Share
Seine Serie über Musikproduktion basiert auf meinem neuen Buch The Music Producer's Handbook, in dem ich einige grundlegende Produktionstechniken skizzieren und hoffentlich einige Details über den Prozess vermitteln werde, der einige der Geheimnisse wegnimmt. Beachten Sie, dass dieser Teil der Serie die Beziehung zwischen einem Produzenten und einer Band oder einem Produzenten mit einem Künstler mit einer Begleitband oder Studiomusikern betrachtet. Wir werden uns später in der Serie mit der Eigenproduktion beschäftigen.
In Teil 3 betrachten wir eines der kritischsten Elemente eines Produzenten - die besten Leistungen von Künstlern und Musikern zu erhalten.
Es ist wichtig, dass sich ein Produzent richtig mit dem Künstler verbindet, da der Erfolg eines Projekts von einer einfachen und effizienten Zusammenarbeit abhängt. Allerdings ist es manchmal nicht so einfach, zu sagen, wer der „Künstler“ in einem Projekt ist.
Es ist normalerweise ziemlich offensichtlich, wer der Künstler (oder der musikalische Leiter einer Band) ist, wenn es um ein Platten- oder Demo-Datum geht, aber es gibt viele andere Musikproduktionen, bei denen der Künstler eine etwas andere Einheit ist. Wenn es sich um ein Jingle-Datum handelt, kann der Komponist oder jemand von der Werbeagentur im selben Licht wie ein Künstler gesehen werden, und wenn es sich um ein Film- oder Fernsehdatum handelt, können der Regisseur, der Produzent, der Musik-Supervisor Studio-Executives oder ihre Vertreter sollten ebenfalls als Künstler betrachtet werden.
Unabhängig von der Art des Projekts ist es am besten, dem Künstler zu jeder Zeit einen ruhigen, freundlichen Respekt zu zeigen. Während der Aufnahme sind Sie ein wertvoller Beitrag zu ihrem kreativen und geschäftlichen Prozess und werden in der Regel mindestens als Peer und höchstens als elterliche Person oder als Lehrer betrachtet. Während Ihrer Zeit im Tätigkeitsbereich, in der Sie die Platte erstellen, bewohnen Sie das musikalische, berufliche und soziale Universum des Künstlers als Kreuzung zwischen einem Ehrengast und einem Partner in ihrem musikalischen Unternehmen.
Sobald ein Künstler Ihnen auf musikalischer Ebene vertraut, kann dieses Vertrauen auch auf die persönliche Ebene übertragen werden. Es ist leicht, ein Vertrauter zu werden, da die enge Verbindung zwischen Ihnen (dem Produzenten) und dem Künstler wächst, aber es kann gefährlich sein, sich zu nahe zu kommen. Persönliche Probleme können der Musik leicht im Wege stehen, und während der Produzent sich damit auseinandersetzen muss, kann der Fokus leicht von der Musik abweichen, wenn der Produzent zu persönlich involviert ist. Viele Produzenten achten sorgfältig darauf, Grenzen zu setzen, die es ihnen ermöglichen, sich auf die anstehende Arbeit zu konzentrieren, und engagieren sich nur im privaten Bereich des Künstlers, wenn dies negative Auswirkungen auf die Musik hat.
In Bezug auf alle tangentialen Interaktionen, die in einer Sitzung auftreten können, sollte jeder, der mit dem Künstler in Verbindung steht (wie ein Ehepartner, ein Familienmitglied, ein Freund oder eine Freundin, ein Gast, ein Fahrer, ein persönlicher Assistent oder ein Mitarbeiter), als „Künstler“ betrachtet werden. Obwohl es leicht ist, diese Leute als unwichtig für den Produktionsprozess abzutun, kann die leichte Behandlung sie dazu bringen, den Künstler zu verachten!
Selbst wenn sich ein Musiker mit seiner Umgebung völlig auskennt, gibt es einige Möglichkeiten, um ihm zu helfen, seinen Auftritt auf ein anderes Niveau zu heben. Wenn sie nicht bereits viel Erfahrung mit dem Studio haben, können die meisten Musiker sehr selbstbewusst sein, was sie spielen, insbesondere nachdem sie eine Wiedergabe gehört haben, die einige Mängel aufdeckt, von denen sie bis zu diesem Moment keine Kenntnis hatten. Es ist wichtig, dass ihr Vertrauen nicht nachlässt, und es liegt direkt an Ihnen, dies zu verhindern. Hier sind ein paar Tricks, die helfen werden.
