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Für viele Musiker ist die Musikproduktion entweder eine Art Zauberei oder eine überstürzte Koje. Es stimmt zwar, dass entweder eine Möglichkeit besteht, die Arbeit eines Produzenten ist jedoch meistens mit harter Arbeit, Erfahrung, guten Ohren und einem echten Gefühl dafür verbunden, was die Musik funktionieren lässt. Diese Serie über Musikproduktion basiert auf meinem neuen Buch "The Music Producer's Handbook", in dem ich einige grundlegende Produktionstechniken skizzieren und hoffentlich das Geheimnis des Geheimnisses aus dem Prozess entfernen werde. Beachten Sie, dass wir uns die Beziehung eines Produzenten zu einer Band oder eines Künstlers zu einer Begleitband oder Studiomusiker ansehen werden. Wir werden uns später in der Serie mit der Eigenproduktion beschäftigen.
Vorproduktion ist die Zeit, zu der alle Songs und Arrangements ausgearbeitet und verfeinert werden, bevor sie zum Aufnehmen ins Studio gehen. Es kann in einer Garage, einem Schlafzimmer oder einem Proberaum stattfinden und dauert von wenigen Tagen bis zu einigen Monaten.
Ein langer Zeitplan für die Vorproduktion ist im Allgemeinen eine Funktion der Arbeit mit Künstlern oder Bands, die ihre eigenen Songs schreiben und früh in ihrer Karriere sind, da die Songs und Arrangements manchmal einiges an Optimierungsaufwand erfordern. Künstler und Bands, die später in ihrer Karriere sind, haben normalerweise ein größeres Gefühl für Arrangement und musikalische Ausführung und sind musikalisch so weit entwickelt, dass die Vorproduktionsphase dadurch auf ein Minimum reduziert wird.
Es gibt kaum eine Vorproduktion für Werbespots und Film- oder Fernsehpartituren, da der Komponist das Arrangement im Voraus ziemlich gut ausgearbeitet hat und die Musiker so geschickt sind, dass sie es vor Ort lernen oder lesen können.
Wenn genug Zeit zur Verfügung steht, wird die Vorproduktion in drei Abschnitte aufgeteilt: vor, während und nach den Proben. Jeder spielt eine wichtige Rolle bei der Vorbereitung des Künstlers oder der Band auf die eigentliche Aufnahme.
Bevor die erste Probe beginnt, nimmt sich der Produzent in der Regel Zeit, den Künstler oder die Band kennenzulernen, und umgekehrt, wenn sie sich noch nicht gut kennen. Es muss eine Zeit geben, in der ein Rapport- und Komfortniveau entwickelt wird, damit die Dinge im Studio reibungslos verlaufen können.
Einer der wichtigsten Aspekte beim Kennenlernen eines Künstlers besteht darin, zu erfahren, welche Musik sie liebt, von ihr beeinflusst wurde und jetzt hört. Ein effektiver Weg, dies zu tun, hat seine Wurzeln in den Tagen der Vinyl-Schallplatten, als der Produzent zum Haus des Künstlers ging und sie eine Menge Alben aus ihrer Sammlung auf den Boden werfen und dann beschreiben sollte, was ihnen gefiel und was nicht. Ich mag jeden von ihnen nicht. Sie können dasselbe auch mit CDs machen oder ein Telefon, einen iPod oder eine iTunes-Wiedergabeliste verwenden (natürlich ohne zu werfen). Zu den Fragen, die Sie stellen können, gehören:
Was magst du an dem Künstler, den du gerade hörst oder nicht? Warum?
Magst du den Sound der Aufnahme? Warum?
Welche Aufnahmen mögen Sie? Warum?
Was sind deine Lieblingsplatten? Warum?
Was sind deine größten Einflüsse? Warum?
Was gefällt Ihnen an meiner Arbeit (dem Produzenten - wenn Sie bereits eine Arbeit haben)? Warum?
Diese Fragen vermitteln dem Produzenten ein Verständnis der Einflüsse, Vorlieben und Abneigungen des Künstlers, wodurch er dem Produzenten eine bessere Vorstellung davon vermittelt, was der Künstler oder die Band benötigt, um die kommende Aufnahme zu hören.
