstes kommt die Percussion in der B-Sektion. Ich habe den Shaker bis zu diesem Punkt aufrechterhalten lassen, also werde ich nur ein weiteres Lichtelement hinzufügen: eine tickende Hi-Hat. Ich füge auch eine Beckenrolle hinzu, die aus dem B-Bereich kommt und uns in den letzten A-Bereich zieht. Hier ist das neue B:
Ich habe den Shaker im letzten A-Abschnitt gestoppt, um mit der Idee zu beginnen, dass die Dinge zum Erliegen kommen.
Im letzten Satz bringe ich sowohl unser Calming-Pad als auch das sich bewegende Intro-Pad mit, was ein Gefühl von Raum gibt, und beide werden mit dem Synth am Ende ausgeblendet.
Ich benutze einen Ritard, um der Harfe das Gefühl zu geben, dass sie Dampf aufgibt. Dazu lege ich einen Tempo-Punkt fest, an dem die Rit beginnen soll, messen Sie 46, und wo ich will, dass sie endet, 49.
Als Nächstes verwende ich den Tempo-Editor, um den Ritard zu erstellen, indem Sie den letzten Punkt nach unten ziehen und wieder hören, bis es sich richtig anfühlt. Ich werde auch die Kurve anpassen, um später im Satz langsamer zu werden.
Zum Schluss werde ich das Ende des Harfen-Ostinato aufräumen, so dass die letzten beiden Töne sehr leise zusammen enden.
Hier ist unser neues Ende:
So sieht das letzte Stück im Sequenzer aus:
Nun da ist es, jetzt werden wir ein paar grundlegende Mastering-Maßnahmen hinzufügen und sind fertig!
Viele von Ihnen würden wahrscheinlich erwarten, dass es jetzt an der Zeit ist, einen Mix zu machen, jetzt, da alle Elemente vorhanden sind. Nun, ich denke, für die Art, wie wir schreiben, ist das Zeitverschwendung. Da jedes Element während des gesamten Prozesses unter unserer Kontrolle stand, haben wir sie während der Arbeit gemischt. Wenn Sie es so weit geschafft haben, das Stück zu schreiben, und nicht gemischt wurden, wäre ich sehr überrascht. Was genau erwarten Sie am Ende??
Unser "Mix" sollte aus einem oder zwei letzten Pass bestehen, nur um sicherzustellen, dass alles gut sitzt und funktioniert. Ich werde hier und da ein paar Stufen anpassen, aber im Allgemeinen wird alles in Ruhe gelassen.
Für sehr schnelles und schmutziges Mastering neige ich dazu, ein Logic-Preset zu laden und ggf. geringfügige Anpassungen vorzunehmen. Für dieses Stück verwende ich eigentlich den falsch benannten Final Pop Master Wide und die Standardeinstellungen für Multipress, Direction Mixer und AdLimit. Anstelle des Match-EQ verwende ich einen normalen Kanal-EQ und überprüfe mit dem Analysator, dass keine Frequenzen außer Kontrolle sind. Oft werde ich am Ende etwas vom unteren Ende rollen und ein Regal am oberen Ende mit einer Berührung anheben.
Natürlich ist dies nur ein schneller und funktionaler Weg, um ein einfaches "Mastering" durchzuführen. Es gibt fantastische Techniken, um einen seriösen Job zu machen, und ich empfehle Ihnen, sich die Audiotuts + Mastering-Tutorials anzuschauen, aber mit dem Fokus auf die Ausgabe von Musik funktioniert diese Methode gut.
Also hier ist es das letzte Stück. Im Allgemeinen dauert die Erstellung eines Stücks weniger als eine Stunde, weniger als zwei, wenn ich ein paar Live-Elemente aufnehmen möchte. Es ist kein Kunstwerk, aber es funktioniert und entspricht unseren Stil- und Längenkriterien. Dies ist Musik, um eine Funktion zu erfüllen (vielleicht zur Unterstreichung in einer Fernsehsendung oder einem Film). Wir schreiben sie nicht, um einen Auslass für wahre Selbstdarstellung zu schaffen. Aus diesem Grund ist es wichtig, über Methoden zu verfügen, um diese Art von Musik schnell und effektiv produzieren zu können.
Accentsconagua