Eines der schwierigsten Dinge bei der Aufnahme einer Platte ist der Versuch, einen unangenehmen Sänger aufzunehmen. Selbst ein erfahrener Profi kann manchmal nicht sein Bestes geben, wenn die Bedingungen nicht stimmen. Berücksichtigen Sie einige dieser Vorschläge vor und während einer Gesangssitzung.
Während erfahrene Studioplayer einen großartigen Track ohne Guide oder „Scratch“ -Vocal schneiden können, würde es fast jeder Spieler vorziehen, einen zu spielen. Die Leitstimme fungiert nicht nur als Hinweis für bestimmte Abschnitte des Songs, sondern trägt zum Groove und Feeling bei, das einem Spieler hilft, Höchstleistungen zu erbringen. Ein weiterer Vorteil ist, dass der Leadsänger den Spielern im Verlauf des Songs Anweisungen und Erinnerungen geben kann.
Es gibt keine besonderen Regeln für einen Scratch-Gesang. Einige Sänger haben nichts dagegen, in einer Vokalzelle zu sitzen, während sie einen Scratch-Gesang spielen, aber fast alle Sänger möchten alle Spieler während eines Songs sehen können, da sie es nicht mögen, sich vom Rest der Band getrennt zu fühlen. Infolgedessen würden viele Sänger lieber mit den anderen Spielern im Raum sein. Die Scratch-Spur klingt in dieser Situation aufgrund des Durchsickerns (hauptsächlich aufgrund des Durchsickerns aus den Drums) nicht so gut, aber wenn dies die Leistung der Band und des Sängers unterstützt, möchten Sie dies tun.
Viele Lead-Sänger, Produzenten und Ingenieure mögen ein leichtes Scratch-Vocal nehmen, da sie zu einem späteren Zeitpunkt unter besseren Bedingungen wiederholt werden. Der kluge Produzent ist jedoch immer nur für den Fall vorbereitet, dass Magie passiert, die nicht erneut erfasst werden kann. Behandle diese Stimme ernsthaft, denn du weißt nie, wann du einen Blitz in einer Flasche einfangen könntest, und es wird ein Hüter sein.
In den 70er Jahren gab es eine Zeit, in der einige Projekte mit hohem Budget eine ganze Woche dauerten, um den richtigen Snare-Drum-Sound zu erhalten. Während sie das musikalische Snare-Drum-Nirvana erreicht haben, müssen 99,99999% der Sessions schneller als das sein, und sie sollten dies tun. Je mehr Zeit Sie vor der Aufnahme benötigen, desto weniger Zeit verbringen Sie tatsächlich mit der Aufnahme, da die Aufmerksamkeitsspanne der Spieler proportional zur Zeit, in der Sie Sounds erhalten, abnimmt. Obwohl Sie möchten, dass die Dinge so gut wie möglich klingen, ist ein schlecht klingender Track mit einem großartigen Vibe viel brauchbarer als ein gut aufgenommener, aber musikalisch abgestandener Track.
Das Aufnehmen von Sounds ist jedoch ein notwendiges Übel bei der Aufnahme, und es muss mindestens eine gewisse Zeit für die Aufgabe bereitgestellt werden. Ein guter Produzent weiß, wann er weitermachen muss, wenn es zu lange dauert, und der Ingenieur versucht nur, die letzten 5% des Sounds einzuwählen, oder weiß, wann er fortfahren soll, wenn der Sound wirklich nicht funktioniert.
Tolle Tracks ergeben sich aus dem Fokus des Teilnehmers und dem Komfort der Spieler. Obwohl der Umweltkomfort hilfreich ist, spielt oder singt ein Spieler am besten, wenn er sich selbst gut und im richtigen Verhältnis zu den anderen Spielern oder Sängern hört. Deshalb ist der Kopfhörer-Mix (manchmal auch "Cue" genannt) so wichtig.
Der größte Nachteil einer reibungslos laufenden Sitzung ist möglicherweise die Unfähigkeit der Spieler, sich bequem im Kopfhörer zu hören. Dies ist einer der Gründe, warum erfahrene Ingenieure so viel Zeit und Aufmerksamkeit für den Cue-Mix und die Telefone selbst aufwenden, anstatt dass ein Assistent dies tun darf. Ein sicheres Zeichen eines Studio-Neulings ist es, den Kopfhörer- und Cue-Mix nachträglich zu behandeln, anstatt so viel Zeit wie nötig zu verbringen, um sie großartig klingen zu lassen. Es ist zwar richtig, dass ein erfahrener Studio-Spieler einen schlechten oder verzerrten Telefonmix abschrecken kann und trotzdem eine gute Leistung abliefert. Gute „Dosen“ machen eine Sitzung schneller und einfacher und nehmen eine Variable mit sich, die möglicherweise die größte Beeinträchtigung einer Sitzung darstellt aus der Gleichung.
