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Im ersten Teil unserer Serie haben wir die Konzepte von Stille, Dunkelheit und Kultivierung diskutiert. In Teil 2 haben wir uns mit dem Prozess befasst, die Idee in eine zusammenhängende Form zu bringen und zu beginnen, die Idee zu pflegen, zu kultivieren und zu formen.
In dieser letzten Folge der Serie werden wir direkt in die Serienproduktion übergehen und in einem fertigen Song münden. In diesem Tutorial werden wir einige interessante Bereiche durchqueren - sowohl in Bezug auf die Produktion als auch auf die Philosophie. Ich hoffe, es gefällt Ihnen!
Und solange du es nicht erlebt hast
dies: sterben und so wachsen,
Sie sind nur ein besorgter Gast
auf der dunklen Erde. -Goethe
Wie in Teil 1 und 2 erwähnt, kann die Bedeutung von Scratch-Tracks nicht unterschätzt werden. In meiner Produktionsarbeit bilden die Scratch-Tracks den Rahmen oder das Rückgrat des Songs. Alles andere muss um die Scratch-Tracks herum gebaut werden, denn diese Elemente müssen wirklich hervorstechen.
Für dieses Stück gibt es zwei primäre Scratch-Tracks - Gesang und Klavier. Da ich den Gesang nicht ohne weiteres nachvollziehen kann, skizzierte ich zunächst die gesamte Piano-Linie für das Stück, unterteilt in Abschnitte.
Ich habe eine gute Zeit damit verbracht, nach dem richtigen Piano-Sample zu suchen, und entschied mich schließlich für eine einfache Yamaha-Pop-Piano-Einstellung aus dem EXS24-Sampler von Logic. Bei den meisten Standards ist es kein besonders gutes Instrument-Sample, aber es hatte genau das richtige Gefühl für die Art von Musik, die ich schrieb, und es unterstrich einen wichtigen Punkt:
Tun Sie das Beste mit dem, was Sie haben.
Für mich bedeutet das, mit den Tools und Instrumenten zu arbeiten, die Sie haben, und sich mit den Fähigkeiten, die Sie haben, zu begnügen. Wenn Sie genau auf das richtige Instrument und genau auf die perfekte Leistung warten, werden Sie wahrscheinlich sehr lange warten ...
Piano Scratch Track Arrangement
In dieser Phase ist es wichtig, auf den Fluss der Melodie zu achten und alle Ihre 'Momente' sozusagen zu treffen. Aus diesem Grund habe ich das Klavier in drei separate Spuren aufgeteilt - eine für Verse, Brücken und Chor.
Nachdem ich das Klavierarrangement angelegt habe, gehe ich neben der Gesangsspur. Während dies ein guter Zeitpunkt für das Üben der Vocals sein kann, ist es auch hier wieder wichtig, den Rahmen zu schaffen. Ihre Performance muss nicht perfekt sein - sie muss die Klangfarbe, das Volumen und die Lieferung der endgültigen Performance vermitteln.
Ich habe mehrere Verse, Brücken und Refrains gemacht. Während dieser Zeit habe ich festgestellt, dass mir die Akkordfolge für die Brücke nicht wirklich gefallen hat. Deshalb habe ich ein paar kleine Änderungen vorgenommen, um den Melodiefluss etwas besser zu machen.
Mit dem Refrain lehnte ich mir eine beliebte Akkordfolge ab, stellte jedoch fest, dass die stimmliche Übergabe es mir immer noch einzigartig machte. Dies ist eine meiner persönlichen Philosophien, die ich vermitteln möchte:
Es ist in Ordnung zu leihen und nachzuahmen, solange das Ergebnis immer noch etwas Eigenes ist.
Ich weiß, das traditionelle Sprichwort besagt, dass Amateure nachahmen und Profis stehlen. Dem stimme ich persönlich nicht zu, da oft eine Grenze zwischen Anleihen, Nachahmen und Stehlen besteht. Mein Gefühl ist, dass alles gut ist, solange sich das, was man am Ende kreiert, als etwas Einzigartiges anfühlt.
Hier ist ein Bild von meinem Gesangskomposition:
Gesangskomposition
Ich habe hier, hier und hier viel über den Prozess der Addition und Subtraktion geschrieben. Das Fazit ist, dass der Arrangement-Prozess für mich ein Prozess ist, bei dem Sie Layer und Sounds über Ihr 'Gerüst' hinzufügen, bis die Dinge auf natürliche Weise abfallen.
Im Zusammenhang mit dieser Melodie habe ich jetzt die Piano- und Vocal-Scratch-Tracks, daher ist es an der Zeit, mit dem Bau und dem Hinzufügen dieser wichtigen Elemente zu beginnen.