Es ist auch wichtig, zusammen zum Abendessen zu gehen, sich zu entspannen und einige der Hot-Button-Probleme zu verstehen. Wenn der Sänger beispielsweise ein starkes Gefühl der Einwanderung hat oder der aktuelle Status der lokalen oder nationalen Politik zu einem Aufruhr zwischen den Bandmitgliedern führt, weiß der Produzent, dass er sich von diesen Problemen fernhalten muss, um effizient Arbeit zu erledigen später während der Produktion. Wenn die Freundin des Schlagzeugers sich gerade von ihm getrennt hat und er sich ziemlich deprimiert fühlt, ist es gut zu wissen, dass Sie sich nicht in die Nähe des Themas begeben, wenn Sie eine großartige Leistung erzielen möchten. Auf der anderen Seite erhalten Sie möglicherweise eine noch bessere Leistung, wenn das Thema zur Sprache kommt, also ist es an der Zeit, herauszufinden, welchen Weg Sie gehen sollen.
Während sich der Produzent auf die Politik des Künstlers oder der Band einlässt, kann er einem depressiven Spieler zur rechten Zeit helfen, das Projekt voranzubringen, aber die ganze Idee ist, die Band auf die anstehende Aufgabe zu konzentrieren macht tolle Musik. Das bedeutet, die Ablenkungen auf ein Minimum zu beschränken, insbesondere diejenigen, die sich selbst zufügen, wie Kontroversen über andere Dinge als Musik.
Eine weitere Sache, die für den Produzenten wichtig ist, ist die Festlegung der Grundregeln für die Arbeit im Studio während der Vorproduktion. Wenn der Produzent von vornherein sagt: "Wir werden jeden Tag von Mittag bis 21.00 Uhr arbeiten, wenn wir nicht eine Rolle spielen, aber ich verspreche Ihnen, dass Sie bis Mitternacht zu Hause sind", neigen die Spieler dazu, konzentriert zu bleiben, weil sie wissen, was passiert von ihnen erwartet und für wie lange (die Arbeitszeit wird sich natürlich je nach Künstler ändern). Wenn eine Routine vor dem Start eingerichtet wird, hat dies einen großen Unterschied in der täglichen Vorbereitung der Spieler, sogar dort, wo sie eher pünktlich sind, da die Startzeit jeden Tag gleich ist. Dies ist auch hilfreich, wenn einer der Spieler eine Familie hat, da er während der Arbeit etwas Normalität in seinem Leben hat.
Wenn der Sänger nur bis 5 Uhr nachmittags krächzen kann und sich seine Stimme magisch zu der eines Engels öffnet, muss der Produzent natürlich klug genug sein, um während dieser Zeit keine Gesangsstunden zu planen. Und das ist ein Teil der Vorproduktion - sie ermöglicht es dem Produzenten, die Stärken und Macken der Spieler zu erlernen, um das Beste herauszuholen, wenn es darauf ankommt.
Die Grundregeln werden in der Regel auch über die Start- und Endzeit hinausgehen. Sind Gäste im Studio willkommen? Wenn ja, wann? Ist Alkohol oder Drogen erlaubt (normalerweise keine gute Wahl)? Muss ein Bandmitglied da sein, wenn er nicht spielt (wie bei Overdubs)? Dies sind nur einige der Dinge, die Sie ausarbeiten müssen, und die Zeit dafür ist die Vorproduktion.
Das echte Heben der Vorproduktion erfolgt während der Proben. Sie können sich mit dem Künstler oder der Band anfreunden und können deren Eigenheiten, Hot-Buttons, Vorlieben und Abneigungen herausfinden, aber Sie müssen die Musik trotzdem so aufnehmen, dass sie aufgenommen werden kann. Dies kann nur während der Proben geschehen. Dies ist eigentlich ein dreistufiger Prozess, der in die Songs, die Arrangements und die Ausführung der Performance unterteilt ist. Lass uns jeden ansehen.
Sie (der Produzent) haben wahrscheinlich Demos angehört oder Wiederholungsaufführungen der Songs vor den ersten Proben aufgenommen, aber Sie wissen nie genau, in welcher Form sie sich befinden, bis Sie sie wirklich hören, und das bedeutet entweder Show oder während der Probe.