Die Klickspur oder das Aufnehmen beim Hören eines Metronoms ist heutzutage in den meisten Sitzungen zu einer Tatsache geworden. Das Spielen in einem gleichmäßigen Tempo klingt nicht nur besser, sondern ermöglicht auch das Ausschneiden und Einfügen von Inhalten zwischen einer DAW in einer DAW. Ein auf einem Klick basierendes Stück erleichtert auch das Delay- und Reverb-Timing beim Mischen.
Beim Klicken auf einen Klick kann es jedoch eine Reihe von Problemen geben, wie beispielsweise das Durchsickern des Klicks in die Mikrofone und die Tatsache, dass manche Leute einfach nicht genug Zeit haben, um ihr Leben zu retten. Die meisten Spieler werden heutzutage jedoch mit einem Klick oder mit Schleifen gespielt, so dass das Problem darin besteht, dem Spieler zu helfen, den Klick mehr als alles andere zu hören.
Oft reicht es nicht aus, nur ein Metronom in den Handys bereitzustellen. Was nützt ein Klick, wenn Sie ihn nicht hören können oder, schlimmer noch, nicht einrasten können? Hier sind ein paar Tricks, um den Klick nicht nur hörbar zu machen, sondern auch die dichtesten Mischungen zu durchdringen und wie ein anderes Instrument in der Spur zu wirken.
Um die besten Leistungen zu erzielen, müssen Sie die Spieler ständig fokussiert halten. Der beste Weg, dies zu tun, besteht darin, dass ein Produzent die Sitzung gut verwaltet.
Die Spieler in den Kontrollraum zu bringen, um eine Wiedergabe anzuhören, kann entweder störend sein oder dazu dienen, den Schwung der Sitzung strategisch zu steigern. Wenn die Spieler nach jedem Take eine Wiedergabe hören, verlangsamt sich die Energie, wenn die Spieler in den Kontrollraum gelangen und danach wieder hinausgehen. Selbst wenn die Spieler eine Wiedergabe über ihre Telefone hören, kann der Impuls gestört werden. Es dauert in der Regel ein bis zwei Minuten, bis sie sich wieder wohl fühlen, was Sie von der perfekten Einstellung weiter entfernt und nicht näher heranbringen kann.
Eine der besten Möglichkeiten, um Ihren Standpunkt zu vermitteln und gleichzeitig die Energie hoch zu halten, besteht darin, bei den Kontrollraum-Wiedergaben selektiv zu sein. Es ist normalerweise am besten, die Spieler nach dem ersten Paar zum Zuhören zu bringen und jeder ist an dem Punkt, an dem er sich mit dem Sound und dem Studio wohl fühlt. An diesem Punkt können sie einen Bezugspunkt erhalten, wo sie sich jetzt befinden und wohin sie gehen müssen. Bringen Sie sie nicht zurück in den Kontrollraum, bis sie entweder das haben, was ein Keeper braucht, oder wenn ein anderes Zuhören ihnen hilft, etwas besseres zu spielen. Weniger Fahrten in den Kontrollraum tragen dazu bei, dass die Energie hoch bleibt und die Dynamik weiter ansteigt.
Eine der besten Fähigkeiten, die ein Produzent entwickeln kann, ist die Entscheidung, wann es Zeit ist, eine Pause einzulegen. Manchmal kann eine zehnminütige Pause neue Energie in eine Flaggensitzung pumpen, sodass der Produzent immer den Finger am Puls der Spieler halten muss, um seine Konzentration einzuschätzen. Die Gefahr besteht darin, dass Sie eine Pause einlegen, während die Spieler in einen Groove geraten, und es wird schwierig sein, sie nach der Pause wiederzuerlangen. Normalerweise sagen die Spieler Ihnen jedoch, dass sie weitermachen wollen, oder sie werden es tun Vergewissern Sie sich, dass auch eine Pause erforderlich ist. Es ist in der Regel am besten, mindestens alle drei Stunden eine Pause einzulegen, je nachdem, wie die Sitzung abläuft.