Wenn das Klavier und der Gesang Frame sind, bilden Basis und Rhythmus die Grundlage. Mit dieser speziellen Melodie wollte ich die Dinge jedoch zunächst einfach halten. Für den Bass habe ich ein einfaches Fretless-E-Sample gewählt, aber der Anschlag wurde etwas milder, um mit dem Gesang und dem Klavier etwas besser zu harmonieren.
Von hier aus ging ich zurück zu all den verschiedenen Ideen, die ich bezüglich des Songs hatte, in Bezug darauf, welche Art von Palette ich verwenden möchte. Die musikalischen Inspirationen für dieses Stück waren in keiner bestimmten Reihenfolge:
Dies gibt mir ein ziemlich breites Spektrum an Sounds, aus denen ich arbeiten kann, aber es war ziemlich einfach, die nächsten Schritte festzulegen. Da der Song für Klavier und Vocals entwickelt wurde, war es für mich ein bisschen einfacher, einige der neuen elektronischen Geschmacksrichtungen, die BT für seine Musik verwendet, schnell auszuschließen. Außerdem sind meine Produktionsfähigkeiten nicht wirklich geeignet, um diese Art von Effekten zu erzeugen, also bin ich zu etwas Einfacheren übergegangen.
Peter Gabriel kam als nächstes, und es war leicht zu sehen, dass einige seiner höher produzierten Songs mit der relativ einfachen Einfachheit dieses Songs nicht funktionieren könnten. Aber seine Melodie "Here Comes The Flood" funktionierte immer noch als Inspiration, obwohl mir noch nicht klar war, wie es geht.
So blieben mir David Gray und Counting Crows, die beide stark auf Klavier, Gitarren und traditionelle Pop / Rock-Arrangements setzen.
Am Ende war mein nächster Schritt (nach Klavier, Gesang und Bass) ein einfaches Jazz-Drumkit mit einem einfachen und einfachen Rhythmus. Das Lied schien keine starke elektronische Produktion zu wollen, deshalb hielt ich es einfach.
Anfangsvereinbarung.
Von da an habe ich ein paar Intro-Pads und ein paar Pad-Lines in verschiedenen Bereichen des Songs hinzugefügt. Ich habe auch eine einfache Akkordeon-Linie (inspiriert von Counting Crows) hinzugefügt, die während des zweiten Verses und der Brücke einige interessante Zeichen und Ornamente hinzufügte.
Ich wollte mich darauf konzentrieren, die Verse und Brücken im Verlauf der Melodie interessanter zu gestalten, und die Dinge schienen gut zu laufen. Ich habe mich intensiv mit der Gesamtform des Songs befasst und dafür gesorgt, dass es durchgehend Spannung und Entspannung gibt. Ich tat dies, indem ich sicherstellte, dass in allen Versen und Brücken ein gutes Gleichgewicht aus Addition und Subtraktion bestand, wobei die Refrains die bestmögliche Energie und Kraft besaßen.
Wenn es um den Refrain ging, stellte ich fest, dass etwas zwischen Bass, Schlagzeug und der Kraft der Gesangslinie nicht wirklich funktionierte. Zuerst habe ich den Bass überarbeitet, indem ich die Spur dupliziert und den ursprünglichen Angriff der Fretless wiederhergestellt habe. Dies gab der Grundlinie einen zusätzlichen "Schlag". Ebenso schrieb ich eine neue Drum-Line nur für den Refrain, mit einem relativ einfachen, aber kraftvolleren Beat.
Der letzte Schritt war der komplexeste und erforderte viel manuelle Bearbeitung. Ich wollte, dass die primären Hits des Chorus-Arrangements vor dem Beat liegen. Diese Art von leichtem Swing neigt dazu, dem gesamten Rhythmus des Refrains eine Art Impulsgefühl zu verleihen. Für mich fühlt sich der Refrain so "kraftvoller" an, als wenn der Beat einfach gerade wäre.
Wenn Sie den Beat drücken, beachten Sie, wie die Treffer vor dem Downbeat fallen
Nachdem ich ein paar Mal geübt hatte, nahm ich meine Gesangsaufnahmen in ein paar Sessions auf, wobei einige Overdubs und Harmonien für ein gutes Maß eingefügt wurden. Obwohl meine Stimme nicht in der Praxis ist, war ich insgesamt mit den gesungenen Vocals zufrieden und begann mit dem Editieren der Gesangsaufnahmen.