Wenn die Songs gut konstruiert sind, hängt der Bereitschaftszustand der Songs für die Aufnahme von der Anordnung und Ausführung dieser Arrangements ab. Wenn einem Song die Form fehlt oder unvollständig ist, ist es Sache des Produzenten, dem Autor zu helfen, ihn in eine bessere Form zu bringen oder einen alternativen Song zu finden.
Obwohl das Songwriting an sich ein zu komplexer Prozess ist, um diesen Beitrag ausführlich zu behandeln, sind hier ein paar häufige Songwriting-Probleme, auf die man achten sollte:
Kein Fokus - Dies bedeutet, dass das Lied von Akkord zu Akkord ohne scheinbare Struktur und ohne klare Unterscheidung zwischen Abschnitten schlängelt. Dies ist das Ergebnis, wenn man den Song nicht genug (oder überhaupt) verfeinert und denkt, er sei lange vor dem Zeitpunkt fertig. Manchmal gibt es wirklich einen Song, wenn Sie ihn etwas zurückschälen, aber normalerweise können Sie ihn nur beheben, indem Sie zum Zeichenbrett zurückkehren, um eine größere Umschreibung durchzuführen.
Ein schwacher Chor - Ein Refrain, der interessant ist, unterscheidet sich normalerweise vom Vers. Es kann nur ein wenig anders sein, wie das Hinzufügen von Hintergrundgesang oder einem anderen Instrument oder ein Akzent oder eine Erwartung für die gleichen Akkordwechsel und Melodien (wie bei Michael Jackson) Hören Sie nicht auf, bis Sie genug bekommen mit der Saitenauflage und Hornfüllung oder Coldplay's Uhren mit einer Rückkehr des Eröffnungsriffs). Oder es wird viel anders sein, wie eine andere Gruppe von Akkordwechseln oder Melodien in Kombination mit Arrangementänderungen Schwindel von U2. In jedem Fall, etwas muss im Refrain wechseln, um die Energie zu heben und das Lied unvergesslich zu halten.
Keine Brücke - Beim Songwriting ist eine Brücke ein Zwischenspiel, das zwei Teile des Songs verbindet und eine harmonische Verbindung zwischen diesen Teilen herstellt, indem die Spannung erhöht oder verringert wird. Eine Brücke ist wichtig, weil sie eine grundlegende Qualität bietet, die in allen Kunstformen zu finden ist - Spannung und Befreiung (in der Musik, die von laut zu leise oder leise zu laut geht, in der Malerei von dunklen zu hellen Farben, in der Fotografie wäre es Licht zu Schatten, etc.), um die Dinge interessant zu halten. Fast jedes großartige Lied hat eine Brücke, aber es gibt gelegentlich Ausnahmen. Songs, die auf den geraden 12-Takt-Blues basieren, haben häufig keine Brücken, aber sie können Dynamik oder Arrangement verwenden, um Spannung und Release bereitzustellen.
Unabhängig von der Anzahl der Songs, die Sie aufnehmen möchten, möchten Sie normalerweise aus ein paar Gründen ein oder zwei zusätzliche Songs in der Tasche haben:
Vielleicht wird alles an der Session magisch sein, die Band wird fantastisch klingen, und die Ausführung wird so präzise sein, dass Sie die gewünschten Songs durchbrennen und etwas Zeit übrig haben. Das passiert so gut wie nie, aber wenn es der Fall ist, ist es schön, die heiße Serie nutzen zu können und ein oder zwei zusätzliche Songs bereit zu haben.
Einer der Songs klingt einfach nicht so toll, egal was Sie tun. Das Gefühl ist nicht richtig, der Groove ist weg, die Temperatur ist aus dem Fenster - es passiert, also ist es am besten, mit etwas anderem fortzufahren, was nur passieren kann, wenn man etwas extra vorbereitet hat.