Essenspausen können insofern gefährlich sein, als sie sorgfältig behandelt werden müssen, damit Sie die Spieler danach wieder in einen Groove bringen können. Wenn die Pause zu lang ist, kann es ebenso lange dauern, bis die Spieler wieder auf sich aufmerksam machen. Dasselbe gilt, wenn Sie das Studio verlassen lassen, um woanders zu essen. Aus diesem Grund ist es immer besser, etwas zu essen mitzubringen. Eines der größten Probleme ist die große Mahlzeit, da normale Verdauung die Fähigkeit des Spielers verlangsamt sich danach zu konzentrieren. Halten Sie die Essenszeit kurz, die Portionen klein und lassen Sie absolut keinen Alkohol zu, damit alle frisch bleiben und die Sitzung auf Kurs bleibt.
Damals, als die meiste Musik in kommerziellen Studios aufgenommen wurde, drehte sich alles um die 12-stündige "Aussperrung". Dies bedeutet, dass, obwohl Sie nur 12 Stunden lang aufgeladen werden, niemand sonst das Studio für die anderen 12 verwenden kann Die Ausrüstung des Musikers und die Ausrüstung im Kontrollraum können weiterhin eingerichtet bleiben.
Mit 87% der Musik, die heutzutage aus persönlichen Studios kommt, ist es nicht so wichtig, dass man sich auf die Einrichtung konzentriert, aber die Mentalität, die man so lange spielen kann, wie man möchte, kann das Bewusstsein der Sitzung stark beeinträchtigen. Wenn Sie für einen 12-Stunden-Tag in einem kommerziellen Studio bezahlen, ist es nicht ungewöhnlich, dass Sie jede Minute wert sind, wenn Sie im Studio lange nach dem Ausbrennpunkt bleiben. Dies kann insgesamt kontraproduktiv sein, da das Burn-Out an allen aufeinanderfolgenden Aufnahmetagen danach dazu führt, dass alle aufholen, was die Konzentration erschwert und die nutzbare Zeit im Studio immer kürzer wird. Wenn Sie nicht für die Zeit zahlen, ist es leicht, sich über die Zeit zu distanzieren und weit über den Punkt produktiver Arbeit hinaus zu bleiben.
Studioprofis haben herausgefunden, dass es am besten ist, die Tage auf vernünftige 8 oder 9 Stunden zu beschränken. Sie müssen nur daran vorbeiziehen, wenn Sie wirklich in der Nähe von etwas Großartigem sind und jeder fortfahren möchte oder eine Deadline ansteht. Eine der Hauptaufgaben des Herstellers ist das Erkennen, wann der Ausbrennpunkt erreicht wurde, und die Sitzung zu diesem Zeitpunkt beenden.
Zu wissen, wann Sie die Spuren der Bewahrer haben, die Sie benötigen, um eine gute Aufnahme zu machen, ist eine der schwierigeren Bewertungen, die ein Produzent vornehmen muss. Während der grundlegenden Nachverfolgung ist die ultimative Leistung eine makellose Performance mit großartigem Groove und viel Gefühl, aber das Erreichen aller drei Attribute ist sehr schwer fassbar. Wenn Sie genug Zeit und genug Zeit haben, wissen Sie, dass die perfekte Einstellung für Sie erreichbar ist. Es ist nicht ungewöhnlich, Dutzende von Takes auszuführen, bis der perfekte erscheint (Jimi Hendrix 'Wahrzeichen All Along The Watchtower war Take # 28)..
Aber manchmal ist es am besten zu bestimmen, dass die Strecke zwar nicht perfekt ist, Sie aber genug haben, um damit zu arbeiten. Können Sie mehrere Takes ausschneiden und einfügen, um das zu bekommen, was Sie brauchen? Solltest du zu einem anderen Song übergehen und später zu diesem Song zurückkehren, um es erneut zu versuchen? Noch einmal, wer auch immer Sie bezahlt, hat seine Bedürfnisse diktiert, bevor Sie überhaupt mit dem Tracking beginnen. Wenn Ihre Aufgabe darin besteht, eine Reihe von Songs innerhalb eines bestimmten Zeitraums fertigzustellen, müssen Sie sich möglicherweise mit einigen Vorstellungen einigen, um die Deadline einzuhalten. Wenn Sie das bestmögliche Produkt erhalten möchten, können Sie den Zeitplan und das Budget aus dem Fenster werfen.
In jedem Fall kann das grundlegende Tracking in wenigen Stunden abgeschlossen sein (wie bei der Aufnahme eines Jazzprojekts mit geradlinigem Abstand) oder es kann Monate oder sogar Jahre dauern (wie bei einer großen Budget-Legacy-Band), aber es liegt beim Produzenten Um den Aufruf zu erreichen, dass die Aufgabe, genau das aufzunehmen, was für diese Aufnahmephase benötigt wird, erfüllt wurde.
Im nächsten Monat werden wir den Overdubbing-Prozess betrachten.
Accentsconagua