Beim Vocal-Editing geht es mir darum, Fokus zu schaffen und die Ablenkung zu minimieren. Die Dinge, auf die ich normalerweise aufpasse, sind Geräusche im Raum, Klickgeräusche und große Atemzüge. Manuelles Schneiden und Bearbeiten finde ich als die beste Technik, um diese zu minimieren. Ein Noise Gate oder ein Kompressor / Expander kann hier manchmal effektiv sein, aber nichts erzeugt Stille wie das Scherenwerkzeug.
Gesangsbearbeitungen
Ich habe die Logic "Male Creamy Vocal" -Voreinstellung in meinen Channel-Strips verwendet, mit ein paar Änderungen an den EQ- und Hall-Einstellungen. Ich entfernte auch das Noise Gate, weil ich es zu kraftvoll fand und dazu führte, dass einige der leiseren Teile der Melodie eingeklemmt wurden. Ich mag es, etwas Dynamik in meinen Mixes zu behalten, also musste das Gate gehen.
Nachdem ich das Gesangslayout und die Bearbeitungen beendet hatte, verbrachte ich viel Zeit mit dem Arrangement. Das hat mich veranlasst, ein paar Änderungen vorzunehmen, die zwar unorthodox waren, aber für die richtige Melodie geeignet waren.
Das letzte Arrangement
Zu diesem Zeitpunkt hatte ich mehrere Tage damit verbracht, das Arrangement abzuschließen, die Vocals zu verfolgen, zu optimieren und neu zu optimieren. Mir wurde klar, dass ich in diesem Modus noch einige Tage bleiben könnte, wenn nicht Wochen, aber dann ging ein Blitz in meinem Gehirn aus. Ich wurde an das Manifest von Cult Of Done erinnert. Die beste Zusammenfassung, die ich gesehen habe, ist folgende: Fertig ist besser als perfekt.
Wie ich bereits in dieser Serie erwähnt habe, ist es schon lange her, seit ich ein Stück geschrieben, produziert und veröffentlicht habe. In diesem Sinne entschied ich, dass ich mit der Art und Weise, wie sich dieser Song geformt hatte, glücklich war und dass es an der Zeit war, mit dem Tweaking aufzuhören.
Ich trat dann vom Computer zurück, lauschte der Melodie und stellte fest, dass etwas fehlte.
Ich ging schnell zu meiner anderen Maschine, die einige Proben meiner Tochter aufgenommen hatte, als sie gerade einmal ein Jahr alt war. Ich kopierte sie auf meinen Hauptcomputer, nahm einige ausgewählte Bearbeitungen vor und fügte sie mit ein paar einfachen Hall-Effekten am Anfang und Ende des Songs hinzu.
Als ich das Lied wieder hörte, diesmal mit Proben meiner Tochter, schäme ich mich nicht zu sagen, dass ich Tränen in den Augen hatte. Die Erstellung dieser Melodie war aus vielen Gründen lang und mühsam. Aber abgesehen davon war ich einfach glücklich mit dem, was ich geschaffen hatte, und ich wusste, dass meine Tochter, wenn sie alt genug war, um zu verstehen, stolz auf ihren Papa sein würde, weil er dieses Lied für sie geschrieben hatte.
Und es bringt mich zu einem anderen Punkt:
Lassen Sie sich von Ihrer Musik bewegen.
Wenn Sie von Ihrer Musik nicht bewegt werden können, werden Sie wahrscheinlich Ihr Publikum nicht bewegen. Gönnen Sie sich Zeit und Raum, um mit offenem Geist, offenem Herzen und frischen Ohren zuzuhören.
An dieser Stelle könnte ich etwas ausführlicher auf meinen Prozess des Mischens und Masterns eingehen, aber wir haben das in anderen Tutorials sehr gut behandelt, und das ist nicht meine Stärke. Unnötig zu erwähnen, dass ich die letzten Stunden damit verbracht habe, den Mix zu finalisieren, um sicherzustellen, dass die Vocals dort stehen, wo sie gebraucht werden, dass ein dynamischer Bereich für meinen Geschmack vorhanden ist und dass sichergestellt wurde, dass andere Instrumente in der Anordnung das Gefühl hatten, an ihrem richtigen Ort zu sein. Ich habe einen einfachen Multi-Band-Kompressor für die Endstufe hinzugefügt, um das Finishing vor dem Druck auf die Festplatte zu vereinfachen.
Was folgt, sehr geehrter Leser, ist das erste "Pop", das ich lange aufgenommen und produziert und mit dem Publikum geteilt habe. Ich hoffe, dass Ihnen der Schöpfungsprozess mit mir gefallen hat, und ich hoffe, dass Sie die Melodie genießen werden oder, wenn nicht, mir zumindest konstruktives Feedback geben.
Ich wünsche Ihnen viel Erfolg bei Ihren musikalischen Bemühungen.
Final Mix: "Ich werde dich heute Abend lieben"
Accentsconagua