In gewisser Weise ist es einfacher, etwas über Arrangements zu lernen, indem man zuerst betrachtet, was schlecht ist. Ganz gleich, um welche Art von Musik es sich handelt, von Rock über Country bis Goth, von Rock-a-Billy bis zu Alien-Space-Music. Sie möchten, dass der Song für Ihr spezielles Publikum interessant ist. Hüten Sie sich also vor einem der folgenden Punkte:
Zu lange Abschnitte - Wenn Sie nicht extrem versiert sind oder einen Musikstil haben, bei dem dies nicht zutrifft, sollten Sie alle interessanten Teile auf den Punkt bringen. Zwei Minuten Intros, drei Minuten Gitarrensoli und fünf Minuten Outros sind fast immer langweilig immer Es ist besser, einen Abschnitt zu kurz anstatt zu lang zu haben. Es gibt Ausnahmen (Lynard Skynards Klassiker) Freier Vogel, mit leichten Arrangement-Änderungen, Tritten und Akzenten alle 16 Takte (), aber es erfordert normalerweise viel Arrangement-Geschicklichkeit, um es zu schaffen.
Keine Intro / Outro Hooks - Wenn es sich um moderne populäre Musik (nicht Jazz oder Klassik) handelt, haben die meisten Songs eine Instrumentallinie (oder einen Hook), die Sie am Anfang des Songs hören, möglicherweise wieder im Refrain, und jederzeit Intro wiederholt sich im Song. Ein gutes Beispiel wäre das Eröffnungsgitarrenriff der Stone's Befriedigung oder das Klavier in Coldplay Uhren. Die Entwicklung von Intro- / Outro-Hooks ist eine der Hauptaufgaben, mit denen der Produzent immer konfrontiert ist.
Instrumente, die zusammenstoßen - Wenn zu viele Instrumente im selben Frequenzbereich spielen, kollidieren sie. Dies ist im Allgemeinen zu sehen, wenn zwei Gitarrenspieler ähnliche Rigs spielen (beide haben beispielsweise Strats und Marshalls), dies kann jedoch zwischen zwei beliebigen Instrumenten geschehen. Es ist die Aufgabe des Produzenten, das Register zu ändern, den Part zu ändern, die Zeile zu ändern oder den Sound zu ändern, damit alles passt.
Songs Out Of Range für den Sänger - Seien wir ehrlich, einige Songs, die auf und für Gitarre geschrieben sind, klingen einfach besser in A oder E, aber das bedeutet nicht, dass der Sänger es tatsächlich in diesen Tasten singen kann. Es ist die Aufgabe des Produzenten, sicherzustellen, dass sich der Song in der Tonart befindet, die den Sänger zum Glänzen bringt, ohne jedoch den Song an seiner Essenz oder seinem Sound zu rauben (manchmal eine große Reihenfolge)..
Sie können großartige Songs und großartige Arrangements haben, aber wenn Sie die Aufführung nicht ausführen können, klingt das immer noch nicht gut. Es ist unvermeidlich, dass der Produzent mit dem Problem konfrontiert wird: „Warum klingt dieser Song (oder ein Teil des Songs) nicht richtig?“ Vielleicht fühlt es sich bei einem Durchlauf gut an und beim nächsten nicht so gut. Vielleicht klingt es gut, bis auf einen Abschnitt. Vielleicht klang es nie großartig, aber Sie glauben, dass der Song etwas Besonderes hat und bereit sind, die Zeit damit zu verbringen, ihn auszuarbeiten.
Während Musik um den schwer fassbaren Wert von „Gefühl“ aufgebaut ist, der sehr schwer zu definieren ist, gibt es bestimmte Mechanismen, die bestimmen, wie dicht die Musik gespielt wird, und aus Gründen eines besseren Ausdrucks, wie groß sie klingt. Diese Prinzipien gelten für jede Art von Musik, von Blaskapelle über Deep House über Reggaeton bis zu Speed Metal. Die Prinzipien sind alle gleich. Wenn etwas nicht „richtig“ klingt, liegt dies wahrscheinlich an einem der folgenden Punkte.
Mit Dynamik zu spielen bedeutet, an bestimmten Stellen in einem Song mit geringerer Intensität zu spielen und an anderen Stellen lauter oder mit mehr Intensität. Die meisten jungen Bands sind sich der Dynamik nicht bewusst und spielen während des gesamten Songs (oder auch aller Songs) auf einem Volume, was für den Hörer sehr schnell langweilig werden kann. Wenn die Band den Song dynamisch spielt, atmet der Song volumenmäßig. Von laut zu leise oder leise zu laut zu gehen, ist ein weiteres Beispiel für „Anspannung und Entspannung“..
Das wahre Geheimnis des dynamischen Spielens ist folgendes: Wenn Sie laut spielen, spielen Sie so laut wie möglich, und wenn Sie leise spielen, spielen Sie so leise wie möglich, und suchen Sie dann eine dritte Ebene dazwischen!
Hören Sie sich ein wirklich gutes Beispiel für Dynamik an Fühlt sich wie Teamgeist an bei Nirvana, wo die Verse leise sind, die Pre-Refraktoren lauter sind und die Refrains gerade brüllen.
Das Timing besteht aus drei Teilen, die den Song schlampig klingen lassen, wenn er nicht auf die gleiche Weise von jedem Bandmitglied ausgeführt wird: Song beginnt und stoppt, Groove, Attacken und Releases. Lass uns jeden ansehen.
Song beginnt und stoppt (Anfang und Ende) - Man könnte das Starten und Stoppen von Songs als „Anfang und Ende“ bezeichnen, mit der Ausnahme, dass es manchmal Stopps und Starts in der Mitte eines Songs gibt. Der Trick besteht darin, sicherzustellen, dass alle das Lied gleichzeitig starten und stoppen. Diese können nicht für später aufgegeben werden oder mit der Einstellung "Es wird besser im Studio" behandelt werden. Probiere jeden Start und Stopp so lange, bis alle eingesperrt sind und es als Handrücken kennen! Wenn es nach fünf oder sechs Versuchen immer noch nicht richtig klingt, fragen Sie jedes Bandmitglied: "Wie spielen Sie es?". Wie bei den meisten Dingen, die nicht fest einrasten, gibt es mindestens einen Spieler, der etwas anders spielt als die anderen. Unabhängig davon, wie das Lied beginnt oder endet, muss es jeder auf die gleiche Weise spielen - keine Ausnahmen.
Der Groove - ALLE gute Musik, egal ob Rock, Jazz, Klassik, Rap oder neue Weltraummusik, die wir noch nicht gehört haben, hat einen starken Groove. Man hört immer von "dem Groove", aber was ist es??
Der Groove ist der Puls des Songs und wie die Instrumente damit dynamisch atmen.
Ein verbreiteter Irrtum eines Grooves ist, dass er eine perfekte Zeit haben muss, aber Gegen die Zeit wird durch Spannung eine Nut erzeugt. Das heißt, dass es nicht perfekt sein muss, gerade eben, und alle Aufführungen müssen nicht gleich viel „Gleichmäßigkeit“ haben. Tatsächlich fühlt sich der Groove steif an, wenn er zu perfekt ist. Aus diesem Grund nimmt die Quantisierung von Parts und das Aneinanderreihen jedes Treffers auf einer Workstation bei der Aufnahme häufig den Tod eines Songs. Es ist zu perfekt, weil es keine Spannungen gibt. Es hat seinen Groove verloren.
Es ist viel schwieriger, die Rhythmus-Sektion mit dem Rest der Band zu spielen, als Sie denken, da Gitarristen nicht immer auf den Schlagzeuger hören. Ein Keyboarder hat möglicherweise metronomische Zeit, hat jedoch Schwierigkeiten, seine linke Hand mit dem Rhythmus zu koordinieren Bassist und Sänger werden oft vergessen, dass hinter ihnen eine Band spielt. Der Schlüssel ist für jeden in der Band, um einander zuzuhören!
Angriffe und Veröffentlichungen - Attacken und Veröffentlichungen (manchmal auch als "Artikulationen" bezeichnet) sind eines der am meisten übersehenen, aber wichtigsten Elemente im Zusammenspiel. Angriffe und Veröffentlichungen beziehen sich normalerweise auf eine Phrase, die Sie entweder spielen oder singen. Der Angriffsteil ist einfach - jeder fängt an, auf dieselbe Weise zur gleichen Zeit zu spielen oder zu singen. Die Veröffentlichungen werden übersehen. Eine Veröffentlichung ist, wie Sie eine Phrase beenden und ist genauso wichtig, wie Sie es anfangen. Wieder muss jeder es genauso spielen.
Ein anderer, oft übersehener Teil eines Songs, der eng sein muss, ist der Turnaround zwischen den Abschnitten, z. B. den ein oder zwei Takten zwischen Vers und Chorus, Chorus und Vers, Vers und Outro, Chorus und Bridge usw. Dieser Abschnitt erfordert viel Fokus, weil es normalerweise etwas anders als der Rest des Abschnitts gespielt wird. Für den Schlagzeuger ist es normalerweise ein Tom- oder Snare-Roll in den nächsten Abschnitt, aber wenn es sich nicht um einen Build handelt, spielen die meisten Spieler, die nicht mit der Aufnahme vertraut sind, manchmal einfach zufällig etwas über die Rolle. Dies funktioniert nicht, da Sie für eine Turnaround eine präzise Linie benötigen, die gespielt werden muss, um dicht am Schlagzeug zu bleiben.
Jeder Song benötigt das perfekte Tempo zum Groove. Bei der Aufnahme von Schallplatten entdecken wir früh, dass nur ein einziger BPM (Beat pro Minute) einen großen Unterschied im Gefühl haben kann, wie sich ein Song anfühlt. Nur ein bisschen langsam und das Lied scheint zu ziehen; ein wenig schnell und es fühlt sich unangenehm an oder wird schwer zu spielen. Daher ist es sehr wichtig, dass Sie die ideale BPM des Songs festlegen, bevor Sie ihn aufnehmen.
Unabhängig davon, wie gut die Proben für die Vorproduktion scheinen, ist es wirklich wichtig, eine Demo-Aufnahme für die Vorproduktion zu machen, vorzugsweise an einem anderen Ort als Ihrem Probenraum, denn Sie wissen nie wirklich, was ein Spieler spielt, bis er aufgenommen ist. Es ist auch wichtig, die Band aus ihrer sicheren und komfortablen Probenumgebung herauszuholen, damit sie wissen, dass es nicht unbedingt negativ ist, wenn sich in einer neuen Umgebung etwas anders anhört.
Die Preproduction-Demo muss nicht teuer sein und braucht nicht viel Zeit. Je billiger und schneller, desto besser. Sie versuchen zu lernen, wie gut alle miteinander spielen und ob die Arrangements und Songstrukturen tatsächlich funktionieren. Daher sind höchstens ein paar Pässe jedes Songs erforderlich, es sei denn, es liegt ein großes Zugunglück vor. Performance-Fehler sind in Ordnung, solange Sie die vollständige Form des Songs hören und sich keine Sorgen um Overdubs oder Layering machen müssen, außer einem schnellen Durchlauf, um eine Idee zu überprüfen. Perfektion ist nicht das Ziel der Demo, Informationen über Songstruktur, Arrangement und einzelne Parts sind.
Nach dem Hören der Aufnahme (auch wenn Sie sich nur die Wiedergabe während der Aufnahme anhören), sollte klar sein, was korrigiert oder verbessert werden muss, was bei einer anderen Probenrunde stattfinden sollte. Es hilft auch den Spielern, wenn sie hören, was sie gegen alle anderen spielen. Es ist nicht ungewöhnlich, während einer Wiedergabe Kommentare wie "Ich wusste nicht, dass Sie es so spielen" zu hören.
Die Idee dahinter ist, die Parts herunterzurüsten, damit die eigentliche Aufnahme effizient und ohne Überraschungen durchgeführt wird und die Spieler sich nur auf ihre Leistungen konzentrieren müssen, anstatt neue Parts lernen zu müssen. Zu der Zeit, zu der ein Spieler den neuen Teil im Studio erlernt, hat seine Leistung oft so viel gelitten, dass eine zusätzliche Sitzung erforderlich ist, um eine großartige Leistung einzufangen. Die Vorproduktion beseitigt hoffentlich das.
Im nächsten Beitrag werfen wir einen Blick auf die Arbeit mit einem Künstler oder einer Band im Studio.
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